Agenda cultural

Los lunes no hay proyecciones en el cine Doré.

PROGRAMA

MARZO DE 2023

La Filmoteca Española propone este mes sendos ciclos de los directores Margarita Alexandre (1923-2015) y José María Forqué (1923-1995), que invitan a repensar de algún modo la historia del cine español, especialmente en el periodo decisivo de los años cincuenta, y apreciar una versatilidad que seguramente la tradición cultural no nos haya dado a entender. Proponemos una selección de títulos de la extensa y muy ecléctica filmografía del director de Atraco a las tres (1962), que se atrevió prácticamente con todos los géneros, especialmente con la comedia, y que en todos ellos aportó su edificante profesionalidad, su capacidad para amoldar la sintaxis del cine, que dominó como pocos, a las necesidades de cada relato.

La admirable figura de Margarita Alexandre, directora, productora y actriz, primera de las mujeres junto a Ana Mariscal que dirigió cine bajo el franquismo, y por cuya libertad pagó no pocos precios, entre ellos el exilio y el olvido, brillará con luz propia en las salas del Doré. Su cine, casi siempre en connivencia con Rafael Torrecilla y Juan Mariné, abandera una suerte de libertad capaz de abrir puertas a territorios ignotos por entonces.

Cuando apenas hace una semanas que nos dejó Carlos Saura, y cuyo recuerdo dará nombre a partir de ahora a nuestro Centro de Conservación y Restauración, dedicamos de la mano de CIMA una sesión a los documentales que dirigió Adela Medrano, la primera mujer del autor de La caza (1965), y también tendremos en el recuerdo a Eugenio Martín, recientemente fallecido, con la proyección de algunos de sus títulos más queridos y emblemáticos, como Pánico en el transiberiano (1972).

Continuando con los “renacimientos” que conforman la programación del mes en el que daremos la bienvenida a la primavera, los del polaco Jerzy Skolimovski son numerosos. Durante varios meses, hasta su propia visita a Madrid en mayo para clausurar la retrospectiva, sus “identidades múltiples” desfilarán por la pantalla para redescubrir a un cineasta que ya en sus primeros años era comparado con los grandes maestros europeos y que ha cruzado todo tipo de tormentas en forma de censuras, ideológicas y mercantiles.

Se completa la programación con un nuevo periodo en la obra de Douglas Sirk, en el que tendremos la oportunidad de recuperar algunas de sus obras maestras menos conocidas, como Escándalo en París (1946) o La primera legión (1951), y que será objeto de una mesa redonda de ponentes internacionales, como el investigador y cocomisario del ciclo Roberto Turigliatto, y el cineasta alemán Roman Hüben, autor del valioso documental Douglas Sirk.

- Jueves 16 de marzo

17:30 · Sala 1 · Margarita Alexandre. Visceralmente libre

Cristo (Margarita Alexandre y Rafael María Torrecilla, 1954). Int.: Fernando Rey, José María Seoane, María Jesús Valdés, José María Lado. Documental. España. BSP. B/N. 73’.

Adaptación del libro Vida de Cristo, de Fray Justo Pérez de Urbel, construida a partir de grandes ejemplos de la pintura religiosa.

«Hemos creído que en esta película, como en todas, el logro principal es la unidad. Y, en todo lo posible, esa unidad la hemos querido conseguir utilizando en cada una de las definidas secuencias de nuestra película las obras de un mismo maestro, o, al menos, con las de un mismo estilo, escuela o época. […] Nuestra película comienza por tener, por su propio y solemne tema, una intemporalidad que le pone a salvo de gustos y modas. Sirve al más alto empeño –la fe- que el cine puede abordar y, al mismo tiempo, supone un desfile pictórico, que se ordena por primera vez en el cine: un tesoro plástico que el cine va a vulgarizar con su enorme poder de extensión». (Margarita Alexandre).

19:30 · Sala 2 · Jerzy Skolimowski. Identidades múltiples

Deep End (Jerzy Skolimowski, 1970). Int.: Jane Asher, John Moulder-Brown, Karl Michael Vogler, Christopher Sandford. Reino Unido, RFA. DCP REST. VOSE. Color. 92’. Copia restaurada por Bavaria Film.

Un adolescente que trabaja en una casa de baños se obsesiona, de forma progresivamente más enfermiza, con una de sus compañeras de trabajo.

«Parece que no hay límite para el número de comedias que explotan el oscuro periodo de la adolescencia en busca del humor de la vergüenza, la ansiedad y el eterno drama inherente a la búsqueda de lo que uno quiere, en este caso, acostarse con una chica guapa. Incluso se podría decir que estas historias se escriben solas. Cuando el polaco Jerzy Skolimowski rodó Deep End en 1970, el éxito de taquilla de Mike Nichols, El graduado, estaba todavía en la mente de todos, pero el segundo largometraje en inglés de Skolimowski no podía estar más alejado en tono, estilo o incluso en lo que el protagonista de 15 años parece querer, en comparación con las aventuras amorosas de Benjamin Braddock. Precediendo a Verano del 42, de Robert Mulligan, y a Taxi Driver, de Martin Scorsese, en uno y seis años, respectivamente, la alucinante, disonante pero convincente historia de confusión hormonal de Skolimowski parece anticiparse a ambas». (Jaime N. Christley).

Segunda proyección el D26 a las 20.30 h.

21:30 · Sala 1 · Homenaje a Eugenio Martín

Hipnosis (Ipnosi, Eugenio Martín, 1962). Int.: Eleonora Rossi-Drago, Jean Sorel, Götz George, Mara Cruz, Massimo Serato. España, Italia, RFA, Francia. DCP. VE. B/N. 92’.

Cuando un hipnotista aparece asesinado en su camerino, un boxeador y un chico de los recados se convierten en los sospechosos principales.

«Remite a Fritz Lang, en las imágenes, y a Alfred Hitchcock, en la trama, así como, por supuesto, al más célebre episodio de Al morir la noche […] La belleza estética y los aciertos plásticos, con un magnífico uso expresivo de la fotografía en blanco y negro, redondean un gratísimo tono particular, a vez típico y atípico, que basta y sobra para reivindicar, una vez más y por si todavía hiciera falta, el magnífico cine de género en coproducción propuesto por Europa durante los años 50/60». (Carlos Aguilar y Anita Haas).

- Viernes 17 de marzo

17:30 · Sala 1 · El siglo de José María Forqué

De espaldas a la puerta (José María Forqué, 1959). Int.: Emma Penella, Amelia Bence, José Marco Davó, Luis Prendes, Félix Dafauce, José Luis López Vázquez, María Luisa Merlo. España. DCP. B/N. 88’.

Una bailarina de un local es brutalmente agredida. La policía investiga el caso haciendo creer a los sospechosos que la víctima vio el rostro del agresor.

«Todo transcurre en muy pocas horas, con feliz conversión del tiempo real al tiempo cinematográfico, y en un solo ambiente, que es el formado por las distintas dependencias ¿apenas media docena de decorados¿ de la “boite". Hay pues, unidad de acción, de lugar y de tiempo, y el director José María Forqué ha resuelto con verdadera elegancia e inteligente seguridad los problemas que su resolución le planteaba. Servido con espléndida calidad por la admirable fotografía de Enrique Guerner, maestro siempre en ambición y refinamiento, luce Forqué su flexible dominio de los recursos cinematográficos». (Carlos Fernández Cuenca).

19:30 · Sala 2 · Douglas Sirk. La emoción inmediata

Orgullo de raza (Captain Lightfoot, Douglas Sirk, 1955). Int.: Rock Hudson, Barbara Rush, Jeff Morrow, Kathleen Ryan, Finlay Currie, Denis O'Dea. EEUU. B-R. VOSE. Color. 92’.

Las aventuras de un hombre que, en el siglo XIX, se unió al capitán Thunderbolt para luchar por la independencia de Irlanda.

«El turbulento drama histórico de Douglas Sirk, ambientado en la Irlanda de 1815, es un wéstern disfrazado. A pesar del colorido de la aventura romántica, Sirk está menos interesado en la lucha de espadachines que en la estrategia: observa el alzamiento de forma analítica, señalando las amargas ironías de los astutos comandantes, obligados a contener a los audaces guerreros por el bien de la lucha a largo plazo. Describe a los colaboradores locales de las autoridades británicas, evoca la paranoica circunspección de los muy organizados luchadores por la libertad, que temen la infiltración y la delación, y evoca las amenazas de cárcel y tortura utilizadas para doblegar la voluntad de los conspiradores detenidos. Sirk —un emigrante alemán— ofrece también una visión velada de la resistencia a la ocupación nazi en la Europa de la Segunda Guerra Mundial». (Richard Brody).

Antes de la proyección de Orgullo de raza se podrá ver el capítulo correspondiente a dicha película de la entrevista que el cineasta Antonio Drove realizó a Douglas Sirk en 1982, emitida en Televisión Española, entre 1982 y 1983, con motivo de un ciclo televisado de su cine. Duración total de la sesión: 120’.

Segunda proyección el M28 a las 18.00 h.

21:30 · Sala 1 · Clásicos como nuevos

Pasión (Passion, Jean-Luc Godard, 1982). Int.: Isabelle Huppert, Hanna Schygulla, Michel Piccoli, Jerzy Raziwilowicz, Laszlo Szabo, Myriem Roussel. Francia, Suiza. DCP REST. VOSE. Color. 88’. Copia restaurada por Gaumont.

Un director de cine que está rodando una película en la que reconstruye cuadros célebres conoce a una joven que acaba de quedarse sin empleo y ambos se enamoran.

«La constante recreación de pinturas famosas –con un detallismo tan extremo como irreverente- expone cómo el mundo del arte ha reducido el impacto del artista como trabajador. Con demasiada frecuencia consideramos la obra de arte como un objeto surgido de la inspiración divina, minusvalorando el esfuerzo del artista y anulando cualquier posible compromiso con ella. Como si dijera que, en el mundo contemporáneo, cualquier arte que aspire al realismo puede ser incluso más artificial que un sonido mal sincronizado, Godard deja al descubierto las mentiras que nos contamos, poco a poco, sobre la forma en que funciona el mundo del arte». (Justine Peres Smith).

Segunda proyección el miércoles 29 a las 19.30 h.

- Sábado 18 de marzo

17:00 · Sala 1 · Filmoteca Junior / Clásicos como nuevos

The White Snake Enchantress (Hakujaden, Taiji Yabushita, 1958). Japón. DCP REST. VOSE. Color. 79’. Copia restaurada por Toei Animation y National Archive of Japan.

Adaptación de un cuento tradicional chino que sigue las aventuras de un joven enamorado de un espíritu. El primer largometraje de animación japonés en color y uno de los primeros en estrenarse fuera de las fronteras niponas, fue una importante proeza técnica y artística para la casa Toei, probablemente el estudio de animación más importante de la historia de Japón.

19:00 · Sala 2 · El siglo de José María Forqué

Maribel y la extraña familia (José María Forqué, 1960). Int.: Silvia Pinal, Adolfo Marsillach, Julia Caba Alba, Guadalupe Muñoz Sampedro, Trini Alonso, Gracita Morales. España. 35 mm. B/N. 101’.

Un tímido provinciano le presenta a su madre y a su tía la joven con la que se va a casar, sin saber que se dedica a la prostitución. Adaptación de la obra de teatro de Miguel Mihura.

«Pese al humor que destila, la obra de teatro es una comedia ácida, atrevida y casi subversiva para el momento. Y José María Forqué –que había asistido en la terraza del Café Gijón a la gestación de la obra de su amigo Miguel Mihura junto a “Tono” y Mingote- supo respetar ese espíritu en su adaptación al cine. El director mantiene prácticamente el mismo esquema teatral y respeta unos diálogos casi idénticos a los de la comedia, reforzando con las posibilidades de la cámara –que le permite crear las secuencias de la pensión de las prostitutas- la división de diferentes ambientes donde se desarrollan las dos formas de vida. Ambientes que Forqué construye con exquisito cuidado». (Fernando Lara y Eduardo Rodríguez).

21:30 · Sala 1 · Jerzy Skolimowski. Identidades múltiples

El grito (The Shout, Jerzy Skolimowski, 1978). Int.: Alan Bates, Susannah York, John Hurt, Robert Stephens, Tim Curry. Reino Unido. DCP. VOSE. Color. 86’.

Un hombre que asegura tener el poder de matar gritando se introduce en la casa de un matrimonio y comienza a dominarles con sus extraños poderes.

«Una etérea alegoría (a partir de un relato de Robert Graves) llevada a tierra gracias a una pasión sexual mordaz. Alan Bates es el loco errante que tiene cautivos a un compositor y a su esposa. La sexualidad triunfa sobre la civilización a través de una serie de pequeñas traiciones, cada una de ellas registrada con espantosa y milimétrica precisión por la cámara de Jerzy Skolimowski. Aunque Skolimowski parecía haber retrocedido un poco en sus ambiciones formales (antaño parecía un rival real de Godard), este largometraje de 1978 es pura astucia e imaginación cinematográficas, un thriller en trance que supera a Peter Weir en su propio terreno». (Dave Kehr).

- Domingo 19 de marzo

17:00 · Sala 1 · Sesión especial

Cría cuervos (Carlos Saura, 1976). Int.: Ana Torrent, Geraldine Chaplin, Mónica Randall, Florinda Chico, Germán Cobos, Héctor Alterio, Josefina Díaz, Conchita Pérez, Mirta Miller. 35 mm. Color. 105’. 

Retrato de una familia española de clase alta en 1975, vista a través de los ojos de una niña de 8 años.

«La mirada de Ana nos va descubriendo, gracias además a una sugerente y hábil estructura en flashbacks alternos (que saltan de 1995 a 1975 en sucesivas ocasiones), distintos momentos de su historia familiar. Un microcosmos donde dominan la mentira y la hipocresía, tanto moral como amorosa, de unos personajes frustrados e infelices, incapaces de escapar a un contexto que los mantiene atrapados. Un padre militar autoritario y conservador y una madre frágil atrapada en un matrimonio sin amor que además le impide desarrollar su carrera como pianista dibujan un universo descompuesto, corrompido y angustioso que funciona como perfecta metonimia no solo de buena parte de los valores y principios de la sociedad española de entonces, sino también de lo que el régimen franquista representaba». (Jara Yáñez)

Antes de la proyección de Cría cuervos se podrá ver un breve fragmento de los títulos de crédito de Llanto por un bandido (Carlos Saura, 1964), eliminado de la versión estrenada en cines por la censura franquista.

19:30 · Sala 2 · Margarita Alexandre. Visceralmente libre / Clásicos como nuevos

La muerte de un burócrata (Tomás Gutiérrez Alea, 1966). Int.: Salvador Wood, Manuel Estanillo, Silvia Planas, Gaspar de Santelices. Cuba. DCP REST. B/N. 85’. Copia restaurada por la Cinemateca de Cuba y la Academy of Motion Picture Arts and Sciences.

Cuando su tío es enterrado con su carné de trabajador, un joven vive toda clase de peripecias tratando de recuperar el documento, fundamental para que la viuda pueda cobrar su pensión.

«Esta comedia absurda y satírica sobre la burocracia es probablemente la primera película cubana que tuvo un impacto internacional, ganando el Premio Especial del Jurado en el Festival de Karlovy Vary. A pesar de que La muerte de un burócrata se reía de algunos aspectos del comunismo, era un notable ejemplo de las sensibilidades creativas de Tomás Gutiérrez Alea, un cineasta rompedor capaz de criticar aspectos de su gobierno y al mismo tiempo permanecer leal a la revolución cubana». (Alejandro Veciana).

Segunda proyección el V24 a las 17.30 h.

20:30 · Sala 1 · Homenaje a Eugenio Martín

El precio de un hombre (Eugenio Martín, 1966). Int.: Richard Wyler, Tomas Milian, Ella Karin, Enzo Fiermonte. España, Italia. 35 mm. VE. Color. 95’.

Perseguido por un cazarrecompensas, un forajido mexicano se refugia en su pueblo natal. Los vecinos de localidad colaboran en su encubrimiento hasta que se dan cuenta de lo mucho que ha cambiado.

«En El precio de un hombre predomina la tradición americana. Por lo menos, eso fue lo que intenté yo. Porque una cosa es que el wéstern tenga dureza, que eso lo tenían todos los americanos, porque América es un pueblo duro, y otra cosa es que tenga cinismo, que eso lo introdujo Italia, que es un pueblo cínico». (Eugenio Martín).

- Martes 21 de marzo

18:00 · Sala 1 · El siglo de José María Forqué

Amanecer en Puerta Oscura (José María Forqué, 1957). Int.: Francisco Rabal, Luis Peña, Alberto Farnese, Isabel de Pomés, Luisella Boni, José Marco Davó, José Sepúlveda, Barta Barri. España. DCP. Color. 85’.

En la Andalucía del siglo XIX, tres forajidos se enfrentan a una despiadada compañía minera.

«Al presentar el guion en Censura, el representante del Ministerio de Gobernación nos puso una serie de reparos. Uno de ellos, que la Guardia Civil no podía disparar sin dar en el blanco, y otro que el tratamiento que dábamos a la situación en las minas podía molestar a los americanos. Lo que resultaba sorprendente, primero, porque la acción se desarrollaba en el siglo pasado y, segundo, porque en las minas no intervinieron nunca los americanos sino los ingleses. Lo que sí existía, como en Embajadores en el infierno, era un enfrentamiento entre españoles y extranjeros, unos los oprimidos y otros los opresores. Yo esta cuestión la sentía como propia, y la sigo sintiendo». (José María Forqué).

19:00 · Sala 2 · Douglas Sirk. La emoción inmediata

Atila, rey de los hunos (Sign of the Pagan, Douglas Sirk, 1954). Int.: Jeff Chandler, Jack Palance, Ludmilla Tchérina, Rita Gam, Jeff Morrow, George Dolenz, Eduard Franz, Alexander Scourby. EEUU. B-R. VOSE. Color. 92’.

Atila, el huno, aúna a los pueblos bárbaros ante el divido Imperio Romano.

«Yo necesitaba a alguien para interpretar el importantísimo papel de Atila y la película corría prisa. La firme actitud de Chandler era que él tenía que ser el chico bueno, un galán de la pantalla, y que sería malo para su carrera interpretar lo que él llamaba “un villano”. Creo que a él le gustaba la idea de andar por ahí con toga y todo eso. Mientras que mi postura era que lo único interesante de la historia era la furia de Atila… este hombre que da vueltas en torno a sí mismo y a su objetivo imposible, la captura de la ciudadela de la religión, Roma, a la que cerca como un animal. Atila es uno de esos personajes que dan vueltas en torno a sí mismos que tanto me gustan. Encaja en mi galería, solo que es una variante violenta de este personaje habitualmente tranquilo, a lo Hamlet. Le dije honradamente a Chandler que en mi película el centro de atención sería Atila. Pero no quería saber nada de ello. […] Había por allá un actor menos conocido, Jack Palance. Era famoso, pero no un protagonista. […] Le dije a Chandler: “Piénsalo, porque el personaje del huno va a dominar la película”. Pero él solo decía “Nunca me ha oscurecido un villano”. Y, como sabes, la película es de Palance». (Douglas Sirk).

21:00 · Sala 1 · Jerzy Skolimowski. Identidades múltiples

11 Minutes (Jerzy Skolimowski, 2015). Int.: Richard Dormer, Agata Buzek, Andrzej Chyra, Dawid Ogrodnik. Polonia, Irlanda. DCP. VOSI/E. Color. 81’.

El impacto de un suceso extraordinario, la aparición de un extraño objeto en el cielo, visto a través de la vida de diferentes habitantes de Varsovia.

«En su poco ortodoxa respuesta al cine de acción de Hollywood, Jerzy Skolimowski ha hecho una película que es más de lo que parece (o quizá es exactamente eso). En términos narrativos, tenemos la lucha (inconsciente) por la supervivencia de un grupo de gente que se enfrenta a su destino entre las 17:00 y las 17:11 de un día cualquiera. Lo extraordinario aquí es que, dentro de la concisa geometría del guion, Skolimowski se libera de la carga psicológica del cine. Hay algún que otro rasgo psicológico aquí y allá (los celos de un esposo, una ruptura sentimental), pero la mayoría de las historias entrelazadas se desarrollan sin exponer de forma clara las motivaciones de los personajes, que permanecen suspendidos en el limbo del suspense». (Manu Yáñez).

- Miércoles 22 de marzo

17:30 · Sala 1 · Douglas Sirk. La emoción inmediata

Raza de violencia (Taza, Son of Cochise, Douglas Sirk, 1954). Int.: Rock Hudson, Barbara Rush, Gregg Palmer, Rex Reason, Morris Ankrum, Eugene Iglesias, Hugh O´Brian. EEUU. B-R. VOSE. Color. 79’.

Tras la muerte de un jefe apache, la tribu debe elegir entre sus dos hijos un nuevo líder que sepa cómo lidiar con la amenaza del hombre blanco: uno es un pacifista, el otro aboga por la lucha.

«Quería hacer un wéstern. Y después de ¿Alguien ha visto a mi chica?, Hudson quería volver a trabajar conmigo, así que hicimos esta película en la que interpretaba a un indio. Él quería hacer el papel, aunque al estudio no le gustaba que interpretase de nuevo a un indio porque acababa de hacerlo y pensaban que podía estropear su imagen. […] Me interesaban mucho los indios y traté de incluir mucho sobre sus costumbres en la película. Se rodó por entero en Utah, en su mayor parte cerca de Moab, y un poco más arriba, en la parte del río Colorado. Se rodó completamente en exteriores y de forma improvisada. Hay algunos decorados, pero fueron construidos todos allí, en el lugar, y también por los indios. Y los indios eran auténticos, no habían sido viciados por Ford. Había una gran batalla en la película, en la que empezaron a pelear de verdad como demonios. Ninguno de ellos hablaba inglés y teníamos un par de intérpretes para las dos tribus apaches, ninguna de las cuales hablaba tampoco la otra lengua. La batalla fue una de las cosas más apasionantes que he hecho nunca». (Douglas Sirk).

19:30 · Sala 2 · Jerzy Skolimowski. Identidades múltiples

Las aventuras de Gerard (The Adventures of Gerard, Jerzy Skolimowski, 1970). Int.: Peter McEnery, Claudia Cardinale, Eli Wallach, Jack Hawkins, Mark Burns, Norman Rossington, John Neville, Paolo Stoppa, Ivan Desny, Leopoldo Trieste,. Reino Unido, Suiza. 35 mm. VOSE. Color. 92’.

Napoleón designa como mensajero a un brigadier que cree ser el mejor soldado y amante del mundo, hazañas que intenta poner a prueba ante una condesa, un bandido y un oficial británico.

«Aunque la película amenaza a veces con convertirse en una serie de trucos de magia, Las aventuras de Gerard se redime en parte por su tono de fantasía barroca, al estilo del barón Munchausen, lleno de toques surrealistas, y en parte porque Gerard es un héroe cien por cien propio de Skolimowski, estrafalario y resuelto en su búsqueda de la realización personal, convirtiéndose en la contraposición napoleónica del Marc de La partida. A pesar de su apariencia caótica, Gerard tiene una personalidad inconfundible». (Nigel Andrews).

21:30 · Sala 1 · El siglo de José María Forqué

¡Dame un poco de amooor…! (José María Forqué, 1968). Int.: Manolo Fernández, Miguel Vicens, Mike Kennedy, Pablo Sanllehi, Tony Martínez, Rosenda Monteros, Luis Peña, Laly Soldevila, José Luis Coll, Luis Sánchez Polack. España. DCP. Color. 87’.

Un seguidor de las doctrinas de Fu Manchú, en su afán por dominar el mundo con una fórmula química, secuestra al cantante de Los Bravos.

- Jueves 23 de marzo

17:30 · Sala 1 · El siglo de José María Forqué

Las que tienen que servir (José María Forqué, 1967). Int.: Concha Velasco, Amparo Soler Leal, Laura Valenzuela, Manolo Gómez Bur, Alfredo Landa, José Sazatornil, Margot Cottens, Lina Morgan, Florinda Chico, Charles Stalmaker, Álvaro de Luna. España. BDG. Color. 78’.

Un militar estadounidense y su mujer contratan a dos jóvenes como empleadas del hogar. La cosa se complica cuando resulta que, además de sus respectivos novios, ambas tienen pretendientes en la base militar de Torrejón de Ardoz.

«La versión cinematográfica estuvo producida y escrita por José Luis Dibildos que siempre tuvo olfato para detectar los temas de impacto, mediante aquella su "tercera vía", en la que se aliaban la contundencia comercial y cierta dignidad artística. Forqué, cultivador de diversos géneros con desigual fortuna siempre sale airoso cuando se mueve en su terreno favorito, la comedia. La obra original, que presenta los contrastes de costumbres entre españoles y americanos se aprovecha de los tópicos clichés de unos y otros, pero no deja de sacarles partido con situaciones divertidas y diálogos ocurrentes. Unas "chachas" españolas, sirviendo en el chalet de un típico matrimonio americano y con unos novios al "ibérico modo", pueden dar lugar a momentos bien regocijantes». (Florentino Soria).

19:30 · Sala 1 · Douglas Sirk. La emoción inmediata

Douglas Sirk – Hope as in Despair (Roman Hüben, 2022). Suiza, Francia, Alemania. DCP. VOSI/E. Color y B/N. 75’.

Documental de investigación que recorre la vida de Douglas Sirk a través de testimonios de aquellos que le conocieron y de las páginas del diario de su segunda mujer.

Antes de la proyección tendrá lugar una mesa redonda con Roberto Turigliatto, cocomisario del ciclo; Paula Arantzazu Ruiz, crítica de cine; y el director, Roman Hüben. Tras la mesa redonda habrá un pequeño descanso de diez minutos y acto seguido se proyectará la película.

Duración aproximada de la mesa redonda: 60’ (Total sesión: 140’).

21:30 · Sala 2 · Margarita Alexandre. Visceralmente libre

La ciudad perdida (Margarita Alexandre y Rafael María Torrecilla, 1955). Int.: Cosetta Greco, Fausto Tozzi, María Dolores Pradera, Félix Dafauce. España. BSP. B/N. 67’.

Durante la dictadura franquista, un republicano regresa a España con la intención de llevar a cabo un acto terrorista contra el régimen. Sin embargo, la misión es un fracaso y se ve obligado a tomar a una mujer como rehén para huir.

«Una insólita propuesta de Alexandre y Torrecilla, en un contexto marcado por la emergencia de nuevos discursos sobre la Guerra Civil, alejados del cine de cruzada, y de planteamientos visuales que conectan con tendencias internacionales como el neorrealismo italiano o el cine negro, estadounidense o europeo. […] La ciudad perdida constituye una suerte de mutación en virtud de la cual la trama policial sirve como pretexto para llevar hasta los límites de la permisividad la figuración del vencido —para emplear la terminología oficial de la época— y la representación del pasado». (Sonia García López).

- Viernes 24 de marzo

17:30 · Sala 1 · Margarita Alexandre. Visceralmente libre / Clásicos como nuevos

La muerte de un burócrata (Tomás Gutiérrez Alea, 1966). Int.: Salvador Wood, Manuel Estanillo, Silvia Planas, Gaspar de Santelices. Cuba. DCP REST. B/N. 85’. Copia restaurada por la Cinemateca de Cuba y la Academy of Motion Picture Arts and Sciences.

Cuando su tío es enterrado con su carné de trabajador, un joven vive toda clase de peripecias tratando de recuperar el documento, fundamental para que la viuda pueda cobrar su pensión.

«Esta comedia absurda y satírica sobre la burocracia es probablemente la primera película cubana que tuvo un impacto internacional, ganando el Premio Especial del Jurado en el Festival de Karlovy Vary. A pesar de que La muerte de un burócrata se reía de algunos aspectos del comunismo, era un notable ejemplo de las sensibilidades creativas de Tomás Gutiérrez Alea, un cineasta rompedor capaz de criticar aspectos de su gobierno y al mismo tiempo permanecer leal a la revolución cubana». (Alejandro Veciana).

19:30 · Sala 2 · Douglas Sirk. La emoción inmediata

Escándalo en París (A Scandal in Paris, Douglas Sirk, 1946). Int.: George Sanders, Signe Hasso, Carole Landis, Akim Tamiroff, Gene Lockhart, Jo Ann Marlowe, Alma Kruger, Alan Napier, Vladimir Sokoloff, Pedro de Cordoba. EEUU. B-R. VOSE. B/N. 100’.

Nacido en la cárcel, un ladrón profesional del siglo XVIII se convierte hacia el final de su vida en el jefe de la policía parisina.

«En esta película traté de ir más allá del realismo en la forma de presentar la historia. Resultaba casi surrealista. A la manera de los surrealistas americanos, no de los franceses. La película no tuvo mucho éxito. Esto se debió presuntamente a que yo adopté una actitud que hacía surgir la ironía y esto no funcionaba nada bien con el público americano. […] Pero, por supuesto, sólo mostraba una pequeña parte de la vida de Vidocq en la película. Se podría haber hecho toda una serie de películas a partir de su vida, lo mismo que con Cagliostro. Pero la parte que utilicé es el periodo más interesante, el que se presta mejor a la ironía; hay mucha en su oscilación entre policía y ladrón. Y esto proporciona al personaje de Sanders mucho mejor margen para actuar». (Douglas Sirk).

21:30 · Sala 1 · Homenaje a Eugenio Martín

Una vela para el diablo (Eugenio Martín, 1973). Int.: Aurora Bautista, Esperanza Roy, Judy Geeson, Lone Fleming, Blanca Estrada, Carlos Piñeiro, Loreta Tovar, Fernando Hilbeck. España. 35 mm. Color. 83’. La copia que se proyecta, la única disponible, es una copia incompleta a la que le faltan 2 minutos del tercer rollo.

Dos hermanas que regentan un pequeño hotel rural se dedican a matar a todos los huéspedes que no cumplen con sus estándares morales y religiosos.

«Concebí Una vela para el diablo no como una película de terror, sino como un drama de cierta ambición, que denunciara el fanatismo y sus secuelas. Porque todo fanático es un asesino en potencia, que asesina con tranquilidad debido a que su conciencia está libre, está limpia. […] Los españoles podemos ofrecer aspectos terroríficos, pero no en las brumas del atardecer, como los ingleses y alemanes, sino en las plazas abiertas, cuando nuestro fanatismo religioso ha torturado y quemado a sus víctimas, o cuando el fanatismo político las ha humillado y fusilado. ¿Cuántas historias de horror, de auténtico horror, permanecen ocultas en el marco de nuestra guerra civil? No hay que enfocarlas sólo como historias dramáticas estrictas, con ellas se pueden entrar también en el mundo de la fantasía negra irracional». (Eugenio Martín).

Sesión gratuita hasta completar el aforo.

- Sábado 25 de marzo

17:00 · Sala 1 · Filmoteca Junior / El siglo de José María Forqué

Tengo 17 años (José María Forqué, 1964). Int.: Rocío Dúrcal, Pedro Osinaga, Roberto Font, Luis Peña, Emilio Gutiérrez Caba, Luis Morris. España. DCP. Color. 101’.

Una joven, harta de sentirse incomprendida, huye de su casa y termina en un pequeño pueblo, donde la acoge un grupo de alfareros.

«Nos pidieron una cosa apta para menores, lo que me permitió, la fin, hacer una película que pudieran ver mis hijos. Fue para nosotros como un juego. […] Roberto Font no era ni bueno ni malo, era un genio, un actor imposible de clasificar. No creo que su trabajo fuera meditado, estructurado; lo hacía instintivamente, y como él tenía un poder de proyección enorme, salían unas cosas maravillosas». (José María Forqué).

19:30 · Sala 2 · Margarita Alexandre. Visceralmente libre

La gata (Margarita Alexandre y Rafael María Torrecilla, 1956). Int.: Aurora Bautista, Jorge Mistral, José Nieto, Nani Fernández. España. DCP REST. Color. 94’. Copia restaurada por Filmoteca Española.

La hija del mayoral de un cortijo andaluz es pretendida por varios hombres del pueblo. Sin embargo, ella está enamorada de un apuesto trabajador que sueña con ser torero.

«La primera película española que utiliza el CinemaScope y el sonido estereofónico, que en 1955 son sistemas de impactante actualidad. […] Junto a su imaginativo sentido del encuadre, tanto en la captación del paisaje andaluz (la marisma, los cercados, los montes) como en las escenas dramáticas, destaca también el valor histórico de esta pionera aportación española a los formatos anamórficos. […] aborda, en pleno franquismo folclorista, una historia de la España racial sin tópicos, huyendo del estereotipo y fijándose en la representación naturalista de la Andalucía rural, la de la marisma de Huelva, para la mejor adecuación con el sentido primitivo e instintivo de las pasiones de los protagonistas». (Fernando Gabriel Martín).

21:30 · Sala 1 · Jerzy Skolimowski. Identidades múltiples

Trabajo clandestino (Moonlighting, Jerzy Skolimowski, 1982). Int.: Jeremy Irons, Eugene Lipinski, Jiri Stanislav, Eugeniusz Haczkiewicz. Reino Unido. 35 mm. VOSE. Color. 97’.

Cuatro obreros polacos llegan a Londres para acometer un trabajo. A las dificultades propias de trabajar sin ningún tipo de permiso se suma la declaración en Polonia de la ley marcial.

«Skolimowski (que ha vivido y trabajado principalmente en Inglaterra durante la última década) concibió Trabajo clandestino pocos días después del golpe militar de diciembre del 81, escribió el guion en una semana y media, consiguió la financiación (2 millones de dólares) durante un partido de tenis, rodó la película y la presentó en el Festival de Cannes en la primavera de 1982. […] Es el tipo de película que me hace maravillarme de cómo alguien puede tener una idea tan genial y llevarla a cabo de forma tan redonda, con medios casi cómicamente modestos». (Richard T. Jameson).

- Domingo 26 de marzo

17:00 · Sala 1 · El siglo de José María Forqué

Atraco a las tres (José María Forqué, 1962). Int.: José Luis López Vázquez, Cassen, Gracita Morales, Manuel Alexandre, Alfredo Landa, Katia Loritz, Manuel Díaz González, Agustín González, José Orjas, Lola Gaos, Rafaela Aparicio. España. 35 mm. B/N. 92’.

Un hombre que trabaja como cajero un banco convence a sus compañeros para atracar su propia sucursal.

«Lo cierto es que pocas veces se ha visto en el cine español un entrelazamiento tan pertinente de las situaciones repetitivas que constituyen el relato paródico y sobre todo el gran acierto de la oposición de los estereotipos creados por cada personaje. Como en las mejores y más canónicas comedias, el espectador intuye cuáles serán las reacciones de los oficinistas ante las situaciones diarias o frente a las cuitas del atraco; el resultado es que el espectador disfruta sin parar del diseño de los personajes, de los conflictos entre ellos y de las expectativas planteadas […] Atracao a las tres es algo más que el resultado del saber hacer en el montaje o la puesta en escena de un director artesano». (José María Forqué).

19:30 · Sala 2 · Douglas Sirk. La emoción inmediata

The Lady Pays Off (Douglas Sirk, 1951). Int.: Linda Darnell, Stephen McNally, Gigi Perreau, Virginia Field. EEUU. 16 mm. VOSE. B/N. 80’.

Como premio por ser elegida profesora del año por la revista “Time”, una joven realiza un viaje a Las Vegas, donde termina perdiendo todo su dinero. Para pagar su deuda, acepta cuidar de la hija del mánager del casino.

«Los roles de género son el elemento principal de esta inquietante comedia romántica sobre una maestra de escuela que quiere ser percibida como una mujer en lugar de simplemente como una persona cuyas habilidades han acabado por definir como “una segunda madre”. […] Como es habitual en muchas de las películas de Sirk con protagonistas femeninos, su identidad está significativamente conectada con las circunstancias sociales que define qué es ser una mujer. Es una profesional respetada, pero sus habilidades se consideran inseparables de las necesidades del hogar. Se la alaba porque es la madre que tienen los niños cuando sus verdaderas madres no están cerca». (Tom Ryan).

20:30 · Sala 1 · Jerzy Skolimowski. Identidades múltiples

Deep End (Jerzy Skolimowski, 1970). Int.: Jane Asher, John Moulder-Brown, Karl Michael Vogler, Christopher Sandford. Reino Unido, RFA. DCP. VOSE. Color. 92’. Copia restaurada por Bavaria Film. 

Un adolescente que trabaja en una casa de baños se obsesiona, de forma progresivamente más enfermiza, con una de sus compañeras de trabajo.

«Parece que no hay límite para el número de comedias que explotan el oscuro periodo de la adolescencia en busca del humor de la vergüenza, la ansiedad y el eterno drama inherente a la búsqueda de lo que uno quiere, en este caso, acostarse con una chica guapa. Incluso se podría decir que estas historias se escriben solas. Cuando el polaco Jerzy Skolimowski rodó Deep End en 1970, el éxito de taquilla de Mike Nichols, El graduado, estaba todavía en la mente de todos, pero el segundo largometraje en inglés de Skolimowski no podía estar más alejado en tono, estilo o incluso en lo que el protagonista de 15 años parece querer, en comparación con las aventuras amorosas de Benjamin Braddock. Precediendo a Verano del 42, de Robert Mulligan, y a Taxi Driver, de Martin Scorsese, en uno y seis años, respectivamente, la alucinante, disonante pero convincente historia de confusión hormonal de Skolimowski parece anticiparse a ambas». (Jaime N. Christley).

- Martes 28 de marzo

18:00 · Sala 1 · Douglas Sirk. La emoción inmediata

Orgullo de raza (Captain Lightfoot, Douglas Sirk, 1955). Int.: Rock Hudson, Barbara Rush, Jeff Morrow, Kathleen Ryan, Finlay Currie, Denis O'Dea. EEUU. B-R. VOSE. Color. 92’.

Las aventuras de un hombre que, en el siglo XIX, se unió al capitán Thunderbolt para luchar por la independencia de Irlanda.

«El turbulento drama histórico de Douglas Sirk, ambientado en la Irlanda de 1815, es un wéstern disfrazado. A pesar del colorido de la aventura romántica, Sirk está menos interesado en la lucha de espadachines que en la estrategia: observa el alzamiento de forma analítica, señalando las amargas ironías de los astutos comandantes, obligados a contener a los audaces guerreros por el bien de la lucha a largo plazo. Describe a los colaboradores locales de las autoridades británicas, evoca la paranoica circunspección de los muy organizados luchadores por la libertad, que temen la infiltración y la delación, y evoca las amenazas de cárcel y tortura utilizadas para doblegar la voluntad de los conspiradores detenidos. Sirk —un emigrante alemán— ofrece también una visión velada de la resistencia a la ocupación nazi en la Europa de la Segunda Guerra Mundial». (Richard Brody).

Antes de la proyección de Orgullo de raza se podrá ver el capítulo correspondiente a dicha película de la entrevista que el cineasta Antonio Drove realizó a Douglas Sirk en 1982, emitida en Televisión Española, entre 1982 y 1983, con motivo de un ciclo televisado de su cine.

Duración total de la sesión: 120’.

20:30 · Sala 1 · Jerzy Skolimowski. Identidades múltiples

El cuchillo en el agua (Nóz w wodzie, Roman Polanski, 1962). Int.: Leon Neimczyck, Jolanta Umecka, Zygmunt Malanowicz. Polonia. DCP. VOSE. B/N. 94’.

Un matrimonio en crisis recoge a un autoestopista y le invitan a pasar el día con ellos en su yate. Según pasan las horas, la tensión entre el marido y el autoestopista va creciendo. El primer largometraje de Roman Polanski, que contó con la colaboración de Jerzy Skolimowski en el guion.

«Cada uno de los cortometrajes de Polanski trataba de interacciones humanas en términos íntimos, a menudo uno a uno, por lo que tenía sentido que su primer largometraje contuviera sólo tres personajes. Polanski y sus coguionistas Jerzy Skolimowski y Kuba Goldberg trabajaron en el guion durante tres semanas antes de presentar un borrador al Ministerio de Cultura. Skolimowski, otro graduado de la Escuela de Cine de Lodz, animó a Polanski a reducir el periodo de la historia a una extensión ajustada de 24 horas, lo que ayudó a exagerar la intensidad de las emociones y a aumentar las tensiones de una escena a otra. Esta historia contada a lo largo de varios días podría haber resultado melodramática, pero al limitar el tiempo que los personajes pasan juntos, se convierte en un relato que se embellece con un propósito tan específico como digno de la deliberación del público. Polanski declaró más tarde a “The New York Times”, en una entrevista de 1971: "Lo que me gusta son las situaciones realistas en la que las cosas no encajan del todo"». (Brian Eggert).

- Miércoles 29 de marzo

18:00 · Sala 1 · El siglo de José María Forqué

Yo he visto la muerte (José María Forqué, 1967). Int.: Álvaro Domecq Romero, Antonio Bienvenida, Antonio Gandía, José Mejías Bienvenida. España. DCP. B/N. 101’

Cuatro episodios reales sobre la tauromaquia contados por sus protagonistas.

«No se planteó como una película sino como una serie de televisión. Quería hacer con Armiñán, que fue realmente el creador de la idea, una gran crónica sobre el toro, el toreo y el público, compuesta de trece o catorce capítulos. El proyecto no prosperó en TVE pero, como ya teníamos escritos cuatro capítulos, me dio pena desaprovecharlos. Creí que sería interesante mostrar el mundo de los toros desde dentro y a los toreros en zapatillas. Jaime de Armiñán conocía muy bien el tema desde antiguo pues su padre había sido un prestigioso crítico de toros. Nos interesaba reflejar, en forma de docudrama, una realidad, sin las deformaciones habituales». (José María Forqué)

19:30 · Sala 2 · Clásicos como nuevos

Pasión (Passion, Jean-Luc Godard, 1982). Int.: Isabelle Huppert, Hanna Schygulla, Michel Piccoli, Jerzy Raziwilowicz, Laszlo Szabo. Francia, Suiza. DCP. VOSE. Color. 88’. Copia restaurada por Gaumont.

Un director de cine que está rodando una película en la que reconstruye cuadros célebres conoce a una joven que acaba de quedarse sin empleo y ambos se enamoran.

«La constante recreación de pinturas famosas –con un detallismo tan extremo como irreverente- expone cómo el mundo del arte ha reducido el impacto del artista como trabajador. Con demasiada frecuencia consideramos la obra de arte como un objeto surgido de la inspiración divina, minusvalorando el esfuerzo del artista y anulando cualquier posible compromiso con ella. Como si dijera que, en el mundo contemporáneo, cualquier arte que aspire al realismo puede ser incluso más artificial que un sonido mal sincronizado, Godard deja al descubierto las mentiras que nos contamos, poco a poco, sobre la forma en que funciona el mundo del arte». (Justine Peres Smith).

20:30 · Sala 1 · Sesión especial

Chantaje en Broadway (Sweet Smell of Success, Alexander Mackendrick, 1957). Int.: Tony Curtis, Burt Lancaster, Susan Harrison, Martin Milner, Sam Levene. EEUU. DCP REST. VOSE. B/N. 96’. Copia restaurada por Janus Films.

Un ambicioso agente de prensa, dispuesto a lo que sea para ascender en el mundo de la prensa, acepta ayudar a un poderoso columnista que quiere controlar las relaciones sentimentales de su hermana.

«El público de 1957 no iba a ver una película de Tony Curtis o Burt Lancaster para descubrir a personajes empapados en un desprecio que también contaminaba venerables lugares comunes de la vida estadounidense, del amor fraternal a la ambición perseverante, por no hablar de los columnistas de periódico, las chicas que venden cigarrillos, los senadores, la policía y todo aquello que brilla e ilumina el Gran Camino Blanco. Por eso no fueron a ver Chantaje en Broadway. Aquel era el año de Vidas borrascosas, El puente sobre el río Kwai y Sayonara: grandes y coloridas producciones con héroes, o al menos guías, y valores esópicos. Lo que ellos se perdieron, nosotros lo ganamos. Chantaje en Broadway es un absoluto clásico». (Gary Giddins).

Antes de la proyección se presentará la nueva edición del libro Hacer cine, de Alexander Mackendrick (Alba Editorial, 2023); la presentación correrá a cargo del escritor Daniel Tubau.

Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 115’).

Jueves 30 de marzo

17:30 · Sala 1 · Douglas Sirk. La emoción inmediata

¿Alguien ha visto a mi chica? (Has Anybody Seen My Gal, Douglas Sirk, 1952). Int.: Piper Laurie, Rock Hudson, Charles Coburn, Gigi Perreau, Larry Gates, Frank Ferguson. EEUU. DCP. VOSE. Color. 88’.

Un anciano millonario sin herederos decide legar toda su fortuna a la familia de su primera novia. Para asegurarse de que no está cometiendo un error, finge ser pobre y alquila una habitación en su casa.

«Había surgido en la Universal una especie de producción de serie B en contra de la tendencia de la época, según yo pensaba, y el tiempo me dio la razón. Ello era en parte debido a la falta de estrellas bajo contrato del estudio. Lo único que se podía hacer en estas circunstancias era fabricar una estrella, porque el conseguir más dinero dependía de tener un nombre en la película. Así que busqué por allá y vi una película en la que actuaba Rock Hudson, con Jeff Chandler de protagonista (Iron Man, Joseph Pevney, 1951). Tenía un papel pequeño y era muy inferior a Chandler, pero creí ver algo en él. Preparé una reunión y, a primera vista, no parecía ser gran cosa, salvo muy guapo. Pero la cámara ve con su propio ojo. Ve cosas que el ojo humano no detecta. Y al fin aprendes a confiar en tu cámara». (Douglas Sirk).

19:30 · Sala 2 · Jerzy Skolimowski. Identidades múltiples

Ferdydurke (Jerzy Skolimowski, 1991). Int.: Iain Glen, Robert Stephens, Crispin Glover, Judith Godrèche. Polonia. DCP. VOSE. Color. 90’.

En 1939, un escrito polaco afronta la Segunda Guerra Mundial rememorando su infancia. Adaptación de la novela homónima de Witold Gombrowicz.

«Poco vista, Ferdydurke es la película que provocó el silencio de diecisiete años de Jerzy Skolimowski como director -un Skolimowski decepcionado se retiró a su casa de Malibú y se dedicó a pintar y a algún que otro papel como actor- […] El regreso cinematográfico de Skolimowski a su patria, adaptación de un clásico moderno querido y admirado y, al mismo tiempo, su primera película rodada en Polonia desde los años sesenta, parece haber sido para él una forma de conectar con Polonia y los polacos, de los que había vivido tanto tiempo exiliado. Es una afirmación de su propia identidad polaca, pero es una afirmación que, en el estilo característico de Skolimowski y Gombrowicz, ironiza, se burla y cuestiona». (Ian Johnston).

21:30 · Sala 1 · El siglo de José María Forqué

No es nada mamá, solo un juego (José María Forqué, 1974). Int.: David Hemmings, Alida Valli, Francisco Rabal, Andrea Rau. España. DCP. VE. Color. 85’.

El joven propietario de una hacienda sufre un grave trauma hacia las mujeres por culpa de su madre. Pronto se enamora de la hija de uno de sus empleados, a la que antes maltrataba.

«Es una de mis películas predilectas. Repito en ella, por una parte, ese juego de la utilización de un ser humano que se resuelve en su rebeldía final. Por otra parte, expongo la decadencia de una raza, de una familia, con ese vástago que sustituye unos valores por otros, el dinero por unas pasiones enfermizas. Hay un cúmulo de odios y perversiones exaltados, llevados al límite. […] Cuando estaba montando la película se me ocurrió que un símbolo indicativo, un tanto surrealista, hubiera sido la expresión, con ciertas imágenes, de que, así como las plantas más bellas crecen en la putrefacción, nacen del humus, la muchacha, que había llegado a un servilismo y degradación absolutos, resurge, liberada y distinta, de la misma putrefacción». (José María Forqué).

- Viernes 31 de marzo

17:30 · Sala 1 · Douglas Sirk. La emoción inmediata

Tempestad en la cumbre (Thunder on the Hill, Douglas Sirk, 1951). Int.: Claudette Colbert, Ann Blyth, Robert Douglas, Anne Crawford, Gladys Cooper. EEUU. 35 mm. VOSE. B/N. 84’.

Una mujer es condenada a muerte por el asesinato de su hermano. En el momento de la ejecución, una inundación obliga a todos a refugiarse en un convento cercano. Una de las monjas, convencida de la inocencia de la mujer, comienza su investigación en busca del auténtico culpable.

«La Universal me ofreció un contrato. Después de mi película con Charles Boyer, me acordé de ello y fui a verles para preguntarles si todavía estaban interesados. Y me dijeron: “Sí, pero tenemos que firmar un contrato de siete años”. Yo dije: “De acuerdo, firmaré, a condición de que me garanticéis una película de serie A”, y esta iba a ser Tempestad en la cumbre. […] Las condiciones no eran perfectas, pero cuando me quejaba de una historia me decían: “Si consigues una estrella, magnífico; puedes tener más dinero y elegir una historia mejor”. Pero al menos se me permitía trabajar sobre el material, por lo que reestructuré en cierta medida algunos de los casi imposibles guiones de las películas que tuve que dirigir. Por supuesto, tenía que seguir las reglas, evitar experimentos, atenerme a los gustos familiares, poner “finales felices” y todo eso». (Douglas Sirk).

Antes de la proyección de Tempestad en la cumbre se podrá ver el capítulo correspondiente a dicha película de la entrevista que el cineasta Antonio Drove realizó a Douglas Sirk en 1982, emitida en Televisión Española, entre 1982 y 1983, con motivo de un ciclo televisado de su cine.

Duración total de la sesión: 110’.

20:00 · Sala 2 · «Sala:B»

«Sala:B» y el sainete fallero:

• El virgo de Visanteta (Vicente Escrivá, 1979). Int.: Maria Rosaria Omaggio, Antonio Ferrandis, José Sancho, Josele Román. España. 35 mm. VOSE. Color. 95’.

• Visanteta, esta-te queta (Vicente Escrivá, 1979). Int.: Maria Rosaria Omaggio, José Sancho, Josele Román, Josep Maria Angelat. España. 35 mm. VOSE. Color. 91’.

Programa doble fallero con las películas que Vicente Escrivá y Antonio Fos dedicaron al sainete valenciano de Baldoví, una de las raíces del humor y el costumbrismo español.

Desde nuestra primera sesión, reflexionar sobre los cimientos del cine popular español ha sido una de las misiones de «Sala:B». Este programa doble presenta El virgo de Visanteta con la intención de situar en ese contexto la obra de Josep Bernat i Baldoví, escritor de mediados del XIX que combinó la sátira, las costumbres religiosas y el erotismo con un controvertido uso del lenguaje valenciano, a favor del pueblo y en contra de dogmas oficialistas. La trama combina dos historias de carácter sexual, la de Visanteta (Maria Rosario Omaggio, La lozana andaluza), cuya virginidad parece protegida por poderes divinos, y la del Tío Collons (Antonio Ferrandis), aficionado a la sodomía para disgusto de su esposa. La película de Escrivá y su guionista Antonio Fos mantuvo el tono y el verso valenciano, pero se vio entonces como una alternativa menos transgresora que la de Carles Mira y La portentosa vida del Padre Vicente, del mismo año 1978. Si bien la película resulta más moralizante que la obra teatral, se trata de un rasgo tan típico del sainete clásico como del cine del destape, y lo que trasciende del film hoy en día es el descaro esperpéntico y las situaciones católico-surrealistas, que prefiguran particularmente nuestra serie B. Mención aparte merece el reparto, con una selección de actrices y actores de carácter como Josele Román, Pepe Sancho, Luis Barbero o Joan Monleón y artistas de varietés autóctonas como Queta Claver o Rosita Amores.

El éxito comercial, sobre todo en el Levante, motivó a Escrivá y Fos a continuar la saga inmediatamente con Visanteta, esta-te queta, con el mismo reparto y basada en los personajes de Baldoví, pero ahora con una trama original. Un concurso de pedos es aquí la escena más memorable, demostrando una vez más que escatología y comedia van unidas a nuestra tradición. Este díptico “erótico-vernáculo”, en palabras del investigador Pablo Adiego, son de los últimos trabajos de Antonio Fos, “un prolífico guionista, plenamente integrado en la industria de productos con tirón popular y con extrañas y apasionantes obras como Volveré a nacer, El transexual, La semana del asesino o Una vela para el diablo.”». (Álex Mendíbil)

Presentación a cargo de Pablo Adiego, investigador y autor de Antonio Fos, las películas de amor y muerte de Eloy de la Iglesia, y Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B».

Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 210’).

21:30 · Sala 1 · Jerzy Skolimowski. Identidades múltiples

Essential Killing (Jerzy Skolimowski, 2010). Int.: Vincent Gallo, Emmanuelle Seigner, Dariusz Juzyszyn, David L. Price. Polonia, Noruega, Irlanda, Hungría, Reino Unido. DCP. VOSI/E. Color. 83’.

Un afgano vinculado a los talibanes es capturado por el ejército estadounidense tras atacar a un grupo de soldados y llevado a un centro de detención clandestino en Europa. Cuando logra escapar de sus captores, se inicia una agónica lucha por la supervivencia.

«Sabía de los aviones de la CIA que aterrizaban en un aeropuerto militar cercano por la prensa, y que supuestamente se llevaban prisioneros de Oriente Próximo a esta base secreta no muy lejos de mi casa. Instintivamente, me negué a pensar en ello como tema de mi próxima película por su contexto político, ya que no me considero un activista político. […] No importa si es esta o aquella guerra, si tiene lugar en Afganistán o Irak o en la frontera de Pakistán. […] Lo que me interesa es que este tipo se ve atrapado en estas dramáticas circunstancias y es llevado a este paisaje nevado que está lo más lejos posible de todo lo que ha conocido. Por un extraño giro de la suerte, o más bien de la desgracia, como pronto descubrirá, consigue escapar. La película trata de su lucha por sobrevivir». (Jerzy Skolimowski).

ABRIL DE 2023

En abril Filmoteca Española comienza un ciclo dedicado al director francés Jacques Rivette (1928-2016), continúan las retrospectivas de Jerzy Skolimowski y Douglas Sirk, participa en las celebraciones del año Picasso y acoge el foco que el festival Punto de Vista le dedica a la directora y guionista argentina Ana Poliak (n. 1962). Además, celebra el Día del Libro y ofrece un curso en torno al melodrama impartido por Luis Martínez.

• 'Jacques Rivette. El silencio y la ley': Empieza la retrospectiva de cuatro meses que le dedicamos al director de Out 1 y Los locos viajes de Celine y Julie. En el ciclo colaborará puntualmente el Círculo de Bellas Artes, probablemente acogiendo las proyecciones de sus películas más largas (tiene títulos de hasta 13 horas…).

• 'Douglas Sirk. La emoción inmediata': Penúltimo mes de esta retrospectiva. En abril se proyectan sus películas más famosas y además le dedicamos un curso de cinco sesiones al melodrama.

• 'Jerzy Skolimowski. Identidades múltiples': Continúan las sesiones de este ciclo que termina el mes de mayo.

• 'Punto de Vista: Ana Poliak': la Filmoteca Española acoge la retrospectiva que el Festival Punto de Vista le dedica a la cineasta argentina. Son tres sesiones, a las primera de las cuales el día 11 Ana Poliak y la comisaria Lucia Salas asistirán para presentarlo.

• 'Año Picasso': Filmoteca Española se une a las celebraciones del 50º aniversario de la muerte de Pablo Picasso con este ciclo, comisariado por Manuel Palacio, en colaboración con la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando y la Universidad Carlos III de Madrid. Son 10 sesiones en total, se proyectarán largos de ficción, documentales y varias rarezas en torno al pintor malagueño.

• 'Día del Libro': Como el año pasado se celebra el Día del Libro con presentaciones de libros en el vestíbulo del Doré el día 23, además de tres proyecciones ad hoc: Augusto M. Torres la nueva edición de su libro dedicado a los cineastas malditos españoles, y Javier Tolentino su monografía sobre Basilio Martín Patino.

- Sábado 1 de abril

17:00 · Sala 1 · Filmoteca Junior

El circo (The Circus, Charles Chaplin, 1928). Int.: Charles Chaplin, Merna Kennedy, Al Ernest Garcia, Harry Crocker. EEUU. DCP. MRI/E. B/N. 72’.

Injustamente acusado de ser un carterista, un hombre huye de la policía. Sus torpes intentos de eludir la captura hacen tanta gracia al público de un circo que el dueño le contrata de inmediato. Las cosas se complican cuando el hombre se enamora de la hija del dueño.

«Chaplin no solo le dedicó uno de sus temas favoritos, algunos de sus gags más sublimes y un final incomparablemente conmovedor, también es una obra profundamente personal. […] No es solo una película con un final espectacular que se desarrolla en las alturas, también es una película sobre la presión de ser gracioso, sobre una persona que solo consigue hacer reír a la gente cuando no lo pretende, una película en la que la identidad del propio Charlot empieza a quebrarse». (Pamela Hutchinson).

19:00 · Sala 2 · Jerzy Skolimowski. Identidades múltiples

Walkover (Walkower, Jerzy Skolimowski, 1965). Int.: Jerzy Skolimowski, Aleksandra Zawieruszanka, Krzysztof Chamiec, Andrzej Herder. Polonia. DCP REST. VOSE. B/N. 77’. Copia restaurada por Di-factory.

Antes de enfrentarse en combate, un joven boxeador debe tomar serias decisiones sobre su vida personal y profesional.

«En Walkover, Skolimowski se esfuerza por hacer balance de su juventud y se incorpora a la realidad que le rodea. […] Los personajes de Skolimowski, con su rebeldía y sus gestos y acciones irracionales que no tienen cabida en el ámbito de las normas establecidas, su discordia interna e inestabilidad, acumulan en sí ciertas disposiciones de ánimo, sueños, problemas y nostalgias de sus contemporáneos; no son, sin embargo, un retrato en el sentido textual de la palabra. El autor muestra en sus filmes un cuadro de la realidad, construida con materiales perfectamente observados, que en el proceso de producción sufren una estilización sintetizadora, una expresiva justificación». (Jacek Fuksiewicz).

Segunda proyección el J20 a las 17.30 h.

21:00 · Sala 1 · Douglas Sirk. La emoción inmediata

Escrito sobre el viento (Written on the Wind, Douglas Sirk, 1956). Int.: Rock Hudson, Lauren Bacall, Robert Stack, Dorothy Malone, Robert Keith, John Larch. EEUU. 35 mm. VOSE. Color. 99’.

Un alcoholizado magnate petrolero y su empleado y mejor amigo se enamoran de la misma mujer.

«Es una obra de crítica social, sobre los ricos y consentidos y sobre la familia americana, en realidad. Y puesto que la trama admitía cierta violencia, permitía también el vigor de la representación. […] Aquí, en Escrito sobre el viento, se retrata y, en muchos aspectos, se anticipa una condición de vida, que no es distinta a la sociedad americana de hoy que declina y se desmorona. […] A mí no me interesa el fracaso en el sentido que le dan los neorrealistas, que abogan por la belleza del fracaso. Este sería más bien el tipo de fracaso que te invade sin ton ni son, no el tipo de fracaso que puedes encontrarte en un escritor como Hofmannsthal. Tanto en Ángeles sin brillo como en Escrito sobre el viento hay un tipo de fracaso sin ninguna esperanza». (Douglas Sirk)

Antes de la proyección de Escrito sobre el viento se podrá ver el capítulo correspondiente a dicha película de la entrevista que el cineasta Antonio Drove realizó a Douglas Sirk en 1982, emitida en Televisión Española, entre 1982 y 1983, con motivo de un ciclo televisado de su cine.

Duración total de la sesión: 130’.

Segunda proyección el M18 a las 17.30 h.

- Domingo 2 de abril

17:00 · Sala 1 · Douglas Sirk. La emoción inmediata

Tiempo de amar, tiempo de morir (A Time to Love and a Time to Die, Douglas Sirk, 1958). Int.: John Gavin, Liselotte Pulver, Jock Mahoney, Don DeFore, Keenan Wynn, Erich Maria Remarque. EEUU. 35 mm. VOSE. Color. 132’.

Durante la Segunda Guerra Mundial, un joven soldado alemán en el frente ruso obtiene un permiso para volver a casa. Allí descubre que el hogar de sus padres ha sido bombardeado y se reencuentra con una vieja amiga de la que se enamora. Adaptación de la novela homónima de Erich Maria Remarque.

«Lo que me interesaba era la historia de amor entre el soldado y la chica. […] Insistí tanto en que se incluyese la palabra “amar” en el título porque yo sentía que debía ser una historia de amor. La denuncia del nazismo tenía que estar en un segundo plano con respecto a la historia de amor. […] Estoy realmente satisfecho, porque puse mucho de mí mismo en la parte de amor de la película. Es una historia muy próxima a mis inquietudes, sobre todo la brevedad de la felicidad. No soy tan pesimista como puedo parecer a veces. Creo en la felicidad… La felicidad tiene que existir, puesto que puede ser destruida». (Douglas Sirk).

Segunda proyección el M25 a las 20.30 h.

20:00 · Sala 2 · Misterio Picasso (1973-2023)

Orígenes españoles

• Málaga y Picasso (Miguel Alcobendas, 1975). España. 16 mm. Color. 10’.

• Esencia de verbena (Ernesto Giménez Caballero, 1930). España. 35 mm. B/N. 12’.

• Toros tres (Javier Aguirre, 1963). España. 35 mm. B/N. 10’.

• Viaje al país cubista (Antonio Pérez Olea, 1967). España. BDG. Color. 22’.

Esta sesión reúne cuatro acercamientos muy diferentes a la figura de Picasso, desde la presencia de su pintura ya en una pieza de vanguardia de 1930 hasta el juego comparativo que Javier Aguirre hace de los toros de Guisando y los pintados por Goya y Picasso (“una historia de la mirada hispánica”, en palabras de Mario Benedetti), pasando por el documental experimental de Antonio Pérez Olea (también conocido por ser el músico de películas como Un, dos, tres, al escondite inglés o Ninette y un señor de Murcia) o el cortometraje de Miguel Alcobendas, rodado solo dos años después de la muerte del pintor.

Duración total de la sesión: 54’.

20:30 · Sala 1 · Jerzy Skolimowski. Identidades múltiples

La barrera (Bariera, Jerzy Skolimowski, 1966). Int.: Joanna Szczerbic, Jan Nowicki, Tadeusz Lomnicki, Maria Malicka, Zdzislaw Maklakiewicz. Polonia. DCP REST. VOSE. B/N. 77’. Copia restaurada por Di-factory.

Un estudiante que quiere liberarse de todas las ataduras de la sociedad conoce a una conductora de tranvía con unos ideales muy distintos.

«La barrera es un título perfecto para la película de Skolimowski, ya que deconstruye no sólo las barreras entre las generaciones jóvenes y viejas, sino también entre la clase trabajadora y las clases intelectuales de la sociedad. La barrera es cínica y romántica a partes iguales: Skolimowski parece temer el futuro de su país, pero sigue confiando en la determinación de su pueblo. También es una película tonalmente muy juguetona, cuya comparación más fácil sería con una película de Godard. […] Parece sugerir que la exuberancia juvenil hacia el futuro es a la vez una bendición y una maldición, y Skolimowski contrasta su punto de vista cínico de la Polonia de posguerra con el romanticismo de la juventud». (Eric Rowe).

Segunda proyección el V14 a las 20.00 h. 

- Martes 4 de abril

18:00 · Sala 1 · Misterio Picasso (1973-2023)

Las relecturas de la Transición

• Picasso, sueño y mentira de Franco (Iñaki Núñez, 1979). España. 35 mm. Color. 12’.

• Picasso en rosa y azul (César Fernández Ardavín, 1980). España. 35 mm. Color. 11’.

• Picasso en su siglo (Rafael Cortés, 1980). España. 35 mm. Color. 57’.

Tres películas en torno a la obra de Pablo Picasso rodadas y estrenadas pocos años después de la muerte de Franco.

Presentación a cargo del comisario del ciclo, Manuel Palacio; José Luis García del Busto, secretario general de la Real Academia de Bellas Artes de San Fernando; y Valeria Camporesi, directora de Filmoteca Española.

Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 100’).

21:00 · Sala 1 · Douglas Sirk. La emoción inmediata

Ángeles sin brillo (The Tarnished Angels, Douglas Sirk, 1957). Int.: Rock Hudson, Robert Stack, Dorothy Malone, Jack Carson, Robert Middleton. EEUU. DCP. VOSE. B/N. 91’.

Un periodista se obsesiona con la familia de un piloto que combatió en la Primera Guerra Mundial y ahora sobrevive haciendo acrobacias con su avioneta.

«Aunque el libro esté completamente transformado, creo que los personajes de la película están aún muy cerca de los de Faulkner. Ese hombre que busca su identidad, un hombre que pisa un terreno muy inseguro. El suelo firme no le proporciona ninguna seguridad, busca la firmeza en el aire: una idea insensata, y magnífica, creo. Al mismo tiempo es una historia de amor, una de esas historias de amor que siempre he querido hacer, empezando por Dreiklang. […] En la novela el periodista está demasiado cerca del mundo de los aviadores. Pensé que sería mejor establecer un contraste y creo que de esta forma queda más integrado de lo que estaba en el libro de Faulkner. Es un espejo perfectamente bruñido que se coloca frente al mundo demencial de los pilotos, esos indios del aire. Él es el eje de la acción tanto en el libro como en la película». (Douglas Sirk).

Antes de la proyección de Ángeles sin brillo se podrá ver el capítulo correspondiente a dicha película de la entrevista que el cineasta Antonio Drove realizó a Douglas Sirk en 1982, emitida en Televisión Española, entre 1982 y 1983, con motivo de un ciclo televisado de su cine.

Duración total de la sesión: 120’.

Segunda proyección el X12 a las 17.00 h.

- Miércoles 5 de abril

17:30 · Sala 1 · Douglas Sirk. La emoción inmediata

Himno de batalla (Battle Hymn, Douglas Sirk, 1957). Int.: Rock Hudson, Martha Hyer, Anna Kashfi, Dan Duryea, Don DeFore. EEUU. B-R. VOSE. Color. 108’.

Un antiguo piloto que bombardeó un orfanato se entrega al sacerdocio para calmar su conciencia. Durante la guerra de Corea se vuelve a alistar, esta vez como entrenador, mientras sigue con su misión de salvar niños. Basada en la historia real del militar estadounidense Dean Hess.

«Esto es lo que me interesaba: un hombre que mata y salva niños. Hess era un hombre de dos pastas diferentes. Yo quería que esta película tratara sobre ética y religión, sobre misticismo, magia y creencia. Ética y religión no son en absoluto lo mismo. Me interesa la gente que cree en un dios de venganza, porque dudo que la venganza sea algo ético. Dean Hess combinaba la actitud de un soldado con la de un predicador. Pero era un ingenuo. […] Me interesaba mucho toda la cuestión de las razas; esto se remonta a mi experiencia en Alemania. Creo que quería relacionar el problema de las razas en Alemania y las matanzas en Corea». (Douglas Sirk).

Antes de la proyección de Himno de batalla se podrá ver el capítulo correspondiente a dicha película de la entrevista que el cineasta Antonio Drove realizó a Douglas Sirk en 1982, emitida en Televisión Española, entre 1982 y 1983, con motivo de un ciclo televisado de su cine.

Duración total de la sesión: 135’.

Segunda proyección el J13 a las 19.30 h.

21:30 · Sala 1 · Jerzy Skolimowski. Identidades múltiples

Hands Up! (Rece do góry, Jerzy Skolimowski, 1967-1981). Int.: Jerzy Skolimowski, Joanna Szczerbic, Tadeusz Lomnicki, Adam Hanuszkiewicz. Polonia. DCP REST. VOSE. Color y B/N. 76’. Copia restaurada por Di-factory.

Un hombre va con sus compañeros de estudios a bordo de un tren. Para matar el rato, charlan y toman drogas. La película, rodada originalmente en los años 60, fue prohibida por el régimen soviético hasta que en 1980 se levantó el veto y Skolimowski la estrenó añadiendo nuevo metraje.

«Hands Up! no puede compararse con ninguna otra película jamás hecha. Con perdón. Es mi niño y es mi niño favorito y no se parece a ningún otro niño del mundo». (Jerzy Skolimowski)

Segunda proyección el S29 a las 19.30 h.

- Sábado 8 de abril

17:00 · Sala 1 · Filmoteca Junior

Las tres edades (Three Ages, Edward F. Cline y Buster Keaton, 1923). Int.: Buster Keaton, Margaret Leahy, Wallace Beery, Joe Roberts. EEUU. DCP. MRI/E. B/N. 55’.

En tres momentos históricos diferentes (la Prehistoria, la Roma clásica y los años 20 del siglo pasado), dos hombres compiten por el amor de una mujer de formas igualmente ridículas.

«Resulta que sesenta años antes de la épica serie de clásicos ochenteros de Mel Brooks, Buster Keaton ya le había ganado la partida en el terreno de la parodia. El estilo cómico de Keaton, centrado en los gags físicos, es brillante y muy propio, pero suele alejarse de la parodia específica. Ese tipo de comedia se convertiría en habitual en los años 80, cuando Brooks y los hermanos Zucker compitieron por las risas de los espectadores, pero era infrecuente en la era muda. Y sin embargo, en Las tres edades, el primer largometraje de Keaton, la leyenda de la comedia se burla descarada y desenfrenadamente de la suntuosa epopeya de D.W. Griffith Intolerancia (1916)». (Aaron Leggo).

19:00 · Sala 2 · Douglas Sirk. La emoción inmediata

Su gran deseo (All I Desire, Douglas Sirk, 1953). Int.: Barbara Stanwyck, Richard Carlson, Lyle Bettger, Lori Nelson, Marcia Henderson. EEUU. B-R. VOSE. B/N. 80’.

Una madre regresa al hogar que abandonó diez años atrás para ver la función de uno de sus hijos.

«En esta película se traslucía en la protagonista la tristeza contenida de una vida rota. Era un primer estudio de la “actriz” de Imitación a la vida… Regresa de una vida imitada… Me atraía el título original, Stopover [Apeadero]. Stanwyck no puede recuperar su amor, hay algo que la bloquea, y no encuentra nada más que esa podrida y decrépita familia americana de clase media. [...] El productor, Ross Hunter, era inflexible. Tuvimos que poner un final feliz. Esa es la razón adicional por la que quería mantener Stopover como título de la película. Era un título mucho más sombrío. Habría dado profundidad a la película y al personaje; y, a la vez, ironía». (Douglas Sirk).

Segunda proyección el J27 a las 19.30 h.

21:30 · Sala 1 · Sesión especial

La chinoise (Jean-Luc Godard, 1967). Int.: Anne Wiazemsky, Jean-Pierre Leaud, Juliet Berto, Michel Semeniako. Francia. DCP. VOSE. Color. 95’.

Cinco estudiantes en un pequeño apartamento de París discuten sobre política y la necesidad de la acción violenta para alcanzar sus objetivos revolucionarios.

«Estrenada un año antes de las revueltas de mayo del 68, esta elegante descripción de una joven célula maoísta en París, interroga, cuestiona y defiende a partes iguales la política radical y a los radicales políticos de su época. El director francosuizo reformó el piso que compartía con su entonces esposa, Anne Wiazemsky, para convertirlo en el lugar de veraneo de un grupo ficticio de estudiantes universitarios (entre ellos la propia Wiazemsky y los iconos de la Nouvelle Vague Jean-Pierre Léaud y Juliet Berto), que lo decoran con brillantes colores primarios, eslóganes políticos y pilas del Pequeño Libro Rojo de Mao». (Tom Grieve).

- Domingo 9 de abril

17:30 · Sala 1 · Douglas Sirk. La emoción inmediata

Imitación a la vida (Imitation of Life, Douglas Sirk, 1959). Int.: Lana Turner, John Gavin, Juanita Moore, Sandra Dee, Susan Kohner, Robert Alda, Mahalia Jackson. EEUU. 35 mm. VOSE. Color. 125’.

Una aspirante a actriz acoge en su casa a una mujer afroamericana y a su hija. Entre las tres desarrollan una relación casi de familia que se prolonga durante años.

«La imitación de la vida no es la vida real. La vida de Lana Turner es una imitación muy barata. La joven Susan Kohner elige la imitación de la vida en lugar de ser negra. La película es una obra de crítica social, tanto de los blancos como de los negros. No puedes escapar de lo que eres». (Douglas Sirk)

Antes de la proyección de Imitación a la vida se podrá ver el capítulo correspondiente a dicha película de la entrevista que el cineasta Antonio Drove realizó a Douglas Sirk en 1982, emitida en Televisión Española, entre 1982 y 1983, con motivo de un ciclo televisado de su cine.

Duración total de la sesión: 150’.

Segunda proyección el V21 a las 18.00 h.

19:00 · Sala 2 · Jerzy Skolimowski. Identidades múltiples

Innocent Sorcerers (Niewinni czarodzieje, Andrzej Wajda, 1960). Int.: Tadeusz Lomnicki, Krystyna Stypulkowska, Wanda Koczeska, Kalina Jedrusik. Polonia. DCP REST. VOSE. B/N. 87’. Copia restaurada por Di-factory.

Tras conocerse en un club nocturno de Varsovia, dos jóvenes terminan en el piso de uno de ellos y pasan la noche hablando y jugando.

«En la copiosa producción de Andrzej Wajda se pueden encontrar algunas películas sorprendentes que, a primera vista, solo parecen ligeramente wajdianas, ya que no abordan temas históricos y se limitan a una descripción minimalista de las relaciones interpersonales. Innocent Sorcerers puede considerarse una de esas películas inusuales. Se trata de la primera obra plenamente contemporánea del director, la primera que no mira al pasado bélico. Este retrato de treintañeros no sería tan interesante si no fuera por la aportación de los jóvenes colaboradores de Wajda: Jerzy Skolimowski y Krzysztof Komeda. Ambos marcaron fuertemente su presencia en la película». (Robert Birkholc).

Segunda proyección el V28 a las 17.30 h.

21:00 · Sala 1 · Misterio Picasso (1973-2023)

Pablo Picasso, peintre (Frédéric Rossif, 1981). Francia, España. DCP. VOSE. Color y B/N. 80’.

Documental biográfico que recorre la vida de Picasso conectándola con la historia del siglo XX, desde sus inicios en España hasta su exilio en Francia y sus últimas etapas, todo ello enriquecido con testimonios de los pintores Joan Miró, Edouard Pignon y Hans Hartung, además de la narración de Suzanne Flon y Pierre Vaneck. Es una de las varias películas que el documentalista Fréderic Rossif dedicó a artistas plásticos como Georges Braque o Georges Mathieu. Para la ocasión, el cineasta francés (aunque nacido en la actual Montenegro) contó con la composición musical del recientemente fallecido Vangelis, célebre por sus trabajos en Blade Runner (Ridley Scott, 1982) o Lunas de hiel (Roman Polanski, 1992).

- Martes 11 de abril

17:00 · Sala 1 · Douglas Sirk. La emoción inmediata

Siempre hay un mañana (There’s Always Tomorrow, Douglas Sirk, 1956). Int.: Barbara Stanwyck, Fred MacMurray, Joan Bennet, William Reynolds, Pat Crowley, Gigi Perreau. EEUU. 35 mm. VOSE. B/N. 84’.

El propietario de una fábrica de juguetes está deprimido y se siente despreciado por su mujer e hijos. Casualmente, un día se encuentra a un antiguo amor y empieza a replantearse su vida.

«Douglas Sirk aporta una ibseniana agudeza psicológica a este melodrama matrimonial de 1956. Con la aguzada mirada de un extranjero, Sirk, que comenzó su carrera en la Alemania de preguerra, invoca artefactos como An American Tragedy, un cursi espectáculo teatral, y la patética nueva creación de Cliff, “Rex, el hombre robot walkie-talkie”, para exponer los gritos apagados de dolor que se esconden bajo las cómodas formalidades; describe los suburbios como un páramo encantador, alegre, próspero y frívolo. En contraste con la típica masculinidad estoica del Hollywood de los cincuenta, esta es como una "casa de muñecas" para el hombre casado, sensible y apasionado». (Richard Brody)

Antes de la proyección de Siempre hay un mañana se podrá ver el capítulo correspondiente a dicha película de la entrevista que el cineasta Antonio Drove realizó a Douglas Sirk en 1982, emitida en Televisión Española, entre 1982 y 1983, con motivo de un ciclo televisado de su cine.

Duración total de la sesión: 115’.

Segunda proyección el S29 a las 21.30 h.

20:00 · Sala 1 · Festival Punto de Vista: Ana Poliak

• Suco de sábado (Ana Poliak, 1989). Int.: José Ramón Acosta, María Angélica Iglesias, Jorge Enrique López, Pablo Roitzaid. Argentina. DCP. Color. 8’.

• ¡Que vivan los crotos! (Ana Poliak, 1990). Argentina, España, Reino Unido, Cuba. 35 mm. Color. 75’.

Esta sesión reúne el segundo cortometraje de Ana Poliak y su primer largometraje, un drama familiar y el retrato, a medio camino entre lo documental y la ficción, de la Argentina del último siglo, construido a partir de los recuerdos de un nómada y sus amigos.

«Poliak no sólo se interesó por situar en el centro de su película la temática de la memoria, sino que se preguntó específicamente por la forma en que podía abordarla. El uso de la ficción en el documental y la meticulosa puesta en escena de los testimonios se relaciona a una búsqueda plasmada en el cine documental a mediados de los años ochenta en América Latina. […] Tal como señala Ana Amado, en el film de Poliak “no hay historia en el sentido de reconstrucción cronológica de hechos […] sino que tenemos su elaboración tal como es propuesta en el film, en el (des)orden que nos entrega la pantalla a modo de rompecabezas con algunos fragmentos presentes y otros que faltan”». (Cristina Flores)

Presentación a cargo de la directora, Ana Poliak, y la comisaria del ciclo, Lucía Salas. Tras la proyección tendrá lugar un coloquio con el público.

Duración aproximada de la presentación y el coloquio: 60’ (Total sesión: 145’).

- Miércoles 12 de abril

17:00 · Sala 1 · Douglas Sirk. La emoción inmediata

Ángeles sin brillo (The Tarnished Angels, Douglas Sirk, 1957). Int.: Rock Hudson, Robert Stack, Dorothy Malone, Jack Carson, Robert Middleton. EEUU. DCP. VOSE. B/N. 91’.

Un periodista se obsesiona con la familia de un piloto que combatió en la Primera Guerra Mundial y ahora sobrevive haciendo acrobacias con su avioneta.

«Aunque el libro esté completamente transformado, creo que los personajes de la película están aún muy cerca de los de Faulkner. Ese hombre que busca su identidad, un hombre que pisa un terreno muy inseguro. El suelo firme no le proporciona ninguna seguridad, busca la firmeza en el aire: una idea insensata, y magnífica, creo. Al mismo tiempo es una historia de amor, una de esas historias de amor que siempre he querido hacer, empezando por Dreiklang. […] En la novela el periodista está demasiado cerca del mundo de los aviadores. Pensé que sería mejor establecer un contraste y creo que de esta forma queda más integrado de lo que estaba en el libro de Faulkner. Es un espejo perfectamente bruñido que se coloca frente al mundo demencial de los pilotos, esos indios del aire. Él es el eje de la acción tanto en el libro como en la película». (Douglas Sirk).

Antes de la proyección de Ángeles sin brillo se podrá ver el capítulo correspondiente a dicha película de la entrevista que el cineasta Antonio Drove realizó a Douglas Sirk en 1982, emitida en Televisión Española, entre 1982 y 1983, con motivo de un ciclo televisado de su cine.

Duración total de la sesión: 120’

20:00 · Sala 1 · Jacques Rivette. En el laberinto de espejos

Le pont du Nord (Jacques Rivette, 1981). Int.: Bulle Ogier, Pascale Ogier, Pierre Clémenti, Jean-François Stevenin. Francia. DCP. VOSE. Color. 129’.

Tras salir de prisión, una mujer claustrofóbica recorre París encontrándose en varias ocasiones con una joven amante de las artes marciales, hasta que deciden aliarse y tratan de descifrar un misterioso mapa.

«La película se puede leer como una alegoría política o aclamada como una balada moderna, la crónica del deambular de sus dos heroínas errantes. Las dos recorren un París mítico y atemporal, cada una gravitando en torno a la otra en sus esfuerzos por combatir las fuerzas que las amenazan. […] Al igual que en Paris nous appartient, un ominoso poder conspiratorio supervisa la ciudad con su mirada ubicua». (Mary M. Wiles)

Presentación a cargo de Filmoteca Española.

Duración aproximada de la presentación: 15’ (Total sesión: 145’).

Segunda proyección el M25 a las 17.30 h.

21:00 · Sala 2 · Festival Punto de Vista: Ana Poliak

• El eco (Ana Poliak, 1984). Int.: José Ramón Acosta, María Angélica Iglesias, Jorge Enrique López, Pablo Roitzaid. Argentina. DCP. Color. 8’.

• La fe del volcán (Ana Poliak, 2001). Int.: Mónica Donay, Jorge Prado, Alejandra Álvarez, Luis Morazzoni. Argentina. 35 mm. Color. 86’.

El segundo cortometraje de Ana Poliak y su segundo largometraje, que recorre las calles de un Buenos Aires golpeado por la crisis de la mano de una aprendiz de peluquera y un afilador de cuchillos.

«Empecé a escribir sobre mi crisis personal cuando era joven. El personaje principal era yo de adolescente. Finalmente llegamos a un guion sin historia, sobre las relaciones y el dolor del mundo visto a través de los ojos de esta joven. Empezamos a trabajar para encontrar dinero […]. Después de cuatro años teníamos 25.000 dólares del Fondo Hubert Bals y durante dos más pasamos por un proceso burocrático en el Instituto Nacional de Cine, finalmente con éxito. En este punto llegué al mismo tipo de crisis que tuve durante mi adolescencia: “Este es el mundo, yo estoy aquí, quiero decir algo, pero no puedo”. No puedo porque necesito cambiar las cosas; si tomo dinero tengo que decir las cosas que la gente que me da el dinero quiere que diga. Decidí que esta no era mi manera. Rechacé el dinero del Instituto de Cine. Me hundí en una crisis. Escribí una carta al Hubert Bals rechazando el dinero, pero al final no envié la carta. En cambio, me escribí una carta a mí misma. Llamé a mi compañero y le pregunté cómo podía filmar los pensamientos y sentimientos de esta carta. Él me dijo: “Bueno, agarremos la cámara y empecemos ahora”. Empezó a mover los muebles y armó como un set. Y empezamos a buscar la imagen de este sentimiento. La primera imagen de la película, de mí en la ventana, fue la primera imagen que me gustó mucho». (Ana Poliak).

Duración total de la sesión: 94’.

- Jueves 13 de abril

17:30 · Sala 1 · Festival Punto de Vista: Ana Poliak

• Caracol (Ana Poliak, 1982). Argentina. DCP. B/N. 2’.

• Parapalos (Ana Poliak, 2004). Int.: Adrián Suárez, Roque Chappay, Armando Quiroga, José Luis Seytón Guzmán. Argentina, Bélgica. 35 mm. Color. 90’.

La última sesión dedicada a Ana Poliak reúne su primer cortometraje y su último largometraje, el retrato de un joven que llega a Buenos Aires y consigue trabajo en una de las últimas boleras en las que el proceso de levantar los bolos no está automatizado.

«Todos los trabajos son invisibles a los ojos de aquellos que disfrutan de lo que el obrero produce. El bowling manual parece ser casi una puesta en escena de este fenómeno. Los clientes están jugando, se están divirtiendo y son casi inconscientes de que al otro lado de la pista hay personas trabajando en condiciones casi infrahumanas. Me interesaba hablar de esto en forma sutil y casi sin mostrar a los jugadores, lo que sería el “contracampo” de la imagen que todos tenemos de un bowling». (Ana Poliak)

Duración total de la sesión: 92’.

19:30 · Sala 2 · Douglas Sirk. La emoción inmediata

Himno de batalla (Battle Hymn, Douglas Sirk, 1957). Int.: Rock Hudson, Martha Hyer, Anna Kashfi, Dan Duryea, Don DeFore. EEUU. B-R. VOSE. Color. 108’.

Un antiguo piloto que bombardeó un orfanato se entrega al sacerdocio para calmar su conciencia. Durante la guerra de Corea se vuelve a alistar, esta vez como entrenador, mientras sigue con su misión de salvar niños. Basada en la historia real del militar estadounidense Dean Hess.

«Esto es lo que me interesaba: un hombre que mata y salva niños. Hess era un hombre de dos pastas diferentes. Yo quería que esta película tratara sobre ética y religión, sobre misticismo, magia y creencia. Ética y religión no son en absoluto lo mismo. Me interesa la gente que cree en un dios de venganza, porque dudo que la venganza sea algo ético. Dean Hess combinaba la actitud de un soldado con la de un predicador. Pero era un ingenuo. […] Me interesaba mucho toda la cuestión de las razas; esto se remonta a mi experiencia en Alemania. Creo que quería relacionar el problema de las razas en Alemania y las matanzas en Corea». (Douglas Sirk).

Antes de la proyección de Himno de batalla se podrá ver el capítulo correspondiente a dicha película de la entrevista que el cineasta Antonio Drove realizó a Douglas Sirk en 1982, emitida en Televisión Española, entre 1982 y 1983, con motivo de un ciclo televisado de su cine.

Duración total de la sesión: 135’.

21:00 · Sala 1 · Jerzy Skolimowski. Identidades múltiples

Four Nights with Anna (Cztery noce z Anna, Jerzy Skolimowski, 2008). Int.: Artur Steranko, Kinga Preis, Urszula Bartos-Gesikowska, Malgorzata Buczkowska. Polonia. DCP. VOSE. Color. 87’.

Un hombre que trabaja en el crematorio de un hospital fue testigo de una violación. Un día descubre que en ese mismo hospital trabaja la mujer que fue víctima de la agresión y comienza a obsesionarse con ella.

«Estas cuatro noches con Anna han sido descritas como “una historia de amor nada convencional”, “un cuento profundamente gótico”, “algo que está muy lejos de lo que aparenta ser” y “el retorno a la grandeza” de Skolimowski. Conviene no revelar mucho más para que el espectador de esta extraña historia de obsesión en un pueblo sin nombre de la Europa del Este no sepa a dónde conduce. Las preocupaciones de Skolimowski con el voyeurismo y la transferencia de culpabilidad, que le conectan con Hitchcock, se desarrollan en una narrativa austeramente ambigua, de afinidades surrealistas, en la que las personas están conectadas por el dolor y el deseo y sus vidas están puntuadas por un humor negro que incluso llega al slapstick». (Bruce Hodson)

Segunda proyección el D30 a las 19.30 h.

- Viernes 14 de abril

17:30 · Sala 1 · Los mil y un embrujos de Lola Flores

El asesino no está solo (Jesús García de Dueñas, 1974). Int.: Lola Flores, Teresa Rabal, David Carpenter, James Philbrook. España. BDG. Color. 109’.

Marcado por una experiencia traumática con su niñera años atrás, un joven se dedica a matar a mujeres que le resultan atractivas. Poco a poco, sus padres comienzan a sospechar que algo terrible está ocurriendo. Primer largometraje del crítico, escritor e historiador cinematográfico Jesús García de Dueñas, se trata también de una de las pocas incursiones de Lola Flores en el terreno del cine de suspense y criminal.

20:00 · Sala 2 · Jerzy Skolimowski. Identidades múltiples

La barrera (Bariera, Jerzy Skolimowski, 1966). Int.: Joanna Szczerbic, Jan Nowicki, Tadeusz Lomnicki, Maria Malicka, Zdzislaw Maklakiewicz. Polonia. DCP REST. VOSE. B/N. 77’. Copia restaurada por Di-factory.

Un estudiante que quiere liberarse de todas las ataduras de la sociedad conoce a una conductora de tranvía con unos ideales muy distintos.

«La barrera es un título perfecto para la película de Skolimowski, ya que deconstruye no sólo las barreras entre las generaciones jóvenes y viejas, sino también entre la clase trabajadora y las clases intelectuales de la sociedad. La barrera es cínica y romántica a partes iguales: Skolimowski parece temer el futuro de su país, pero sigue confiando en la determinación de su pueblo. También es una película tonalmente muy juguetona, cuya comparación más fácil sería con una película de Godard. […] Parece sugerir que la exuberancia juvenil hacia el futuro es a la vez una bendición y una maldición, y Skolimowski contrasta su punto de vista cínico de la Polonia de posguerra con el romanticismo de la juventud». (Eric Rowe).

20:30 · Sala 1 · Jacques Rivette. En el laberinto de espejos

Vete a saber (Va savoir, Jacques Rivette, 2001). Int.: Jeanne Balibar, Sergio Castellito, Marianne Basler, Hélène de Fougerolles. Francia, Italia, Alemania. 35 mm. VOSE. Color. 157’.

Seis personajes se reúnen en París en torno a la representación teatral de una obra de Pirandello.

«Rivette usa el teatro dentro del cine, y el cine como contexto de su forma de presentar el teatro, como una forma de cuestionar la rígida separación que se establece entre “ficción” y “realidad” e “intérpretes” y “espectadores” en la que se basan buena parte de las artes escénicas, y para generar preguntas sobre el concepto de participación creativa y el papel del espectáculo en un contexto más amplio». (Douglas Morrey y Alison Smith).

Segunda proyección en mayo.

- Sábado 15 de abril

17:00 · Sala 1 · Filmoteca Junior

El libro de la selva (Jungle Book, Zoltan Korda, 1942). Int.: Sabu, Joseph Calleia, John Qualen, Frank Puglia. EEUU, Reino Unido. DCP. VOSE. Color. 108’.

Tras pasar toda su infancia en la selva entre animales salvajes, el joven Mowgli trata de adaptarse a la vida entre humanos, pero un mercader parece decidido a ponerle las cosas difíciles. Todo se complica aún más cuando Mowgli se enamora de la hija del mercader.

«Esta voluptuosa fantasía de los hermanos Korda (dirigida por Zoltan, producida por Alexander y con dirección artística de Vincent) captura ese momento al final de la infancia lleno de cambios de humor en el que el mundo de los adultos parece insoportablemente corrompido y nada resulta más excitante que escapar hacia lo salvaje […] Ningún héroe ha tenido jamás un paso de la infancia a la adolescencia más exuberante que el de Mowgli en esta versión de El libro de la selva, gracias en buena medida a la distintiva e insolente frescura de Sabu, un entusiasta y físicamente expresivo joven que Zoltan Korda maneja de forma inigualable. Su emoción característica es el placer; rebosa de ese entusiasmo propio del adolescente deseoso de acumular hazañas». (Michael Sragow).

19:30 · Sala 2 · Misterio Picasso (1973-2023)

Producciones institucionales españolas

• Picasso insólito (Antonio Mercero, 1978). España. DCP. Color y B/N. 28’.

• Especial Picasso (Luis Revenga, 1981). España. DCP. Color y B/N. 65’.

Dos piezas, la primera para NO-DO, la segunda para RTVE, que exploran la figura de Picasso unos pocos años después de su muerte. El cortometraje de Antonio Mercero recorre la obra del pintor malagueño a partir de una serie de cuadros del también pintor Manuel Blasco Alarcón, mientras que el título de Luis Revenga, estrenado el año en que el Guernica volvía a España, busca construir un retrato del artista mediante entrevistas con sus amigos y admiradores.

Duración total de la sesión: 93’.

21:30 · Sala 1 · Douglas Sirk. La emoción inmediata

Solo el cielo lo sabe (All That Heaven Allows, Douglas Sirk, 1955). Int.: Jane Wyman, Rock Hudson, Agnes Moorehead, Conrad Nagel, Virginia Grey. EEUU. 35 mm. VOSE. Color. 89’.

Una viuda acomodada inicia un romance con un joven jardinero. Poco a poco, las diferencias de edad y de estatus empiezan a hacer mella en la relación.

«América se sentía entonces fuerte y segura de sí misma, era una sociedad que protegía celosamente sus confortables logros e instituciones. No recuerdo muy bien Solo el cielo lo sabe en detalle, pero puedo señalar las siguientes influencias sobre mí… Uno de los primeros impactos de toda la literatura americana en mi forma de pensar, cuando tenía trece o catorce años, fue un libro que me dio mi padre: Walden, de Thoreau. Esto es en definitiva de lo que trataba la película; pero nadie se dio cuenta, salvo el jefe del estudio, el señor Muhl». (Douglas Sirk).

Antes de la proyección de Solo el cielo lo sabe se podrá ver el capítulo correspondiente a dicha película de la entrevista que el cineasta Antonio Drove realizó a Douglas Sirk en 1982, emitida en Televisión Española, entre 1982 y 1983, con motivo de un ciclo televisado de su cine.

Duración total de la sesión: 120’.

Segunda proyección el X26 a las 17.30 h.

- Domingo 16 de abril

17:00 · Sala 1 · Jacques Rivette. En el laberinto de espejos

Alto bajo frágil (Haut bas fragile, Jacques Rivette, 1995). Int.: Marianne Denicourt, Nathalie Richard, Laurence Côte, André Marcon. Francia, Suiza. 35 mm. VOSE. Color. 169’.

Musical que sigue a tres mujeres en su vida cotidiana: una sonámbula que se está recuperando de un accidente que la dejó en coma, una mensajera que está constantemente en movimiento por las calles de París y una bibliotecaria que busca la fuente de una canción que solo ella puede oír.

«Mediante su intrincada interconexión de diferentes tradiciones de la danza en escenas consecutivas, la película construye una representación constante diseñada para acabar con las fronteras entre el número musical y el momento argumental. […] A través de la música, Alto bajo frágil se interroga sobre la relación del espectador (en particular el espectador femenino) con el cine. […] Al igual que las tres protagonistas, el espectador es invitado generosamente a convertirse en un apasionado participante (y también un observador) de los rituales cotidianos de la ciudad». (Mary M. Wiles).

Segunda proyección en mayo.

19:00 · Sala 2 · Jerzy Skolimowski. Identidades múltiples

Identification Marks: None (Rysopis, Jerzy Skolimowski, 1964). Int.: Jerzy Skolimowski, Elzbyeta Czyzewska, Tadeusz Minc, Andrzej Zarnecki, Jacek Szczek. Polonia. DCP REST. VOSE. B/N. 73’. Copia restaurada por Di-factory.

Un estudiante aprovecha su último día de libertad antes de empezar el servicio militar para visitar a sus amigos y amores del pasado.

«Las películas de Skolimowski, muy personales, realizadas al estilo de la Nouvelle Vague, sin líneas dramáticas o narrativas claras, sin conflictos evidentes, eran más bien un mosaico de escenas y episodios aparentemente desordenados, pero en realidad reveladores, que adquirían una coherencia dentro del discurso subjetivo del autor. Los ricos y complejos retratos psicológicos de los personajes y, en particular, del protagonista de sus películas estaban, sin embargo, llenos de ambigüedades y envueltos en un misterio que nunca llegó a aclararse del todo. En particular, el de su primera película, Identification Marks: None (realizada en 1962-1963, pero estrenada en 1964), es más una sucesión de estados de ánimo e impulsos conflictivos que un personaje consciente de sí mismo y de sus objetivos. El protagonista, interpretado por el propio Skolimowski, es una especie de retrato de su generación». (Jacek Fuksiewicz).

Segunda proyección el X26 a las 21.30 h.

21:00 · Sala 1 · Misterio Picasso (1973-2023)

Un été à la Garoupe (François Lévy-Kuentz, 2020). Francia. DCP. VOSE. Color y B/N. 52’.

Documental que recupera los materiales que Man Ray filmó durante el verano de 1937, que el fotógrafo y pintor pasó junto a sus amigos Pablo Picasso, Dora Maar, Paul Éluard, Nusch Éluard y Lee Miller en una playa de la Riviera Francesa.

- Martes 18 de abril

17:30 · Sala 1 · Douglas Sirk. La emoción inmediata

Escrito sobre el viento (Written on the Wind, Douglas Sirk, 1956). Int.: Rock Hudson, Lauren Bacall, Robert Stack, Dorothy Malone, Robert Keith, John Larch. EEUU. 35 mm. VOSE. Color. 99’.

Un alcoholizado magnate petrolero y su empleado y mejor amigo se enamoran de la misma mujer.

«Es una obra de crítica social, sobre los ricos y consentidos y sobre la familia americana, en realidad. Y puesto que la trama admitía cierta violencia, permitía también el vigor de la representación. […] Aquí, en Escrito sobre el viento, se retrata y, en muchos aspectos, se anticipa una condición de vida, que no es distinta a la sociedad americana de hoy que declina y se desmorona. […] A mí no me interesa el fracaso en el sentido que le dan los neorrealistas, que abogan por la belleza del fracaso. Este sería más bien el tipo de fracaso que te invade sin ton ni son, no el tipo de fracaso que puedes encontrarte en un escritor como Hofmannsthal. Tanto en Ángeles sin brillo como en Escrito sobre el viento hay un tipo de fracaso sin ninguna esperanza». (Douglas Sirk).

Antes de la proyección de Escrito sobre el viento se podrá ver el capítulo correspondiente a dicha película de la entrevista que el cineasta Antonio Drove realizó a Douglas Sirk en 1982, emitida en Televisión Española, entre 1982 y 1983, con motivo de un ciclo televisado de su cine.

Duración total de la sesión: 130’.

18:00 · Sala 2 · Escuela Filmoteca

Reflejos del melodrama I: Lirios rotos

Primera sesión del curso “Reflejos del melodrama”, impartido por Luis Martínez, periodista cinematográfico.

Duración total de la sesión: 120’. Inscripción online a través de la plataforma de venta de entradas de Filmoteca Española.

20:30 · Sala 1 · Escuela Filmoteca

Lirios rotos (Broken Blossoms o The Yellow Man and the Girl, D.W. Griffith, 1919). Int.: Lillian Gish, Richard Barthelmess, Donald Crisp, Arthur Howard. EEUU. DCP. MRI/E. B/N. 90’.

Un inmigrante chino en Reino Unido se enamora de una joven que está siendo constantemente maltratada por su padre, un brutal boxeador.

«El melodrama romántico es el centro de Lirios rotos y está deliberadamente sobrecargado, pero inequívocamente coloreado con infinitos matices de mordaz ironía y crítica social. […] Suele considerarse y desestimarse como la disculpa de Griffith por su celebración del Ku Klux Klan en El nacimiento de una nación. Dado que Lirios rotos es un retrato tan serio de un amor imposible entre razas, resulta tentador aceptar las afirmaciones de Griffith de que no pretendía hacer daño con El nacimiento de una nación. Griffith, por supuesto, era demasiado inteligente para permitir que una película como Lirios rotos se tomara como una simple disculpa general». (Ed González).

- Miércoles 19 de abril

17:30 · Sala 1 · Misterio Picasso (1973-2023)

El misterio Picasso (Le mystère Picasso, Henri-Georges Clouzot, 1956). Francia. DCP. VOSE. B/N. 78’.

Documental que captura, directamente en su estudio, el proceso de trabajo del pintor Pablo Picasso.

«El misterio Picasso abarca y deconstruye las mitologías artísticas, en la medida en que la supuesta facilidad de Picasso se revela como una ilusión. Y, si se mira más de cerca, su proceso no parece tan instantáneo después de todo. Al ver los cuadros tomar forma en la pantalla, uno observa, por ejemplo, la frecuencia con la que Picasso revisa su obra, y las revisiones se convierten en el elemento más fascinante de la película. Una especie de suspense natural se filtra en El misterio Picasso, ya que a menudo asumimos que una composición está acabada porque destaca por su simplicidad -una escena representada con unos cuantos rizos juguetones-, aunque Picasso siga añadiendo florituras». (Chuck Bowen).

18:00 · Sala 2 · Escuela Filmoteca

Reflejos del melodrama II: Todos nos llamamos Alí.

Segunda sesión del curso “Reflejos del melodrama”, impartido por Luis Martínez, periodista cinematográfico.

Duración total de la sesión: 120’.

Inscripción online a través de la plataforma de venta de entradas de Filmoteca Española.

20:30 · Sala 1 · Escuela Filmoteca

Todos nos llamamos Alí (Angst essen Seele auf, Rainer Werner Fassbinder, 1974). Int.: Brigitte Mira, El Hedi ben Salem, Barbara Valentin, Irm Hermann. RFA. 35 mm. VOSE. Color. 92'.

Una alemana y un marroquí se conocen de forma accidental y terminan enamorándose y casándose. Sin embargo, su amor provoca un importante rechazo en su entorno.

«Rainer Werner Fassbinder toma el melodrama hollywoodiense de Douglas Sirk Solo el cielo lo sabe y lo conduce al borde del abismo, convertido en la historia del romance de mayo a diciembre entre un jornalero marroquí y una envejecida limpiadora alemana. El estilo visual es, en su mayor parte, también el de Sirk: enfatiza los colores primarios de forma artificialmente alegre y aprisiona a los personajes en el encuadre, pero el estilo interpretativo distante, agotado, pero finalmente apasionado, es puro Fassbinder. Esta película es uno de sus logros más sólidos, situándose entre la cercanía de sus primeros largometrajes de bajo presupuesto y el manierismo de su última etapa». (Dave Kehr).

- Jueves 20 de abril

17:30 · Sala 1 · Jerzy Skolimowski. Identidades múltiples

Walkover (Walkower, Jerzy Skolimowski, 1965). Int.: Jerzy Skolimowski, Aleksandra Zawieruszanka, Krzysztof Chamiec, Andrzej Herder. Polonia. DCP REST. VOSE. B/N. 77’. Copia restaurada por Di-factory.

Antes de enfrentarse en combate, un joven boxeador debe tomar serias decisiones sobre su vida personal y profesional.

«En Walkover, Skolimowski se esfuerza por hacer balance de su juventud y se incorpora a la realidad que le rodea. […] Los personajes de Skolimowski, con su rebeldía y sus gestos y acciones irracionales que no tienen cabida en el ámbito de las normas establecidas, su discordia interna e inestabilidad, acumulan en sí ciertas disposiciones de ánimo, sueños, problemas y nostalgias de sus contemporáneos; no son, sin embargo, un retrato en el sentido textual de la palabra. El autor muestra en sus filmes un cuadro de la realidad, construida con materiales perfectamente observados, que en el proceso de producción sufren una estilización sintetizadora, una expresiva justificación». (Jacek Fuksiewicz).

18:00 · Sala 2 · Escuela Filmoteca

Reflejos del melodrama III: La flor de mi secreto

Tercera sesión del curso “Reflejos del melodrama”, impartido por Luis Martínez, periodista cinematográfico.

Duración total de la sesión: 120’.

Inscripción online a través de la plataforma de venta de entradas de Filmoteca Española.

20:30 · Sala 1 · Escuela Filmoteca

La flor de mi secreto (Pedro Almodóvar, 1995). Int.: Marisa Paredes, Juan Echanove, Carme Elías, Rossy de Palma. España, Francia. 35 mm. Color. 103’.

Según su vida matrimonial se desmorona, una escritora de novelas románticas ve como su estilo se vuelve cada vez más oscuro y amargo.

«Almodóvar a veces ha perdido a su audiencia en su búsqueda incesante de formas narrativas extrañas e híbridas: un thriller cómico, por ejemplo, o una farsa de clase obrera. Pero quizás resulta que, durante todo este tiempo, el ancla de su cine no era la comedia sino el melodrama, el tipo de woman’s film torturado que los maestros de Hollywood como Douglas Sirk, Vincente Minnelli y George Cukor solían hacer. Con La flor de mi secreto Almodóvar se ha sincerado por fin y ha hecho puro melodrama». (Adrian Martin).

- Viernes 21 de abril

17:30 · Sala 1 · Misterio Picasso (1973-2023)

Miradas internacionales I

• Guernica (Robert Flaherty, 1949). España. 35 mm. VESI. B/N. 10’.

• Guernica (Robert Hessens y Alain Resnais, 1951). Francia. DCP. VOSI/E. B/N. 13’.

• Picasso (Luciano Emmer, 1954). Italia. 35 mm. VOSF/E. Color. 50’.

Esta sesión reúne dos cortometrajes en torno al Guernica rodados tras la Segunda Guerra Mundial y un mediometraje del neorrealista Luciano Emmer que retrata a Picasso en su estudio de Villauris.

Duración total de la sesión: 73’.

18:00 · Sala 2 · Escuela Filmoteca

Reflejos del melodrama IV: Imitación a la vida

Cuarta sesión del curso “Reflejos del melodrama”, impartido por Luis Martínez, periodista cinematográfico.

Duración total de la sesión: 120’.

Inscripción online a través de la plataforma de venta de entradas de Filmoteca Española.

20:30 · Sala 1 · Douglas Sirk. La emoción inmediata

Imitación a la vida (Imitation of Life, Douglas Sirk, 1959). Int.: Lana Turner, John Gavin, Juanita Moore, Sandra Dee, Susan Kohner, Robert Alda, Dan O'Herlihy, Mahalia Jackson. EEUU. 35 mm. VOSE. Color. 125’.

Una aspirante a actriz acoge en su casa a una mujer afroamericana y a su hija. Entre las tres desarrollan una relación casi de familia que se prolonga durante años.

«La imitación de la vida no es la vida real. La vida de Lana Turner es una imitación muy barata. La joven Susan Kohner elige la imitación de la vida en lugar de ser negra. La película es una obra de crítica social, tanto de los blancos como de los negros. No puedes escapar de lo que eres». (Douglas Sirk)

Antes de la proyección de Imitación a la vida se podrá ver el capítulo correspondiente a dicha película de la entrevista que el cineasta Antonio Drove realizó a Douglas Sirk en 1982, emitida en Televisión Española, entre 1982 y 1983, con motivo de un ciclo televisado de su cine.

Duración total de la sesión: 150’.

- Sábado 22 de abril

17:00 · Sala 1 · Filmoteca Junior

La quimera del oro (The Gold Rush, Charles Chaplin, 1925). Int.: Charles Chaplin, Mack Swain, Tom Murray, Henry Bergman. EEUU. DCP. MRI/E. B/N. 95’.

Durante la fiebre del oro de finales del siglo XIX, un hombre se aventura en las regiones salvajes de Canadá en busca de fortuna y acaba encontrando el amor.

«Ensalzar una de las películas de Chaplin es como decir que Shakespeare fue buen escritor. Incluso hemos oído a gente salir del Strand después de finalizar la película diciendo: “¡Oye, creo que Chaplin es un genio!”. Bien, nosotros pensamos lo mismo, pero nunca se ha visto tan claro como en esta película». (Harriette Underhill).

18:00 · Sala 2 · Escuela Filmoteca

Reflejos del melodrama: Viaje a Darjeeling

Quinta y última sesión del curso “Reflejos del melodrama”, impartido por Luis Martínez, periodista cinematográfico.

Duración total de la sesión: 120’.

Inscripción online a través de la plataforma de venta de entradas de Filmoteca Española.

20:30 · Sala 1 · Escuela Filmoteca

Viaje a Darjeeling (The Darjeeling Limited, Wes Anderson, 2007). Int.: Owen Wilson, Adrien Brody, Jason Schwartzman, Amara Karan. EEUU, India. 35 mm. VOSE. Color. 91’.

Con la muerte de su padre aún reciente, tres hermanos se embarcan en un viaje en tren por la India para intentar reconectar y superar su depresión.

«El guion de Anderson, Schwartzman y Roman Coppola consigue, mejor que en ninguna otra película de Anderson, mantener el constante debate de ideas sobre cómo aquello que nos pone de los nervios de nuestras familias es también lo que nos ata a ellas. Cuando la película baja el ritmo y se calla un poco, logra adentrarse en el territorio de los sentimientos reales. Como de costumbre, Anderson también muestra su talento para escoger la canción correcta en el momento adecuado: en este caso, se trata de una canción de los Rolling Stones, que se usa como fondo de uno de los momentos más intensos». (Stephanie Zacharek)

Antes de la proyección de Viaje a Darjeeling se podrá ver el cortometraje Hotel Chevalier (Wes Anderson, 2007, 35 mm, VOSE).

Duración total de la sesión: 104’.

- Domingo 23 de abril

11:30 · Sala 1 · Filmoteca en familia

Mirai, mi hermana pequeña (Mirai no Mirai, Mamoru Hosoda, 2018). Japón. DCP. VE. Color. 100’.

El pequeño Kun es un niño mimado y consentido de cuatro años. Cuando nace su hermana Mirai, Kun deja de ser el centro de atención de sus padres. Frustrado y algo molesto, empieza a experimentar situaciones en casa que nunca había vivido. Pero las cosas cambian de forma mágica cuando la versión adolescente de su hermana viaja en el tiempo desde el futuro para vivir junto a Kun una aventura extraordinaria más allá de lo imaginable.

Presentación a cargo de la Tortuga Lumiere.

Sesión gratuita hasta completar el aforo. La adquisición de entradas para esta sesión solo se podrá llevar a cabo a través de la plataforma de venta online.

18:00 · Sala 1 · Día del Libro

El gato montés (Rosario Pi, 1936). Int.: Pablo Hertogs, María del Pilar Lebrón, Víctor M. Meras, Mapy Cortés. España. DCP. B/N. 89’.

Un hombre acaba en la cárcel tras cometer un asesinato movido por los celos. Mientras él se fuga y se convierte en bandolero, la mujer de la que sigue enamorado empieza a sentirse atraída por un torero. Se trata del primer largometraje sonoro español dirigido por una mujer, así como de la única adaptación al cine de la ópera homónima de Manuel Penella.

Presentación a cargo del cineasta y escritor Augusto M. Torres. Antes de la proyección de El gato montés se podrá ver el cortometraje Amor de Dios (Augusto M. Torres, 2023, DCP).

Duración aproximada de la presentación: 10’ (Total de la sesión: 130’).

19:30 · Sala 2 · Día del Libro

El grito del sur. Casas Viejas (Basilio Martín Patino, 1997). España. DCP. Color. 62’.

Primer capítulo de la serie Andalucía, un siglo de fascinación, en la que Basilio Martín Patino repasa los últimos cien años de la historia del pueblo andaluz reconstruyendo algunos de los mitos fundamentales para la construcción de su identidad.

«Casas Viejas es uno de los capítulos de la serie que más expectación ha despertado y, por el tipo de reflexión que articula, exige ser tratado con detenimiento. […] dentro de un trabajo que cuestiona el estrecho margen que separa, en la memoria histórica de un pueblo, la realidad de sus diversas representaciones, este capítulo expone los términos del binomio de manera explícita. En él Patino discurre sobre la naturaleza y construcción de los “verdaderos” documentales por medio de un “falso” documental». (Ana Martín Morán)

Presentación a cargo de Javier Tolentino, periodista cinematográfico y cineasta.

Duración total de la presentación: 15’ (Total sesión: 80’).

21:00 · Sala 1 · Día del Libro

Adaptation (El ladrón de orquídeas) (Adaptation, Spike Jonze, 2002). Int.: Nicolas Cage, Meryl Streep, Chris Cooper, Tilda Swinton. EEUU. 35 mm. VOSE. Color. 115’.

Un guionista trata, con la ayuda de su hermano gemelo, de encontrar la forma de adaptar una novela sobre un hombre obsesionado con las orquídeas.

«Tendríamos que remontarnos a Cómo ser John Malkovich, pesadilla pynchoniana que descubrió al dúo Jonze-Kaufman como perfecto relevo del dúo Wilder-Diamond, para evocar la sensación de ser a la vez público y creador. Adaptation amplifica esa complicidad entre texto y lector que los especialistas en metaficción literaria convirtieron en paradigma de la novela posmoderna norteamericana y que no había tenido correspondencia cinematográfica hasta ahora mismo. Podría considerarse a Adaptation como su propio making of, como la historia de dos artistas en busca de su propia historia, como la odisea de un adicto al solipsismo que encuentra el amor a través de la ficción, como una sátira oblicua y afilada del Hollywood actual, como una burla a las normas no escritas para escribir un guion; como, en fin, una compleja, originalísima reflexión sobre nuestra insólita capacidad para reinventarnos y convertirnos en puro argumento». (Sergi Sánchez).

- Martes 25 de abril

17:30 · Sala 1 · Jacques Rivette. En el laberinto de espejos

Le pont du Nord (Jacques Rivette, 1981). Int.: Bulle Ogier, Pascale Ogier, Pierre Clémenti, Jean-François Stevenin. Francia. DCP. VOSE. Color. 129’.

Tras salir de prisión, una mujer claustrofóbica recorre París encontrándose en varias ocasiones con una joven amante de las artes marciales, hasta que deciden aliarse y tratan de descifrar un misterioso mapa.

«La película se puede leer como una alegoría política o aclamada como una balada moderna, la crónica del deambular de sus dos heroínas errantes. Las dos recorren un París mítico y atemporal, cada una gravitando en torno a la otra en sus esfuerzos por combatir las fuerzas que las amenazan. […] Al igual que en Paris nous appartient, un ominoso poder conspiratorio supervisa la ciudad con su mirada ubicua». (Mary M. Wiles).

20:30 · Sala 1 · Douglas Sirk. La emoción inmediata

Tiempo de amar, tiempo de morir (A Time to Love and a Time to Die, Douglas Sirk, 1958). Int.: John Gavin, Liselotte Pulver, Jock Mahoney, Don DeFore, Keenan Wynn, Erich Maria Remarque. EEUU. 35 mm. VOSE. Color. 132’.

Durante la Segunda Guerra Mundial, un joven soldado alemán en el frente ruso obtiene un permiso para volver a casa. Allí descubre que el hogar de sus padres ha sido bombardeado y se reencuentra con una vieja amiga de la que se enamora. Adaptación de la novela homónima de Erich Maria Remarque.

«Lo que me interesaba era la historia de amor entre el soldado y la chica. […] Insistí tanto en que se incluyese la palabra “amar” en el título porque yo sentía que debía ser una historia de amor. La denuncia del nazismo tenía que estar en un segundo plano con respecto a la historia de amor. […] Estoy realmente satisfecho, porque puse mucho de mí mismo en la parte de amor de la película. Es una historia muy próxima a mis inquietudes, sobre todo la brevedad de la felicidad. No soy tan pesimista como puedo parecer a veces. Creo en la felicidad… La felicidad tiene que existir, puesto que puede ser destruida». (Douglas Sirk).

- Miércoles 26 de abril

17:30 · Sala 1 · Douglas Sirk. La emoción inmediata

Solo el cielo lo sabe (All That Heaven Allows, Douglas Sirk, 1955). Int.: Jane Wyman, Rock Hudson, Agnes Moorehead, Conrad Nagel, Virginia Grey. EEUU. 35 mm. VOSE. Color. 89’.

Una viuda acomodada inicia un romance con un joven jardinero. Poco a poco, las diferencias de edad y de estatus empiezan a hacer mella en la relación.

«América se sentía entonces fuerte y segura de sí misma, era una sociedad que protegía celosamente sus confortables logros e instituciones. No recuerdo muy bien Solo el cielo lo sabe en detalle, pero puedo señalar las siguientes influencias sobre mí… Uno de los primeros impactos de toda la literatura americana en mi forma de pensar, cuando tenía trece o catorce años, fue un libro que me dio mi padre: Walden, de Thoreau. Esto es en definitiva de lo que trataba la película; pero nadie se dio cuenta, salvo el jefe del estudio, el señor Muhl». (Douglas Sirk).

Antes de la proyección de Solo el cielo lo sabe se podrá ver el capítulo correspondiente a dicha película de la entrevista que el cineasta Antonio Drove realizó a Douglas Sirk en 1982, emitida en Televisión Española, entre 1982 y 1983, con motivo de un ciclo televisado de su cine.

Duración total de la sesión: 120’

19:00 · Sala 2 · Misterio Picasso (1973-2023)

Las aventuras de Picasso (Picassos äventyr, Tage Danielsson, 1978). Int.: Gösta Ekman, Hans Alfredson, Margaretha Krook, Lena Olin. Suecia. DCP. VOSE. Color. 115’.

Delirante mirada a los inicios de Pablo Picasso, aquí convertido en protagonista de una farsa surrealista y rodeado de celebridades artísticas de la Europa de los años 20. Se trata de una de las últimas películas dirigidas por el cómico, escritor y cineasta Tage Danielsson, y como es habitual en su cine, el rodaje fue tan surrealista como la propia película: pese a estar ambientada en España, Reino Unido y Francia, la gran mayoría del metraje se rodó en un pueblo de Suecia, a veces en la misma calle.

A petición del director, Tage Danielsson, solo el narrador ha sido subtitulado. El resto de diálogos, en su mayoría consistentes en líneas sin sentido alguno, permanecen sin subtitular.

21:30 · Sala 1 · Jerzy Skolimowski. Identidades múltiples

Identification Marks: None (Rysopis, Jerzy Skolimowski, 1964). Int.: Jerzy Skolimowski, Elzbyeta Czyzewska, Tadeusz Minc, Andrzej Zarnecki, Jacek Szczek. Polonia. DCP REST. VOSE. B/N. 73’. Copia restaurada por Di-factory.

Un estudiante aprovecha su último día de libertad antes de empezar el servicio militar para visitar a sus amigos y amores del pasado.

«Las películas de Skolimowski, muy personales, realizadas al estilo de la Nouvelle Vague, sin líneas dramáticas o narrativas claras, sin conflictos evidentes, eran más bien un mosaico de escenas y episodios aparentemente desordenados, pero en realidad reveladores, que adquirían una coherencia dentro del discurso subjetivo del autor. Los ricos y complejos retratos psicológicos de los personajes y, en particular, del protagonista de sus películas estaban, sin embargo, llenos de ambigüedades y envueltos en un misterio que nunca llegó a aclararse del todo. En particular, el de su primera película, Identification Marks: None (realizada en 1962-1963, pero estrenada en 1964), es más una sucesión de estados de ánimo e impulsos conflictivos que un personaje consciente de sí mismo y de sus objetivos. El protagonista, interpretado por el propio Skolimowski, es una especie de retrato de su generación». (Jacek Fuksiewicz).

- Jueves 27 de abril

17:30 · Sala 1 · Douglas Sirk. La emoción inmediata

Su gran deseo (All I Desire, Douglas Sirk, 1953). Int.: Barbara Stanwyck, Richard Carlson, Lyle Bettger, Marcia Henderson, Lori Nelson, Richard Long. EEUU. B-R. VOSE. B/N. 80’.

Una madre regresa al hogar que abandonó diez años atrás para ver la función de uno de sus hijos.

«En esta película se traslucía en la protagonista la tristeza contenida de una vida rota. Era un primer estudio de la “actriz” de Imitación a la vida… Regresa de una vida imitada… Me atraía el título original, Stopover [Apeadero]. Stanwyck no puede recuperar su amor, hay algo que la bloquea, y no encuentra nada más que esa podrida y decrépita familia americana de clase media. [...] El productor, Ross Hunter, era inflexible. Tuvimos que poner un final feliz. Esa es la razón adicional por la que quería mantener Stopover como título de la película. Era un título mucho más sombrío. Habría dado profundidad a la película y al personaje; y, a la vez, ironía». (Douglas Sirk).

19:30 · Sala 2 · Misterio Picasso (1973-2023)

Producciones catalanas

• El museo els tres palaus (Josep Maria Forn, 1981). España. 35 mm. Color. 12’.

• Picasso per ell mateix (Emiliano Moro y Jaime Camino, 1982). España. 35 mm. Color. 12’.

• Picasso nostre (María Luisa Borrás, 1983). España. 16 mm. Color. 29’.

Josep Maria Forn (La piel quemada), Jaime Camino (Las largas vacaciones del 36) y María Luisa Borrás (historiadora, cineasta y autora de una importante bibliografía sobre arte) firman las tres piezas, todas ellas producidas en Cataluña, de esta sesión.

Duración total de la sesión: 53’.

21:30 · Sala 1 · Clásicos como nuevos

Time to Love (Sevmek zamani, Metin Erksan, 1965). Int.: Müsfik Kenter, Sema Özcan, Süleyman Tekcan, Fadil Garan. Turquía. DCP REST. VOSE. B/N. 86’. Copia restaurada por MUBI.

Un pintor sin dinero consigue un trabajo en una mansión en una isla al sur de Estambul. Allí descubre la fotografía de una mujer y se enamora perdidamente de ella.

«Incluso si optamos por llamar “locura” a la cualidad casi surreal que da forma a la personalidad de Time to Love, tendríamos que admitir que se trata de una locura pautada y con un inquietante, casi sobrenatural, encanto. Erksan se planteó el proyecto como la posibilidad de ahondar en profundidad en esa “locura” llamada amor. El resultado fue un combinado sin precedentes que, en cierto modo, sigue sin tener su igual. Con un pie en el cielo y otro en la tierra, lo que hace que se adentre en el territorio de lo insólito, se trata de un viaje por el inframundo de los mitos y el folclore, una isla cinematográfica en la que un pobre tipo se enamora de una joven rica pero es incapaz de mirarla o aceptar su amor». (Kutlukhan Kutlu)

Presentación a cargo de Zeynep Ozlem, coordinadora de la restauración de Time to Love.

Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 105’).

- Viernes 28 de abril

17:30 · Sala 1 · Jerzy Skolimowski. Identidades múltiples

Innocent Sorcerers (Niewinni czarodzieje, Andrzej Wajda, 1960). Int.: Tadeusz Lomnicki, Krystyna Stypulkowska, Wanda Koczeska, Kalina Jedrusik. Polonia. DCP REST. VOSE. B/N. 87’. Copia restaurada por Di-factory.

Tras conocerse en un club nocturno de Varsovia, dos jóvenes terminan en el piso de uno de ellos y pasan la noche hablando y jugando.

«En la copiosa producción de Andrzej Wajda se pueden encontrar algunas películas sorprendentes que, a primera vista, solo parecen ligeramente wajdianas, ya que no abordan temas históricos y se limitan a una descripción minimalista de las relaciones interpersonales. Innocent Sorcerers puede considerarse una de esas películas inusuales. Se trata de la primera obra plenamente contemporánea del director, la primera que no mira al pasado bélico. Este retrato de treintañeros no sería tan interesante si no fuera por la aportación de los jóvenes colaboradores de Wajda: Jerzy Skolimowski y Krzysztof Komeda. Ambos marcaron fuertemente su presencia en la película». (Robert Birkholc).

19:30 · Sala 2 · «Sala:B»

«Sala:B»: 10 años sin Jess Franco

• La venganza del doctor Mabuse (Dr. M schlägt zu, Jesús Franco, 1972). Int.: Fred Williams, Ewa Strömberg, Jack Taylor, Robert Camardiel. RFA, España. 35 mm. VE. Color. 100’.

• El siniestro doctor Orloff (Jesús Franco, 1984). Int.: Howard Vernon, Antonio Mayans, Rocío Freixas, Tony Skios. España. 35 mm. Color. 87’.

«En abril de 2013 fallecía el director Jesús Franco, uno de los autores de cabecera de «Sala:B». A él dedicamos este programa doble de doctores locos.

La venganza del doctor Mabuse es una coproducción hispano-italo-alemana que, a pesar del título, podríamos conectar con la saga de otro doctor: Orloff, el personaje franquiano por excelencia. Franco era un gran seguidor de Mabuse, en concreto de la trilogía de Fritz Lang, y también trató a menudo el tema del control mental. Mabuse fue además una de las fuentes de inspiración para crear al Orloff de Gritos en la noche (1961), que interpretaba Howard Vernon (presente a su vez en el último Mabuse de Lang). Orloff vendría a ser una especie de Mabuse enamorado, menos interesado en dominar el mundo y más en recuperar al amor de su vida, su hija Melissa. Aunque se habla mucho de cómo inaugura el género de terror en España, Gritos en la noche tiene más que ver con el krimi alemán y con la saga de Lang que con el terror. Oculto entre La Manga y Torremolinos, el doctor Mabuse de Jess Franco es Jack Taylor, tiene toques de Fu Manchú y funciona a la vez como remake de Miss Muerte, por lo que todo queda en casa. En un momento de la película, alguien recuerda a Mabuse que Orloff le lleva la delantera experimentando con el polimagnetismo; la reacción del primero es lo más cerca que estaremos de este increíble duelo de mad-doctors. Estamos ante otro pastiche pop en forma de tebeo expresionista, cruzado con una trama policial que parece sacada de una parodia de spaghetti western. Una explosiva mezcla de géneros que Jess Franco ya había experimentado antes, adelantándose décadas a los cineastas del exploit posmoderno.

Diez años y setenta películas más tarde, Jess Franco dirige El siniestro doctor Orloff, última secuela oficial de la saga, aunque el personaje y sucedáneos aparecerán en más ocasiones. En este caso vuelve el doctor original, un espectral Howard Vernon, pero cediendo el protagonismo a su hijo Alfred (Antonio Mayans), obsesionado también con Melissa. Lo curioso es que Melissa no es su hermana, sino su madre, ¿la madre de la Melissa de Gritos en la noche? No lo sabemos, pero queda claro que en casa de los Orloff el incesto es congénito. Para complicar más las cosas, la actriz que interpreta a Melissa, Rocío Freixas, sigue la tradición de hacer también el papel de la novia del inspector Tanner. El juego de espejos que tanto gusta al director se renueva cambiando el gótico tradicional de Gritos en la noche por un gótico mediterráneo y ochentero, saturado de color y sintetizadores». (Álex Mendíbil).

Presentación a cargo del actor Antonio Mayans, el director Pedro Temboury y Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B».

Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 210’).

20:00 · Sala 1 · Jacques Rivette. En el laberinto de espejos

Los locos viajes de Céline y Julie (Céline et Julie vont en bateau, Jacques Rivette, 1974). Int.: Juliet Berto, Dominique Labourier, Bulle Ogier, Marie-France Pisier. Francia. DCP. VOSE. Color. 193’.

Dos jóvenes parisinas descubren un mundo paralelo y una misteriosa casa que parece regirse por las normas de la dramaturgia.

«La película más innovadora desde Ciudadano Kane. Donde Kane fue la primera película que sugirió que el mundo de la imaginación era tan poderoso como la realidad, Los locos viajes de Céline y Julie es la primera película en la que todo es inventado». (David Thomson).

Segunda proyección en mayo.

- Sábado 29 de abril

17:00 · Sala 1 · Filmoteca Junior

La ley de la hospitalidad (Our Hospitality, Jack Blystone y Buster Keaton, 1923). Int.: Buster Keaton, Natalie Talmadge, Joe Keaton, Joe Roberts. EEUU. DCP. MRI/E. B/N. 74’.

El heredero de una vieja enemistad entre familias se enamora de una chica de la otra familia.

«Aún no posee plenamente las cualidades surrealistas y oníricas que marcaron los mejores largometrajes posteriores de Keaton: como cineasta, aún estaba buscando el equilibrio entre la energía de sus cortos de humor y las exigencias argumentales de una narración de siete u ocho rollos. Sin embargo, es la primera gran obra de su época de esplendor, cuando un joven recién salido del vodevil, de rostro pétreo, se convirtió en el primer héroe de acción de la comedia cinematográfica estadounidense, con una poesía física singular y finamente perfeccionada, perfecta para el cine». (Bill Weber).

19:30 · Sala 2 · Jerzy Skolimowski. Identidades múltiples

Hands Up! (Rece do góry, Jerzy Skolimowski, 1967-1981). Int.: Jerzy Skolimowski, Joanna Szczerbic, Tadeusz Lomnicki, Adam Hanuszkiewicz. Polonia. DCP REST. VOSE. Color y B/N. 76’. Copia restaurada por Di-factory.

Un hombre va con sus compañeros de estudios a bordo de un tren. Para matar el rato, charlan y toman drogas. La película, rodada originalmente en los años 60, fue prohibida por el régimen soviético hasta que en 1980 se levantó el veto y Skolimowski la estrenó añadiendo nuevo metraje.

«Hands Up! no puede compararse con ninguna otra película jamás hecha. Con perdón. Es mi niño y es mi niño favorito y no se parece a ningún otro niño del mundo». (Jerzy Skolimowski).

21:30 · Sala 1 · Douglas Sirk. La emoción inmediata

Siempre hay un mañana (There’s Always Tomorrow, Douglas Sirk, 1956). Int.: Barbara Stanwyck, Fred MacMurray, Joan Bennet, Pat Crowley, William Reynolds. EEUU. 35 mm. VOSE. B/N. 84’.

El propietario de una fábrica de juguetes está deprimido y se siente despreciado por su mujer e hijos. Casualmente, un día se encuentra a un antiguo amor y empieza a replantearse su vida.

«Douglas Sirk aporta una ibseniana agudeza psicológica a este melodrama matrimonial de 1956. Con la aguzada mirada de un extranjero, Sirk, que comenzó su carrera en la Alemania de preguerra, invoca artefactos como An American Tragedy, un cursi espectáculo teatral, y la patética nueva creación de Cliff, “Rex, el hombre robot walkie-talkie”, para exponer los gritos apagados de dolor que se esconden bajo las cómodas formalidades; describe los suburbios como un páramo encantador, alegre, próspero y frívolo. En contraste con la típica masculinidad estoica del Hollywood de los cincuenta, esta es como una "casa de muñecas" para el hombre casado, sensible y apasionado». (Richard Brody)

Antes de la proyección de Siempre hay un mañana se podrá ver el capítulo correspondiente a dicha película de la entrevista que el cineasta Antonio Drove realizó a Douglas Sirk en 1982, emitida en Televisión Española, entre 1982 y 1983, con motivo de un ciclo televisado de su cine. Duración total de la sesión: 115’.

- Domingo 30 de abril

17:30 · Sala 1 · Jacques Rivette. En el laberinto de espejos

La bella mentirosa (La Belle Noiseuse, Jacques Rivette, 1991). Int.: Michel Piccoli; Jane Birkin, Emmanuelle Béart, Marianne Denicourt. Francia, Suiza. DCP. VOSE. Color. 238’.

Un pintor que atraviesa una crisis creativa conoce a una joven que le motiva a seguir pintando un cuadro que dejó abandonado años atrás. Adaptación del relato La obra maestra desconocida, de Honoré de Balzac.

«Hay dos tipos de cineastas, aquellos para los que la pintura es un punto de partida y los que llegan a ella al final de su viaje». (Jacques Rivette).

Segunda proyección en mayo.

19:30 · Sala 2 · Jerzy Skolimowski. Identidades múltiples

Four Nights with Anna (Cztery noce z Anna, Jerzy Skolimowski, 2008). Int.: Artur Steranko, Kinga Preis, Urszula Bartos-Gesikowska, Malgorzata Buczkowska. Polonia. DCP. VOSE. Color. 87’.

Un hombre que trabaja en el crematorio de un hospital fue testigo de una violación. Un día descubre que en ese mismo hospital trabaja la mujer que fue víctima de la agresión y comienza a obsesionarse con ella.

«Estas cuatro noches con Anna han sido descritas como “una historia de amor nada convencional”, “un cuento profundamente gótico”, “algo que está muy lejos de lo que aparenta ser” y “el retorno a la grandeza” de Skolimowski. Conviene no revelar mucho más para que el espectador de esta extraña historia de obsesión en un pueblo sin nombre de la Europa del Este no sepa a dónde conduce. Las preocupaciones de Skolimowski con el voyeurismo y la transferencia de culpabilidad, que le conectan con Hitchcock, se desarrollan en una narrativa austeramente ambigua, de afinidades surrealistas, en la que las personas están conectadas por el dolor y el deseo y sus vidas están puntuadas por un humor negro que incluso llega al slapstick». (Bruce Hodson).

LOCALIDADES

Pueden comprarse en Internet (entradasfilmoteca.gob.es/) con 72 horas de antelación; también en la taquilla del Cine Doré hasta el comienzo de la última sesión, pero solo para las proyecciones del día en curso; es decir, la venta anticipada solo se efectúa por Internet.

Precio:

- Normal: 3 € cada sesión; 20 € el abono para 10 sesiones; y 40 € el abono anual.

- Estudiantes, miembros de familias numerosas, grupos culturales y educativos vinculados a instituciones, mayores de 65 años y personas en situación legal de desempleo: 2 € cada sesión; 15 € el abono para 10 sesiones; y 30 € el abono anual.

Todas las sesiones son gratuitas para los menores de 18 años.

MÁS INFORMACIÓN: www.culturaydeporte.gob.es/cultura/areas/cine/mc/fe/portada.html