Agenda cultural

Los lunes no hay proyecciones en el cine Doré.

PROGRAMA

JUNIO DE 2023

En junio Filmoteca Española inicia una retrospectiva completa de la obra cinematográfica de José Luis Garci, que viene acompañada por una carta blanca al director de 'El abuelo' donde presenta algunas de sus películas favoritas. Además, continúan los ciclos sobre el cómico español José Luis Ozores y el director francés Jacques Rivette, el cine Doré acoge parte de la programación de Filmadrid 2023 y se proyectan dos clásicos del cine peruano recientemente restaurados.

- Jueves 1 de junio

17:30 · Sala 1 · Carta blanca de José Luis Garci

Las campanas de Santa María (The Bells of Saint Mary’s, Leo McCarey, 1945). Int.: Bing Crosby, Ingrid Bergman, Henry Travers, William Gargan, Rhys Williams, Una O'Connor. EEUU. DCP. VOSE. B/N. 126’.

Un sacerdote y una monja con métodos muy diferentes, a veces antagónicos, luchan por salvar una escuela parroquial al borde de la desaparición.

«La película tienes varias lecturas, puede ser una película de propaganda católica, no hay que olvidar que en aquellos años tanto Leo McCarey como Crosby eran activistas de alguna forma católicos. También se puede considerar la historia de una milagro, pero a mí lo que más me interesa de esta película es que en el fondo es una historia de amor. Es una historia de amor imposible, es una historia de un amor imposiblemente asumida por los personajes, pero es una historia de un amor hondo, profundo y sincero. Construida con una puesta en escena sencilla e invisible, pero con algo de las cosas que hace que el cine de McCarey me impresione, no a base de escenas, ni de planos, ni de artificios, sino de instantes, de momentos de una intensa emoción que McCarey consigue transmitir a los espectadores en estado puro». (Antonio Giménez-Rico).

Segunda proyección el X21 a las 18.30 h.

18:00 · Sala 2 · Jacques Rivette. En el laberinto de espejos

La bella mentirosa (La Belle noiseuse, Jacques Rivette, 1991). Int.: Michel Piccoli, Jane Birkin, Emmanuelle Béart, Marianne Denicourt. Francia, Suiza. DCP. VOSE. Color. 238’.

Un pintor que atraviesa una crisis creativa conoce a una joven que le motiva a seguir pintando un cuadro que dejó abandonado años atrás. Adaptación del relato La obra maestra desconocida, de Honoré de Balzac.

«Hay dos tipos de cineastas, aquellos para los que la pintura es un punto de partida y los que llegan a ella al final de su viaje». (Jacques Rivette).

Sesión gratuita hasta completar el aforo. Tercera proyección el M13 a las 18.00 h.

20:30 · Sala 1 · José Luis Garci. Vidas de repuesto

Volver a empezar (José Luis Garci, 1982). Int.: Antonio Ferrandis, Encarna Paso, José Bódalo, Agustín González, Marta Fernández-Muro. España. 35 mm. Color. 93’.

Un famoso escritor y profesor de literatura regresa por motivos desconocidos a Gijón tras haber conseguido el Premio Nobel.

«El proyecto de Volver a empezar nació de una propuesta del gran crítico de cine Alfonso Sánchez Martínez a su amigo José Luis Garci sobre la creación de una película que tratara el tema de los jóvenes eternos. Garci tenía un relato, una historia titulada El regreso de El Rosi. Trataba de un hombre que volvía a Gijón después de muchos años y estaba basado en un personaje real que existió en Gijón, un amigo poeta de su padre que falleció en un campo de concentración en Francia a finales de los años cuarenta […] La película fue un fracaso en taquilla. Faltaban pocos meses para el Mundial de Fútbol en España y la gente abandonó la costumbre de ir al cine. Además, se estrenó En el estanque dorado, una historia de amor de una pareja de ancianos en el ocaso de sus vidas. Sin embargo, su elección como representante española en los Oscar y la posterior consecución del premio hicieron que la película se volviera a estrenar con mucha más fortuna». (Moisés Rodríguez)

Presentación a cargo del director, José Luis Garci, y Carlos Reviriego, director de Programación de Filmoteca Española. Tras la proyección tendrá lugar un coloquio con el público. Duración aproximada de la presentación y el coloquio: 60’ (Total sesión: 150’). 

- Viernes 2 de junio

17:30 · Sala 1 · José Luis Garci. Vidas de repuesto

Solos en la madrugada (José Luis Garci, 1978). Int.: José Sacristán, Fiorella Faltoyano, Emma Cohen, Germán Cobos, María Casanova. España. DCP. Color. 102’

Un periodista y locutor de radio de éxito nacional sufre una crisis personal, casi no tiene relación con sus hijos y está separado de su mujer. La aparición de una joven liberal hará que cambie su visión pesimista de la vida.

«Desde el título hasta el fundido a negro, Garci utiliza la radio como metáfora de la España a la que aspiraba él y toda una generación en 1977. El protagonista de Solos en la madrugada lucha porque se haga una radio nueva en la que se hablen de cosas del momento, pero recuperando nada menos que lo mejor de la radio de la posguerra. La radio que se escuchaba en la dictadura. […] Volvemos a aquello de innovar, pero sin olvidar lo bueno que ya existe. Garci, en eso, es el primero que se aplica el cuento en sus películas. Recupera lo bueno que vio hacer a otros clásicos a los que admira, pero a la vez innova y sirve de inspiración para obras futuras». (Dieter Brandau).

Presentación a cargo del actor José Sacristán y Natalia Marín, programadora de Filmoteca Española. Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 120’).

20:00 · Sala 2 · Carta blanca de José Luis Garci

Río Bravo (Howard Hawks, 1959). Int.: John Wayne, Dean Martin, Ricky Nelson, Angie Dickinson, Walter Brennan, Ward Bond. EEUU. 35 mm. VOSE. Color. 141’.

El sheriff de una pequeña localidad se ve obligado a buscar toda clase de inesperadas alianzas para protegerse de un poderoso ranchero que quiere sacar de la cárcel a su hermano.

«Creo que Howard Hawks tiene una obra maestra en cada género que ha tocado y especialmente en el wéstern, donde es un maestro incontestable, con Río Rojo y Río Bravo. Río Bravo tiene tantas cosas, como una secuencia muda de cuatro minutos en donde Hawks trata de demostrar que los directores que han trabajado en el mudo tienen una manera de expresarse, con una claridad que ahora es infrecuente y que ya lo era en el año 59, cuando se estrena esta película. Es una escena verdaderamente increíble, que tiene de todo. Une la energía, la violencia y la potencia visual». (José Luis Garci).

Segunda proyección el J22 a las 17.30 h.

21:30 · Sala 1 · Sesión especial

La mujer casada (Une femme mariée, Jean-Luc Godard, 1964). Int.: Macha Méril, Bernard Nöel, Philippe Leroy, Christophe Boursellier. Francia. DCP. VOSE. B/N. 95’.

A lo largo de todo un día, una mujer se debate entre su marido y su amante y la duda de quién será el padre del hijo que espera.

«El tema de la película era percibido como lascivo, su actitud con respecto las relaciones sexuales extramatrimoniales resultaba vaga y sus referencias al Holocausto, especialmente sobre la culpabilidad francesa, demasiado controvertidas. Era 1964, Godard tenía 33 años, y su acercamiento al cine estaba cambiando, visual y filosóficamente estaba entrando en un nuevo terreno con La mujer casada, y ese cambio se estaba produciendo muy deprisa. Era el comienzo de un nuevo cine, no solo políticamente comprometido, también estructuralista. Las formas de la antigua Nouvelle Vague ya no servían. En La mujer casada se puede ver el giro en la edición y la fotografía que emplearía para el resto de su cine en la década de los 60: los sujetos abstractos, el diálogo como interrogación, la apelación directa o el uso la publicidad y los carteles para profundizar en su comentario». (Jeff Reichert, Michael Koresky y Eric Hynes).

- Sábado 3 de junio

17:30 · Sala 1 · Filmoteca Junior

El príncipe de Egipto (The Prince of Egypt, Brenda Chapman, Steve Hickner y Simon Wells, 1998). EEUU. DCP. VOSE. Color. 99’.

Adaptación animada del relato bíblico que narra el enfrentamiento entre Moisés y el faraón Ramsés II.

«En aquella época queríamos hacer películas de animación que no fueran solo para niños. Queríamos hacer películas que pudiera ver todo el mundo. Queríamos poder hacer un drama, en lugar de una película que hiciera de canguro, donde los padres dejasen a sus hijos un rato. Queríamos llegar a los adultos. Supongo que el modelo que estábamos siguiendo era el del cine de animación japonés: allí hay muchas formas de animación diferentes y se considera a la animación un arte cinematográfico, en lugar de mirarla con desdén por ser algo para niños. La animación en Estados Unidos siempre ha sido el hijo bastardo de la industria». (Brenda Chapman).

19:30 · Sala 2 · Jacques Rivette. En el laberinto de espejos

L'Amour par terre (Jacques Rivette, 1984). Int.: Jane Birkin, Geraldine Chaplin, André Dussollier, Jean-Pierre Kalfon, Laszlo Szabo. Francia. DCP REST. VOSE. Color. 175’. Copia restaurada por Media Cohen Group.

Un grupo de actores se traslada al piso del director para ensayar su nueva obra, de la que solo conocerán el final cuando la representen. En la casa, una habitación prohibida y extraños ruidos les alertaran de una presencia que atraviesa la propia obra teatral.

«El equipo formado por Geraldine Chaplin y Jane Birkin, sorprendente pero inspirado, es sofisticado, divertido e invita a la reflexión. La puesta en escena, con una cámara que se desliza, apuñala y observa, sin desperdiciar un solo movimiento, cuando Rivette representa sus pases teatrales privados». (Penelope Houston).

Segunda proyección el X28 a las 20.00 h.

21:30 · Sala 1 · José Luis Garci. Vidas de repuesto

Asignatura pendiente (José Luis Garci, 1977). Int.: José Sacristán, Fiorella Faltoyano, Antonio Gamero, Silvia Tortosa, Héctor Alterio, Simón Andreu. España. 35 mm. Color. 109’.

Un hombre y una mujer que fueron novios durante su adolescencia se vuelven a encontrar, años después y ya casados.

«La filiación de la película a la raíz castiza de la comedia costumbrista y su formalización representativa heredera directa de la comedia norteamericana y, por lo tanto, del clasicismo más ortodoxo, así como su inscripción temporal en el espacio de la transición democrática y el deseo de ofrecer una cierta mirada inquieta sobre la disyuntiva presente/pasado desde el punto de vista de la cultura popular como definidora de un cierto aire generacional, confieren a la película de José Luis Garci un valor y una personalidad inigualables». (Andrés Peláez Paz).

- Domingo 4 de junio

17:00 · Sala 1 · José Luis Garci. Vidas de repuesto

Viva la clase media (José María González Sinde, 1980). Int.: Emilio Gutiérrez Caba, María Casanova, Irene Gutiérrez Caba, Enriqueta Carballeira, José Luis Garci. España. DCP. Color. 96’.

Un grupo de universitarios decide afiliarse al Partido Comunista, cuya lucha clandestina contra la dictadura les hará sufrir las consecuencias en sus aparentes apacibles vidas y enfrentarse a la clase social a la que pertenecen. Guion de José Luis Garci.

«Yo creo haber puesto un pie en la comedia italiana, en el costumbrismo admirable de Monicelli, Scola, y otro en el cine popular norteamericano que nos han suministrado tanto programa doble de chocolate y pan de bola. Todo ello, pasado por esa izquierda sentimental que, como dice un personaje de Viva la clase media, se aburre leyendo a Lenin y a Marx. Gramsci enraizaba su Italia con la ópera, el melodrama; hoy lo haría con las comedias costumbristas del cine italiano; bueno, pues nosotros hemos ido a las fuentes del sainete, de don Ramón de la Cruz, de Arniches. Asignatura pendiente y Las verdes praderas eran sainetes. Viva la clase media lo es en un sentido más puro aún». (José María González Sinde).

19:30 · Sala 1 · Jacques Rivette. En el laberinto de espejos

La Bande des quatre (Jaques Rivette, 1988) Int.: Bulle Ogier, Benoît Régent, Laurence Côte, Fejria Deliba. Francia. DCP REST. VOSE. Color. 160’. Copia restaurada por Media Cohen Group.

Cuatro amigas atienden a una clase de teatro. Una tras otra se van encontrando con un extraño hombre que les dice que otra de sus compañeras está en peligro.

«La retórica visual y verbal de la película consigue una incesante lucha entre el cambio de medios arcaicos y un presente saturado, los registros cómicos y trágicos, y el juego entre representación y actuación cinematográfica y teatral, invitan al espectador a contemplar la vacilación moral entre verdad y mentira en el corazón del estado francés». (Mary M. Wiles).

Presentación a cargo del cineasta Matías Piñeiro y Natalia Marín, programadora de Filmoteca Española. Duración aproximada de la presentación: 15’ (Total sesión: 175’).

Segunda proyección del V23 a las 19.00 h.

20:30 · Sala 2 · Carta blanca de José Luis Garci / Clásicos como nuevos

A vida o muerte (A Matter of Life and Death, Michael Powell y Emeric Pressburger, 1946). Int.: David Niven, Kim Hunter, Roger Livesey, Raymond Massey, Richard Attenborough, Marius Goring. Reino Unido. DCP REST. VOSE. Color y B/N. 104’. Copia restaurada por Sony Pictures.

Durante la Segunda Guerra Mundial, un aviador muere en plena contienda. Sin embargo, un error en el Cielo hace que se le ofrezca la posibilidad de defender en un juicio su derecho a volver a la Tierra junto a la mujer que ama.

«A vida o muerte ha sido durante demasiado tiempo prisionera de la premisa que le dio origen. En un principio concebida como propaganda de guerra, no se pudo hacer hasta una vez terminada la guerra, cuando su mensaje se arriesgaba a estar demasiado anclado al pasado. Pero incluso si comenzó como una contribución a mejorar las relaciones entre Inglaterra y Estados Unidos, hay amplia evidencia de que los creadores tenían unas ambiciones superiores. A lo largo de los años, pese a un cierto desdén de la crítica y rechazo a su propaganda, la audiencia la ha descubierto como una poética y provocativa fantasía». (Ian Christie).

Segunda proyección el J15 a las 17.30 h.

- Martes 6 de junio

18:00 · Sala 1 · José Luis Ozores. La comedia en la sangre

Hoy como ayer (Mariano Ozores, 1966). Int.: José Luis Ozores, Antonio Ozores, Tony Leblanc, Concha Velasco. España. DCP. B/N. 91’.

Mientras revisa una fotografía antigua, un investigador se encuentra con que uno de los personajes de la imagen sale de ella y comienza a hablarle de las costumbres de la época.

«En 1966 [cuando José Luis Ozores ya estaba muy afectado por la enfermedad que provocaría su muerte en 1968], José María Ramos, anterior jefe de producción de Mariano Ozores, le propuso rodar una película en homenaje a José Luis, en la que colaborarían desinteresadamente varios compañeros de profesión. […] A pesar de sus carencias, en su momento fue vista por cerca de un millón de espectadores, que acudieron a las salas atraídos por el extraordinario plantel de artistas reunido para el homenaje: Alfredo Landa, Francisco Rabal, Gracita Morales, Manuel Alexandre, José Luis López Vázquez, (sobraba un espacio) Manolo Gómez Bur, Concha Velasco… […] Además, diversos dibujos de Antonio Mingote engarzaban las diferentes secuencias que componían el film». (César Combarros).

20:30 · Sala 1 · Filmadrid 2023

El rostro de la medusa (Melisa Liebenthal, 2022). Int.: Rocio Stellato, Vladimir Durán, Federico Sack, Irene Bosch. Argentina. DCP. VOSI/E. Color. 75’.

Un día, una joven despierta y, al mirarse en el espejo, descubre que su rostro ha cambiado por completo.

«Parte de la relación de observación entre humanos y animales para proponer una reflexión sobre la identidad que desafía el antropocentrismo. [...] El rostro de la medusa toma forma en una especie de cadáver exquisito cinematográfico en el que confluyen distintos lenguajes: desde el dibujo y las intervenciones digitales hasta las secuencias de montaje que la directora construye con fotografías (de su pasado o tomadas por ella misma) y en las que plantea un juego con las posibles combinaciones de rostro para cuestionarse sobre el lugar de dónde venimos y el porqué de cómo somos». (Daniel Urzola).

Inauguración de Filmadrid 2023. Presentación a cargo de la directora, Melisa Liebenthal. Tras la proyección tendrá lugar un coloquio con el público.

Duración aproximada de la presentación y el coloquio: 60’ (Total sesión: 135’). 

- Miércoles 7 de junio

17:30 · Sala 1 · José Luis Garci. Vidas de repuesto

Cortometrajes de José Luis Garci:

• La cabina (Antonio Mercero, 1972). Int.: José Luis López Vázquez, Agustín González, Goyo Lebrero. España. DCP. Color. 37’.

• ¡Al fútbol! (José Luis Garci, 1975). España. 35 mm. Color. 11’.

• Mi Marilyn (José Luis Garci, 1975). España. 35 mm. Color y B/N. 15’.

• Tiempo de gente acobardada (José Luis Garci, 1976). Int.: José María Resel, María Casanova. España. 35 mm. Color. 19’.

• Alfonso Sánchez (José Luis Garci, 1980). España. 35 mm. Color. 18’.

• Casablanca revisitada (José Luis Garci, 1992). España. BDG. Color. 18’.

Esta sesión recupera seis cortometrajes en los que José Luis Garci estuvo involucrado, empezando por la mítica cabina de Mercero (cuyo guion coescribió Garci) y siguiendo con una pieza de ficción (protagonizada por María Casanova, con la que trabajaría en varios largometrajes más tarde) y cuatro documentales y ejercicios de montaje que se acercan al fútbol, a la fascinación por Marilyn Monroe, al trabajo del crítico Alfonso Sánchez y a uno de los títulos emblemáticos de la cinefilia clásica.

Duración total de la sesión: 118’

20:00 · Sala 2 · José Luis Ozores. La comedia en la sangre

El último caballo (Edgar Neville, 1950). Int.: Fernando Fernán Gómez, Conchita Montes, José Luis Ozores, Mary Lamar, Julia Lajos, Julia Caba Alba, Rafael Bardem, Antonio Ozores. España. 35 mm. VOSI. B/N. 85’.

Al graduarse del servicio militar, un joven decide comprar el caballo que le ha acompañado durante esos años. Sin embargo, al volver a la ciudad se dará cuenta de las dificultades de convivir allí con su amigo.

«El carácter quijotesco del protagonista interpretado por Fernán Gómez va acentuándose a lo largo del metraje. Si en un principio la conexión entre el personaje nevilliano y el cervantino se revela en su estilizada figura y en la presencia constante del caballo, su reencuentro con el personaje de José Luis Ozores, remedo de Sancho Panza, y su relación con el interpretado por Conchita Montes, su Dulcinea particular, aproximan al protagonista del film al universo propio de Alonso Quijano. Pero será la evolución propia del protagonista, cada vez más comprometido con ese mismo retorno a los valores de antaño que defendía Don Quijote, la que terminará por asimilar a ambos». (Christian Franco Torre).

Segunda proyección el D18 a las 17.00 h.

20:30 · Sala 1 · Filmadrid 2023

• Todos los sonidos entran adentro (Salka Tiziana, 2022). España, Alemania. DCP. VOSI. Color. 26’.

• Taxibol (Tommaso Santambrogio, 2023). Int.: Lav Diaz, Gustavo Fleita, Mario Limonta, Mayra Isabel Mazorra Pérez. Italia, Cuba. DCP. VOSI/E. B/N. 50’.

Esta sesión recoge dos piezas de formato breve de la Sección Oficial de Filmadrid 2023. Por un lado, la película de Salka Tiziana es una pieza documental que recorre la Casa de Campo de Madrid para construir un espacio de contraste entre el paisaje natural y el urbano. Por otro, el mediometraje de Tommaso Santambrogio sigue al cineasta Lav Diaz mientras recorre Cuba en taxi, compartiendo con el taxista historias personales que ponen sobre la mesa las realidades compartidas de Filipinas y Cuba.

Presentación a cargo de los directores, Salka Tiziana y Tommaso Santambrogio. Tras la proyección tendrá lugar un coloquio con el público. Duración aproximada de la presentación y el coloquio: 60’ (Total sesión: 135’).

- Jueves 8 de junio

17:30 · Sala 2 · Jacques Rivette. En el laberinto de espejos

Out 1: Spectre (Jacques Rivette, 1974). Int.: Françoise Fabian, Bernadette Lafont, Michael Lonsdale, Jean-Pierre Léaud, Bulle Ogier, Juliet Berto, Éric Rohmer. Francia. DCP. VOSE. Color. 253’.

Spectre es tanto un montaje más breve de Out 1 como una reinterpretación de aquella, con escenas totalmente diferentes y planos alternativos. Al igual que la versión de 13 horas, sigue a un grupo de jóvenes parisinos que preparan un montaje teatral de Esquilo.

«La importancia de Out 1 como trabajo cinematográfico reside en el mero hecho de su propia existencia y el juego de su naturaleza. Es al mismo tiempo fantasía pura y un documental sobre la vanguardia teatral y el cine de los 70; es tanto una película que existe por la propia visión del director y sus pasiones y obsesiones personales como por haber encontrado su particular forma y contenido en el propio rodaje, gracias a la improvisación de los actores y el equipo. Esto es cine en su estado más puro, más libre». (Robert Fischer)

Segunda proyección el S24 a las 18.30 h.

18:00 · Sala 1 · José Luis Ozores. La comedia en la sangre

Recluta con niño (Pedro L. Ramírez, 1956). Int.: José Luis Ozores, Manolo Morán, Encarnita Fuentes, Julia Caba Alba. España. DCP. B/N. 80’.

Un joven abandona su pueblo para realizar el servicio militar en Madrid, dejando a su hermano pequeño a cargo de su novia. Sin embargo, el niño escapa y se presenta en la ciudad.

«Humor y militarismo para esta comedia tan popular en la España de entonces, que conoció una especie de remake en Cateto a babor. Fue una película importante para la historia de nuestro cine, además de por ser un éxito siendo la ópera prima de su director, también porque consagró como actor a José Luis Ozores. Se especializó en un estilo de personajes bonachones, un poco pánfilos, tremendamente ingenuos, de buen corazón. Tenía una manera muy particular de meterse al público en el bolsillo, era de una gracia de actores que conectaban perfectamente con la audiencia». (Carlos Aguilar).

Segunda proyección el D25 a las 18.00 h.

20:30 · Sala 1 · Filmadrid 2023

The Wild Duck (Vildanden, Nadja Ericsson, 2023). Int.: Hedda Hultman, Julia Sjölin, Eugene Sundelius von Rosen, Karin Lindstén. Suecia. DCP. VOSI/E. Color. 80’.

Tres hermanos viven en la mansión que sus padres les dejaron al morir. El regreso de su hermana, decidida a vender la finca, desvelará los secretos y miserias de la familia.

«La cineasta consigue narrar el desmoronamiento de un núcleo familiar y reflexionar sobre las ilusiones perdidas ayudándose de mínimos elementos, a través de una poética de la fragilidad y lo desvencijado, poblada de imágenes nerviosas, diálogos entrecortados y sonidos quebradizos». (Gabriel Doménech)

Presentación a cargo de la directora, Nadja Ericsson. Tras la proyección tendrá lugar un coloquio con el público. Duración aproximada de la presentación y el coloquio: 60’ (Total sesión: 140’).

- Viernes 9 de junio

17:30 · Sala 1 · José Luis Ozores. La comedia en la sangre

Margarita se llama mi amor (Ramón Fernández, 1961). Int.: Mercedes Alonso, Antonio Cifariello, José Luis Ozores, Manolo Zarzo, Ángel del Pozo. España. DCP. B/N. 94’.

Margarita, una estudiante universitaria de familia pudiente, embelesa a todos sus compañeros de la facultad, pero ella solo tiene ojos para su profesor de literatura. Esta comedia, basada libremente en la famosa canción popular del mismo nombre, contó con un guion de Vicente Escrivá en uno de sus primeros trabajos lejos del cine religioso.

Segunda proyección el J29 a las 19.30 h.

18:00 · Sala 2 · Sesión especial

Día Internacional del Archivo:

• Primera comunión de Mercedes Curá Roxlo (Circa 1914). España. DCP. B/N. 16’.

• Fábrica de chocolates Agustina (1925). España. DCP. B/N. 8’.

Con motivo del Día Internacional del Archivo, recuperamos dos materiales de los inicios del cine conservados en los archivos del Centro de Conservación y Restauración Carlos Saura de Filmoteca Española.

Presentación a cargo del Centro de Conservación y Restauración Carlos Saura de Filmoteca Española. Sesión gratuita hasta completar aforo. Duración total aproximada de la sesión: 60’

19:30 · Sala 2 · Jacques Rivette. En el laberinto de espejos

Cortometrajes de Jacques Rivette: 

• Aux quatre coins (Jacques Rivette, 1949). Francia. DCP REST. B/N. 20’.

• Le quadrille (Jacques Rivette, 1950). Int.: Jean-Luc Godard, Anna-Marie Cazalis, Liliane Litvin, François Nithart. Francia. DCP REST. B/N. 50’.

• Le divertissement (Jacques Rivette, 1952). Int.: Sacha Briquet, Alain MacMoy, Olga Waren. Francia. DCP REST. B/N. 40’.

Copias restauradas por Cinémathèque française y Cinémathèque de Toulouse.

Esta sesión recoge los conocidos como “cortometrajes de aprendizaje” de Jacques Rivette, que no son otra cosa que los tres primeros trabajos que hizo, rodando muy libremente en 16 mm y sin sonido, trabajando con amigos y conocidos mientras experimentaba en busca de su identidad artística.

Duración total de la sesión: 110’.

Segunda proyección el M20 a las 18.00 h.

20:30 · Sala 1 · Filmadrid 2023

• Psychology Counselor (Zenzo Sakai, 2021). Int.: Mutsumi Suzuki, Maki Nishiyama, Riku Tanaka, Risa Kameda. Japón. DCP. VOSI/E. Color. 42’.

• Pátio do Carrasco (André Gil Mata, 2023). Int.: André Gil Mata, António Júlio, Catarina Lacerda, David Almeida. Portugal. DCP. VOSI/E. B/N. 46’.

Dos mediometrajes de la Sección Oficial de Filmadrid 2023 que juegan con los códigos del terror. Psychology Counselor sigue a una psicoterapeuta en su último día de trabajo antes de que comience su baja por maternidad que recibe a una paciente que asegura estar viendo fantasmas. Pátio do Carrasco, adaptando un relato de Franz Kafka, nos sumerge en la atmósfera enrarecida de una plaza portuguesa.

Presentación a cargo de los directores, Zenzo Sakai y André Gil Mata. Tras la proyección tendrá lugar un coloquio con el público. Duración aproximada de la presentación y el coloquio: 60’ (Total sesión: 150’).

- Sábado 10 de junio

17:00 · Sala 1 · Filmoteca Junior

Shrek (Andrew Adamson y Vicky Jenson, 2001). EEUU, Canadá, Suecia. DCP. VOSE. Color. 90’.

A pesar de tener personalidades opuestas, un ogro y un burro se alían para rescatar a una princesa que está cautiva en un castillo protegido por una dragona.

«Uno de los mayores éxitos de la animación contemporánea, una vuelta de tuerca hábil, lúcida y divertida que combina y corrompe, en el buen sentido, personajes y tramas de los relatos infantiles más célebres, invocando lo políticamente incorrecto, alterando los roles convencionales del héroe, el villano y la princesa y enarbolando con éxito la bandera de la ironía, el descaro y lo escatológico». (Pilar Cuesta).

18:00 · Sala 2 · Jacques Rivette. En el laberinto de espejos

La bella mentirosa: Divertimento (La Belle Noiseuse: Divertimento, Jacques Rivette, 1992) Int.: Emanuelle Béart, Michel Piccoli, Jane Birkin, Marianne Denicourt. Francia. 35 mm. VOSE. Color. 130’.

Un montaje alternativo de La bella mentirosa, estrenado al año siguiente del éxito de aquella. Esta versión da mayor énfasis al punto de vista de la modelo que se convierte en acicate para que un pintor en decadencia recupere una obra inacabada.

«Montamos la película de la forma lo más diferente posible: mientras que la versión completa está muy fragmentada, aquí, por el contrario, se privilegia la continuidad. La película se permite estar más preocupada por el desgaste emocional propiciado por la inmersión del artista y las consecuencias sobre sí mismo, su mujer y su modelo». (Jacques Rivette).

Segunda proyección el J15 a las 20.00 h.

20:30 · Sala 1 · Filmadrid 2023

The Temple Woods Gang (Le Gang des bois du temple, Rabah Ameur-Zaïmeche, 2022). Int.: Régis Laroche, Marie Loustalot, Philippe Petit. Francia. DCP. VOSI/E. Color. 113’.

Un militar retirado vive en la urbanización Temple Woods, a las afueras de París, donde su joven vecino pertenece a una banda local que está a punto de robar el convoy de un príncipe árabe.

«Muestra de manera descarnada cómo el sistema continúa replegándose, también fuera de la legalidad, cómo la hegemonía de los poderosos sigue inamovible, y cómo la vigencia de esas escalas de clase se ejecuta, como siempre, mediante el uso de la violencia. La película traza este sino inexorable, pero sobre todo compone un retrato único de la camaradería y la solidaridad. Para ello Rabah Ameur-Zaïmeche despliega una puesta en escena contundente, exenta de arabescos, en la que brilla un elenco extraordinario encabezado por Régis Laroche y Philippe Petit, con la aparición del genial músico argelino Sofiane Saidi. Un cine del colectivo que sostiene y refuerza la necesidad de las luchas eternas». (Javier H. Estrada)

Presentación a cargo del director, Rabah Ameur-Zaïmeche. Tras la proyección tendrá lugar un coloquio con el público. Duración aproximada de la presentación y el coloquio: 60’ (Total sesión: 175’).

 
- Domingo 11 de junio

17:00 · Sala 1 · José Luis Garci. Vidas de repuesto

Las verdes praderas (José Luis Garci, 1979). Int.: Alfredo Landa, María Casanova, Irene Gutiérrez Caba, Carlos Larrañaga, Ángel Picazo, Cecilia Roth. España. DCP. Color. 100’

Un ejecutivo que ha alcanzado el éxito en su empresa se dispone a disfrutar de su familia en un chalet en la sierra como siempre ha soñado. Una serie de problemas inesperados hacen que se replantee su vida.

«Ahondando en el problema que José Luis Garci nos plantea tan sutilmente, se diría que la cinta es como una crítica de la falta de poesía, hondura y horizonte de la sociedad de consumo, que solo produce una felicidad demasiado chata, que no justifica que se viva por ella y para ella. De ser así, esto justificaría la destrucción e incendio del chalet de los días de reposo, como la ruptura violenta con lo que representa y simboliza». (A. Martínez Tomás).

18:30 · Sala 2 · Carta blanca de José Luis Garci

La evasión (Le Trou, Jacques Becker, 1960). Int.: Philippe Leroy, Marc Michel, Michel Constantin, Jean Keraudy. Francia. DCP. VOSE. B/N. 131’.

Cuatro hombres que comparten celda en un penal francés se disponen a ejecutar su plan de huida cuando un quinto prisionero es transferido a esa misma celda.

«La austeridad que caracteriza al resto de películas de Becker es diferente en La evasión, y esto se debe principalmente al rol que juega el sonido en ella. En un primer nivel, puede parecer que la película se reduce a unos pocos sonidos. Pero más allá de centrarse en el juego de gestos y miradas, o un conjunto de sonidos, se reduce al pulso, su sonido y ritmo. Aunque La evasión es un cine para la escucha, su banda sonora no es necesariamente compleja. No contiene música y en general los sonidos son limitados. Primero, el sonido sobre la piedra y el cemento. Es tan importante su presencia como su ausencia. Lo acompaña el sonido intenso de coger y soltar el aire, la respiración exaltada de los cuerpos esforzándose. Un sonido que no se asigna a ninguno de los personajes en particular, sino que señala el cuerpo deseante como colectivo». (Jodi Brooks).

Segunda proyección el V23 a las 21.00 h.

20:30 · Sala 1 · Filmadrid 2023

Mutzenbacher (Ruth Beckermann, 2022). Austria. DCP. VOSI/E. Color. 100’.

Varios hombres de entre 16 y 99 años leen y comentan ante la cámara una novela de 1906, la polémica Josefine Mutzenbacher, o la historia de vida de una puta vienesa contada por ella misma.

«La lectura y la escucha colectiva permiten que todos estos hombres puedan explayarse opinando sobre el texto y reflexionando sobre sus propios posicionamientos en torno a la sexualidad. Beckermann, la única mujer a la que oímos en toda la película si exceptuamos a la ficticia Josephine, participa fuera de cuadro de esa escucha y no deja de plantear cuestiones que dejan contra las cuerdas a sus voluntarios. ¿Participa la novela de una ideología patriarcal? ¿Todo está permitido en el arte? ¿Hasta qué punto podemos juzgar con ojos del presente las obras del pasado? ¿Existen comportamientos sexuales inherentemente masculinos? ¿Albergan diferentes generaciones de hombres diferentes tipos de fantasías?». (Gabriel Doménech)

Ceremonia de clausura de Filmadrid 2023. Duración aproximada de la ceremonia: 30’ (Total sesión: 130’).

- Martes 13 de junio

18:00 · Sala 1 · Jacques Rivette. En el laberinto de espejos

La bella mentirosa (La Belle Noiseuse, Jacques Rivette, 1991). Int.: Michel Piccoli, Jane Birkin, Emmanuelle Béart, Marianne Denicourt. Francia, Suiza. DCP. VOSE. Color. 238’.

Un pintor que atraviesa una crisis creativa conoce a una joven que le motiva a seguir pintando un cuadro que dejó abandonado años atrás. Adaptación del relato La obra maestra desconocida, de Honoré de Balzac.

«Hay dos tipos de cineastas, aquellos para los que la pintura es un punto de partida y los que llegan a ella al final de su viaje». (Jacques Rivette).

Sesión gratuita hasta completar aforo.

- 19:00 · Sala 2 · Sesión especial

Dolor y gloria (Pedro Almodóvar, 2019). Int.: Antonio Banderas, Asier Etxeandia, Penélope Cruz, Leonardo Sbaraglia, Nora Navas, Julieta Serrano, Raúl Arévalo, Cecilia Roth. España, Francia. DCP. Color. 113’.

Aquejado de severos dolores, un director de cine que lleva años sin rodar una película rememora su pasado, desde la infancia hasta sus primeros amores.

«No toda la película es estrictamente autobiográfica, pero la interpretación de Antonio Banderas (que suele hacer un trabajo excelente, pero que aquí probablemente alcanza la cúspide de su talento) es tan detallista, está tan atenta a cada gesto de sufrimiento físico y mental que no puedes evitar sentir que Almodóvar está hablando a través de él». (Stephanie Zacharek).

Presentación del libro 'Marketing cinematográfico y de series' (José Vicente García Santamaría y Miriam Rodríguez Pallares, Editorial UOC, 2022) a cargo del coautor, José Vicente García Santamaría, y de Conchi Cascajosa, directora del Departamento de Comunicación de la Universidad Carlos III de Madrid.

Duración aproximada de la presentación: 30’ (Total sesión: 145’).

- Miércoles 14 de junio

17:30 · Sala 1 · José Luis Garci. Vidas de repuesto

La herida luminosa (José Luis Garci, 1997). Int.: Fernando Guillén, Mercedes Sampietro, Julia Gutiérrez Caba, María Massip, Beatriz Santana, Neus Asensi, Cayetana Guillén Cuervo. España. 35 mm. Color. 100’.

Un matrimonio provinciano de los años 50 lleva años inmerso en una gran crisis. Cuando el marido conoce a una joven, intenta hacer lo posible para que su mujer se separe de él.

«La herida luminosa, como Canción de cuna, significa para mí un punto de llegada a la esencia de ese género supremo llamado melodrama (todo un estado de excepción), un tipo de cine que los americanos han sabido tratar con más talento y elegancia que nadie, desde La usurpadora a Imitación a la vida, pasando por El séptimo cielo o Que el cielo la juzgue, películas todas ellas que seguía el público –y aún hoy lo hace tras su reciclaje en vídeo- con esa olvidada sensación de ligereza e intensidad a partes iguales. Daría cualquier cosa –¿y quién no?- porque La herida luminosa trasmitiera, conmoviera, emocionara el diez por ciento de esas obras maestras que tanto me gustan. Naturalmente, no estoy hablando de imitar a John M. Stahl, Borgaze, McCarey o Sirk (tarea imposible), sino de llevar dentro de ti a estos geniales creadores, asimilarlos al máximo, incorporarlos como punto de partida». (José Luis Garci).

19:30 · Sala 2 · José Luis Ozores. La comedia en la sangre

Las dos y media y… veneno (Mariano Ozores, 1959). Int.: José Luis Ozores, Antonio Ozores, Elisa Montés, Fernando Rey, Teresa del Río, Fernando Delgado, Félix Fernández. España. DCP. Color. 87’.

Un anciano planea fingir su muerte para que su sobrino cobre la parte de su herencia que le corresponde. Lo que no sabe es que otro familiar pretende asesinarle.

«La primera película de Mariano Ozores, como la mayoría de su obra, es un sainete, un enredo al estilo de las viejas obras de teatro de Paso, Mihura o Flórez. Curiosamente es en color y ya muestra algunas de las constantes que serán marca de la casa: atracción por el sexo contrario, personajes pícaros, nudo y desenlace prácticamente en el mismo espacio (herencia de sus primeros años en el teatro), si bien aun siendo una época de comedias enloquecidas todavía no muestra la mala uva que irá desarrollando en siguientes guiones y asistimos a un humor ligeramente negro y con final feliz». (Javier Ikaz).

Segunda proyección el J22 a las 19.30 h.

20:30 · Sala 1 · Clásicos restaurados del cine peruano

Metal y melancolía (Metall och Melankoli, Heddy Honingman, 1994). Países Bajos, Perú. DCP REST. Color. 80’. Copia restaurada por el Eye Filmmuseum.

La crisis económica de los 90 en Perú convirtió a muchos peruanos en taxistas improvisados. Los interiores de sus vehículos son el plató de este documental sobre sueños rotos, frustraciones y los mil y un trucos que se deben realizar a diario para sobrevivir.

«Vemos madres solteras o incluso actores de cine cuyas pasiones se han truncado debido al estado de la economía, mientras llevan a desconocidos en sus coches por toda la ciudad, los vemos llorar, reír, o rememorar los buenos tiempos. Más que una película es un documento, que se podría repetir por todo el mundo, de cómo los taxistas son a veces el reflejo de lo que pensamos y hacemos, para bien o para mal». (Jaime Grijalba).

Presentación a cargo del equipo del Festival de Cine Peruano de Madrid. Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 100’).

- Jueves 15 de junio

17:30 · Sala 1 · Carta blanca de José Luis Garci / Clásicos como nuevos

A vida o muerte (A Matter of Life and Death, Michael Powell y Emeric Pressburger, 1946). Int.: David Niven, Kim Hunter, Roger Livesey, Raymond Massey, Richard Attenborough, Marius Goring. Reino Unido. DCP REST. VOSE. Color y B/N. 104’. Copia restaurada por Sony Pictures.

Durante la Segunda Guerra Mundial, un aviador muere en plena contienda. Sin embargo, un error en el Cielo hace que se le ofrezca la posibilidad de defender en un juicio su derecho a volver a la Tierra junto a la mujer que ama.

«A vida o muerte ha sido durante demasiado tiempo prisionera de la premisa que le dio origen. En un principio concebida como propaganda de guerra, no se pudo hacer hasta una vez terminada la guerra, cuando su mensaje se arriesgaba a estar demasiado anclado al pasado. Pero incluso si comenzó como una contribución a mejorar las relaciones entre Inglaterra y Estados Unidos, hay amplia evidencia de que los creadores tenían unas ambiciones superiores. A lo largo de los años, pese a un cierto desdén de la crítica y rechazo a su propaganda, la audiencia la ha descubierto como una poética y provocativa fantasía». (Ian Christie).

18:30 · Sala 2 · José Luis Ozores. La comedia en la sangre

Sabían demasiado (Pedro Lazaga, 1962). Int.: Tony Leblanc, Concha Velasco, José Isbert, José Luis Ozores, José Luis López Vázquez, Ismael Merlo. España. DCP. B/N. 95’.

Una banda de carteristas decide mandar a uno de sus miembros a aprender el oficio de gánster.

«La ayuda del amigo americano ha favorecido el boom de la economía española, pero muchos sectores, como la iglesia católica, algunas facciones del franquismo o ciertas capas de las clases populares, ven con suspicacia cómo la idiosincrasia hispánica corre el peligro de disolverse en el torbellino de nuevos modos y nuevas modas que arrasa con todo. Las alusiones al taylorismo aplicado al crimen, al anticastrismo, a las academias de idiomas y al presidente Eisenhower, que ha recorrido Madrid con Franco en coche descubierto en las navidades de 1959, son elocuentes en cuanto a la fascinación que todo lo estadounidense sigue despertando en la población española». (Santiago Aguilar).

Segunda proyección el X28 a las 19.30 h.

20:00 · Sala 1 · Jacques Rivette. En el laberinto de espejos

La bella mentirosa: Divertimento (La Belle Noiseuse: Divertimento, Jacques Rivette, 1992). Int.: Emanuelle Béart, Michel Piccoli, Jane Birkin, Marianne Denicourt. Francia. 35 mm. VOSE. Color. 130’.

Un montaje alternativo de La bella mentirosa, estrenado al año siguiente del éxito de aquella. Esta versión da mayor énfasis al punto de vista de la modelo que se convierte en acicate para que un pintor en decadencia recupere una obra inacabada.

«Montamos la película de la forma lo más diferente posible: mientras que la versión completa está muy fragmentada, aquí, por el contrario, se privilegia la continuidad. La película se permite estar más preocupada por el desgaste emocional propiciado por la inmersión del artista y las consecuencias sobre sí mismo, su mujer y su modelo». (Jacques Rivette).

Presentación del libro 'Diarios 1957-1982', escrito por Jane Birkin (Monstruo Bicéfalo, 2023), a cargo del editor y traductor, Felipe Cabrerizo.

Duración aproximada de la presentación: 15’ (Total sesión: 145’).

- Viernes 16 de junio

17:30 · Sala 1 · Douglas Sirk. La emoción inmediata

No Room for the Groom (Douglas Sirk, 1952). Int.: Tony Curtis, Piper Laurie, Don DeFore, Spring Byington. EEUU. 35 mm. VOSE. B/N. 82’.

El propietario de un viñedo se fuga a Las Vegas con la hija de su ama de llaves. Una vez allí mil impedimentos van a retrasar su principal objetivo: la boda.

«Una crítica muy directa e incluso similar a la de Capra en cuanto a la invasión de los valores tradicionales por parte del capitalismo, No Room for the Groom es a la vez un relato sobre las dificultades a las que se enfrentan los militares que regresan a casa y una astuta variante de la comedia romántica de las segundas nupcias. Al igual que otras comedias de Sirk, No Room for the Groom es, a su manera, una deconstrucción del sueño americano de "felices para siempre" que hace que los personajes miren hacia dentro en lugar de dirigir su mirada a las reglas por las que se rige el mundo que les rodea». (Tom Ryan).

19:30 · Sala 2 · Jacques Rivette. En el laberinto de espejos

Cumbres borrascosas (Hurlevent, Jacques Rivette, 1985). Int.: Fabienne Babe, Lucas Belvaux, Sandra Montaigu, Olivier Torres, Alice de Poncheville, Olivier Cruveiller. Francia. 35 mm. VOSE. Color. 130’.

Adaptación de la novela homónima de Emily Brönte que narra una tormentosa historia de amor en los páramos ingleses del siglo XIX.

«No podría decir qué es real e imaginario en la película. La violencia perversa alineada con la sexualidad, que también está presente en todo el cine de Buñuel, atraviesa el trabajo de Balthus. Sus ilustraciones, en concreto, reflejan su preocupación por la sexualidad y la juventud, recluidos en espacios alejados del exterior. Fue el acercamiento de Balthus a la juventud lo que llevó a Rivette a realizar una adaptación en la que los personajes tuvieran la edad de la novela. Rivette diseña la puesta en escena de esta película a partir de las imágenes de Balthus, permitiéndole capturar la violencia y la intensidad juvenil que ya estaba presente en la atmósfera de Cumbres borrascosas». (Mary M. Wiles).

Segunda proyección el D25 a las 20.00 h.

21:30 · Sala 1 · José Luis Garci. Vidas de repuesto

Sesión continua (José Luis Garci, 1984). Int.: Adolfo Marsillach, Jesús Puente, María Casanova, José Bódalo, Encarna Paso, Emma Suárez, Víctor Valverde. España. DCP. Color. 115’.

Un director de cine, que no tiene relación con sus hijos y está separado de su mujer, prepara su nueva película colaborando con un amigo guionista al que su mujer tiene intención de abandonar.

«Sesión continua es la película de los cinéfilos. Es la película de, como diría Dreyer, los que se sienten y viven el cine como su “única gran pasión”, tanto que el resto de la vida se ve resentida, porque toda la energía se la lleva el séptimo arte. Muchas son las películas que son homenaje al cine: Cautivos del mal, Cinema Paradiso o La noche americana. Pero, sin ánimo de querer exagerar, Sesión continua es la mejor película que retrata a los que aman el cine y a su industria. Es un homenaje al cine con letras mayúsculas. Fue la película con la que Garci volvió a representar a España en los Oscar de 1984, y que gustó mucho a los académicos y a punto estuvo de ganarlo». (Óscar Méndez).

- Sábado 17 de junio

10:00 · Sala 1 · Jacques Rivette. En el laberinto de espejos

Out 1: Noli me tangere (Jacques Rivette, 1971). Int.: Jean-Pierre Léaud, Michael Lonsdale, Bernadette Lafont, Bulle Ogier, Françoise Fabian, Juliet Berto, Michèle Moretti, Éric Rohmer. Francia. DCP. VOSE. Color y B/N. 776’.

Poco después de los sucesos de mayo del 68, un grupo de jóvenes parisinos prepara dos obras de teatro. Mientras tanto, un par de marginados descubren una antigua sociedad secreta.

«Un extraordinario documento que sintetiza múltiples movimientos de experimentación teatral, desde el periodo de posguerra hasta el momento de su rodaje, todos ellos más que vivos hoy en día en teatros y salas de todo el mundo. Aunque algunos comentarios indican que Rivette se nutrió (a través de sus actores) del gurú teatral polaco Jerzy Grotowski y del Living Theatre estadounidense, resulta fascinante comprobar cuántas tradiciones y tendencias más encuentran su referencia en el trabajo físico de los actores, que Rivette rueda con tanto mimo y extensión (¿esta frase está como inacabada?). La película es un inmenso corredor por el que pasa toda la historia del teatro experimental contemporáneo». (Cristina Álvarez López y Adrian Martin).

Sesión gratuita hasta completar el aforo, se permitirá el acceso a la sala a lo largo de toda la proyección. Se harán dos pausas a lo largo de la proyección, la primera de 15:10 a 16:00 y la segunda de 19:15 a 20:00. Presentación a cargo de Natalia Marín y Pablo López, programadores de Filmoteca Española.

19:00 · Sala 2 · Carta blanca de José Luis Garci

Perdición (Double Indemnity, Billy Wilder, 1944). Int.: Fred MacMurray, Barbara Stanwyck; Edward G. Robinson, Tom Powers, Porter Hall, Byron Barr. EEUU. DCP. VOSE. B/N. 107’.

Un agente de seguros inicia una relación extramatrimonial con una de sus clientas. Juntos diseñan un plan para deshacerse del marido y cometer un provechoso fraude.

«Wilder elegía, más cuidadosamente aún que el reparto, los coches que tenían los protagonistas, las casas donde tenían que vivir, para hacer una prolongación continua del personaje. Los coches no son casuales, son los coches que tenía ese tipo de gente, como el que trabajaba en el campo petrolífero, el que lleva el personaje de Fred MacMurray, el apartamento donde vive. Está todo muy bien elegido». (José Luis Garci)

Segunda proyección el V30 a las 21.30 h.

- Domingo 18 de junio

11:00 · Sala 1 · Filmoteca en familia

La canción del mar (Song of the Sea, Tomm Moore, 2014). Irlanda, Dinamarca, Francia, Bélgica. DCP. VE. Color. 93’.

Una niña con el poder de transformarse en foca y su hermano se ven envueltos en una aventura fantástica que les llevará a descubrir los secretos de su familia.

Presentación a cargo de la Tortuga Lumière. Sesión gratuita hasta completar aforo. La adquisición de entradas para esta sesión solo se podrá llevar a cabo a través de la plataforma de venta online.

17:00 · Sala 1 · José Luis Ozores. La comedia en la sangre

El último caballo (Edgar Neville, 1950). Int.: Fernando Fernán Gómez, Conchita Montes, José Luis Ozores, Mary Lamar, Julia Caba Alba, Julia Lajos, Manuel Arbó, Rafael Bardem. España. 35 mm. VOSI. B/N. 85’.

Al graduarse del servicio militar, un joven decide comprar el caballo que le ha acompañado durante esos años. Sin embargo, al volver a la ciudad se dará cuenta de las dificultades de convivir allí con su amigo.

«El carácter quijotesco del protagonista interpretado por Fernán Gómez va acentuándose a lo largo del metraje. Si en un principio la conexión entre el personaje nevilliano y el cervantino se revela en su estilizada figura y en la presencia constante del caballo, su reencuentro con el personaje de José Luis Ozores, remedo de Sancho Panza, y su relación con el interpretado por Conchita Montes, su Dulcinea particular, aproximan al protagonista del film al universo propio de Alonso Quijano. Pero será la evolución propia del protagonista, cada vez más comprometido con ese mismo retorno a los valores de antaño que defendía Don Quijote, la que terminará por asimilar a ambos». (Christian Franco Torre)

Presentación a cargo de la actriz Adriana Ozores y Noelia Sastre, coordinadora de fondos cinematográficos de Filmoteca Española.

Duración aproximada de la presentación: 30’ (Total sesión: 115’).

18:00 · Sala 2 · Clásicos restaurados del cine peruano

Sepa: Nuestro Señor de los Milagros (Walter Saxer, 1986). Perú, RFA, Suiza. DCP REST. Color. 77’. Copia restaurada por la Cinémathèque suisse y la Cineteca di Bologna en colaboración con el Ministerio de Cultura de Perú.

En lo más profundo de la selva peruana se crea la primera colonia penal, una cárcel sin barrotes de donde es imposible escapar, un limbo donde los más peligrosos delincuentes son olvidados para siempre.

«Como productor de varios films de Herzog, Walter Saxer ya había establecido lazos con equipos de producción y técnicos locales en Perú, y en uno de estos viajes tuvo la oportunidad de realizar este documental, su único trabajo en solitario como director. El film tuvo apoyo del Ministerio del Interior, y si bien pudo tener un aval institucional que orientara algún tipo de discurso para enaltecer este centro penal experimental, lo que logra Saxer son preguntas, reflexiones y cuestionamientos sobre la idea de justicia, el abandono estatal y la burocracia carcelaria, desde algunas escenas del lugar y sus habitantes, donde las fronteras de estar preso o en libertad parecen ser territorialmente sutiles». (Mónica Delgado)

Presentación a cargo de Fernando Vílchez, cineasta y programador.

Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 100’).

20:30 · Sala 1 · Jacques Rivette. En el laberinto de espejos

La duquesa de Langeais (Ne touchez pas la hache, Jacques Rivette, 2007). Int.: Jeanne Balibar, Guillaume Depardieu, Bulle Ogier, Michel Piccoli. Francia, Italia. 35 mm. VOSE. Color. 137’.

En la Francia napoleónica, una aristócrata casada conoce en una fiesta a un militar y ambos congenian rápidamente. A partir de ahí se inicia un juego cruel de torturas y flirteos, hasta que la situación se vuelve insostenible.

«Cuanto más avanza la película, más intrincada y ornamental se vuelve – un patrón que se hace evidente incluso en las interacciones humanas. El movimiento característico del marqués es la embestida hacia delante, exasperado porque sus declaraciones de amor no surten efecto, mientras que la duquesa se aleja dando rodeos ante sus protestas, aparentemente más pendiente de las apariencias de la alta sociedad que de cualquier sentimiento por su visitante de baja cuna, que sólo recientemente ha crecido en estatus debido a sus logros en el campo de batalla». (Benjamin Mercer).

Segunda proyección el J29 a las 17.30 h.

- Martes 20 de junio

18:00 · Sala 1 · Jacques Rivette. En el laberinto de espejos

Cortometrajes de Jacques Rivette:

• Aux quatre coins (Jacques Rivette, 1949). Francia. DCP REST. B/N. 20’.

• Le quadrille (Jacques Rivette, 1950). Int.: Jean-Luc Godard, Anna-Marie Cazalis, Liliane Litvin, François Nithart. Francia. DCP REST. B/N. 50’.

• Le divertissement (Jacques Rivette, 1952). Int.: Sacha Briquet, Alain MacMoy, Olga Waren. Francia. DCP REST. B/N. 40’.

Copias restauradas por Cinémathèque française y Cinémathèque de Toulouse.

Esta sesión recoge los conocidos como “cortometrajes de aprendizaje” de Jacques Rivette, que no son otra cosa que los tres primeros trabajos que hizo, rodando muy libremente en 16 mm y sin sonido, trabajando con amigos y conocidos mientras experimentaba en busca de su identidad artística.

Duración total de la sesión: 110’.

20:30 · Sala 1 · José Luis Garci. Vidas de repuesto

El crack (José Luis Garci, 1981). Int.: Alfredo Landa, María Casanova, Manuel Tejada, José Bódalo, Miguel Rellán, Raúl Fraire. España. 35 mm. Color. 120’.

Un antiguo policía que se gana la vida como detective privado investiga la desaparición de una joven al tiempo que trata de profundizar en su relación con una mujer y su hija.

«Sostiene José Luis Garci que en el cine negro español de los cuarenta y cincuenta (Surcos, Brigada criminal, Distrito quinto), “convaleciente de una larga posguerra, desolador, tiene algo de quiebra, de derrumbe, de chasquido: crack”. […] Estamos en España, apenas seis años después de la muerte de Franco. El crack, a diferencia de las películas anteriores de Garci, ya no se detiene en las algaradas callejeras ni en el convulso ambiente político. Es una película más profunda, más sociológica. Está cargada de guiños (nostálgicos, pero también descriptivos) de la época. […] Garci escribiría tiempo después que con El crack había “visto cumplido ese sueño eterno de todo cinéfilo de alzada”». (Juan Carlos Laviana).

- Miércoles 21 de junio

17:30 · Sala 1 · Los mil y un embrujos de Lola Flores

La danza de los deseos (Florián Rey, 1954). Int.: Lola Flores, José Suárez, Nicolás D. Perchicot, Antonio Puga, José Prada, María Dolores Pradera. España. DCP. B/N. 83’.

Herido de muerte, un contrabandista logra dejar a su hija a cargo de los únicos habitantes de una minúscula isla antes de fallecer. Años después, la huérfana se enamora de un millonario que pasa junto a la isla con su yate.

«La danza de los deseos no es otra españolada más. Es un compendio, una antología, un símbolo, de todos los errores que nuestro cine lleva cometidos durante el medio siglo de su existencia». (José Luis Borau, en 1955)

18:30 · Sala 2 · Carta blanca de José Luis Garci

Las campanas de Santa María (The Bells of Saint Mary’s, Leo McCarey, 1945). Int.: Bing Crosby, Ingrid Bergman, Henry Travers, William Gargan. EEUU. DCP. VOSE. B/N. 126’.

Un sacerdote y una monja con métodos muy diferentes, a veces antagónicos, luchan por salvar una escuela parroquial al borde de la desaparición.

«La película tienes varias lecturas, puede ser una película de propaganda católica, no hay que olvidar que en aquellos años tanto Leo McCarey como Crosby eran activistas de alguna forma católicos. También se puede considerar la historia de una milagro, pero a mí lo que más me interesa de esta película es que en el fondo es una historia de amor. Es una historia de amor imposible, es una historia de un amor imposiblemente asumida por los personajes, pero es una historia de un amor hondo, profundo y sincero. Construida con una puesta en escena sencilla e invisible, pero con algo de las cosas que hace que el cine de McCarey me impresione, no a base de escenas, ni de planos, ni de artificios, sino de instantes, de momentos de una intensa emoción que McCarey consigue transmitir a los espectadores en estado puro». (Antonio Giménez-Rico).

20:30 · Sala 1 · José Luis Garci. Vidas de repuesto

El crack dos (José Luis Garci, 1983). Int.: Alfredo Landa, María Casanova, Miguel Rellán, Arturo Fernández, José Bódalo, Rafael de Penagos, Agustín González. España. DCP. Color. 115’.

El detective privado Germán Areta se ve inmerso en una compleja trama criminal cuando acepta encargarse de lo que parece un caso trivial.

«El crack dos, tal vez de carácter más marcadamente negro que el primer título de la serie, se convierte así en uno de los más personales de Garci, teñido de un desarmante tono crepuscular, con ecos de noche de insomnio acompañadas por las voces radiofónicas de Manuel Martín Ferrand y José María García, con los paisajes del Madrid de los años ochenta convertidos ahora en impagable documento de aquellos años de la transición y con unos diálogos soberbios impregnados de cotidianeidad transcendida. Hay también un respetuoso tratamiento de la homosexualidad, alejado de la ridiculización paródica habitual del cine español coetáneo e inmediatamente anterior y que está presente incluso en algunas películas protagonizadas por el mismo Landa (ejemplo de ello es No desearás al vecino del quinto)». (Juan Ignacio García Garzón)

Presentación a cargo del actor Miguel Ángel Muñoz y Pablo López, programador de Filmoteca Española.

Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 135’).

- Jueves 22 de junio

17:30 · Sala 1 · Carta blanca de José Luis Garci

Río Bravo (Howard Hawks, 1959). Int.: John Wayne, Dean Martin, Ricky Nelson, Angie Dickinson, Walter Brennan, Ward Bond. EEUU. 35 mm. VOSE. Color. 141’.

El sheriff de una pequeña localidad se ve obligado a buscar toda clase de inesperadas alianzas para protegerse de un poderoso ranchero que quiere sacar de la cárcel a su hermano.

«Creo que Howard Hawks tiene una obra maestra en cada género que ha tocado y especialmente en el wéstern, donde es un maestro incontestable, con Río Rojo y Río Bravo. Río Bravo tiene tantas cosas, como una secuencia muda de cuatro minutos en donde Hawks trata de demostrar que los directores que han trabajado en el mudo tienen una manera de expresarse, con una claridad que ahora es infrecuente y que ya lo era en el año 59, cuando se estrena esta película. Es una escena verdaderamente increíble, que tiene de todo. Une la energía, la violencia y la potencia visual». (José Luis Garci).

19:30 · Sala 2 · José Luis Ozores. La comedia en la sangre

Las dos y media y… veneno (Mariano Ozores, 1959). Int.: José Luis Ozores, Antonio Ozores, Elisa Montés, Fernando Rey, Teresa del Río, Fernando Delgado, Félix Fernández. España. DCP. Color. 87’.

Un anciano planea fingir su muerte para que su sobrino cobre la parte de su herencia que le corresponde. Lo que no sabe es que otro familiar pretende asesinarle.

«La primera película de Mariano Ozores, como la mayoría de su obra, es un sainete, un enredo al estilo de las viejas obras de teatro de Paso, Mihura o Flórez. Curiosamente es en color y ya muestra algunas de las constantes que serán marca de la casa: atracción por el sexo contrario, personajes pícaros, nudo y desenlace prácticamente en el mismo espacio (herencia de sus primeros años en el teatro), si bien aun siendo una época de comedias enloquecidas todavía no muestra la mala uva que irá desarrollando en siguientes guiones y asistimos a un humor ligeramente negro y con final feliz». (Javier Ikaz).

20:30 · Sala 1 · José Luis Garci. Vidas de repuesto

El crack cero (José Luis Garci, 2019). Int.: Carlos Santos, Miguel Ángel Muñoz, Luisa Gavasa, Patricia Vico, Pedro Casablanc, Macarena Gómez, Belén López. España. DCP. B/N. 122’.

Tras el aparente suicidio de un conocido sastre, una mujer tiene sospechas de que en realidad fue un asesinato. Para averiguarlo se pone en contacto con un joven detective privado llamado Germán Areta.

«Durante un tiempo estuvo en el aire hacer un El crack tres con Alfredo Landa interpretando al detective Areta que se jubilaba, cerraba la agencia y se encargaba de un último caso. Pero no se pudo llevar a cabo porque Alfredo ya estaba malito, así que la única manera de recuperar ese universo era retrotraernos al pasado […] Yo lo que he intentado es recuperar el espíritu de las anteriores, la atmósfera, el tono. […] El primer reto fue encontrar a la persona que sustituyera a Alfredo en su juventud. Al principio lo iba a hacer Víctor Clavijo, pero no pudo ser por cuestión de fechas. Menos mal que en España hay buenos actores y yo buscaba una característica que lo hermanara con Alfredo Landa, que fuera un buen cómico y que supiera adaptarse a cualquier registro. Y esa capacidad para transmutarse la encontré en Carlos Santos». (José Luis Garci)

Presentación a cargo del actor Carlos Santos y Pablo López, programador de Filmoteca Española.

Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 140’).

- Viernes 23 de junio

17:30 · Sala 1 · José Luis Garci. Vidas de repuesto

El abuelo (José Luis Garci, 1998). Int.: Fernando Fernán Gómez, Rafael Alonso, Cayetana Guillén Cuervo, Agustín González, Fernando Guillén, Emma Cohen, Antonio Valero. España. 35 mm. Color. 151’.

Un noble hidalgo asturiano regresa de América. Ya en Asturias se entera de que una de sus dos nietas es ilegítima, pero no sabe cuál.

«Garci muestra todo su respeto por Galdós al convertir Jerusa en un lugar que retrata, primero, una España finisecular, con sus estratos sociales bien definidos, y, después, su microcosmos pasional donde, a la manera shakesperiana, algo tan humano como los sentimientos de un anciano vapuleado por la vida, que se aferra con fuerza a lo único de su existencia que aún conserva los valores en los que siempre ha creído, nos animan a no desconfiar de la bondad, esa gran revolución». (Juan Cobos).

19:00 · Sala 2 · Jacques Rivette. En el laberinto de espejos

La Bande des quatre (Jaques Rivette, 1988). Int.: Bulle Ogier, Benoît Régent, Laurence Côte, Fejria Deliba. Francia. DCP REST. VOSE. Color. 160’. Copia restaurada por Media Cohen Group.

Cuatro amigas atienden a una clase de teatro. Una tras otra se van encontrando con un extraño hombre que les dice que otra de sus compañeras está en peligro.

«La retórica visual y verbal de la película consigue una incesante lucha entre el cambio de medios arcaicos y un presente saturado, los registros cómicos y trágicos, y el juego entre representación y actuación cinematográfica y teatral, invitan al espectador a contemplar la vacilación moral entre verdad y mentira en el corazón del estado francés». (Mary M. Wiles).

21:00 · Sala 1 · Carta blanca de José Luis Garci

La evasión (Le Trou, Jacques Becker, 1960). Int.: Philippe Leroy, Marc Michel, Michel Constantin, Jean Keraudy. Francia. DCP. VOSE. B/N. 131’.

Cuatro hombres que comparten celda en un penal francés se disponen a ejecutar su plan de huida cuando un quinto prisionero es transferido a esa misma celda.

«La austeridad que caracteriza al resto de películas de Becker es diferente en La evasión, y esto se debe principalmente al rol que juega el sonido en ella. En un primer nivel, puede parecer que la película se reduce a unos pocos sonidos. Pero más allá de centrarse en el juego de gestos y miradas, o un conjunto de sonidos, se reduce al pulso, su sonido y ritmo. Aunque La evasión es un cine para la escucha, su banda sonora no es necesariamente compleja. No contiene música y en general los sonidos son limitados. Primero, el sonido sobre la piedra y el cemento. Es tan importante su presencia como su ausencia. Lo acompaña el sonido intenso de coger y soltar el aire, la respiración exaltada de los cuerpos esforzándose. Un sonido que no se asigna a ninguno de los personajes en particular, sino que señala el cuerpo deseante como colectivo». (Jodi Brooks).

- Sábado 24 de junio

17:00 · Sala 1 · Filmoteca Junior

Spirit: El corcel indomable (Spirit: Stallion of the Cimarron, Kelly Asbury y Lorna Cook, 2002). EEUU, Canadá. DCP. VOSE. Color. 83’.

En el Salvaje Oeste, un caballo salvaje es capturado por un grupo de vaqueros y llevado a un fuerte del ejército. Allí conocerá a un indio Lakota que le ayudará a escapar.

«Los animales no hablan en Spirit, y creo que esa es una parte importante del éxito de la película. Eleva la película de ser una fantasía infantil a un relato que puede disfrutar una audiencia más amplia, porque, aunque las aventuras del caballo son ciertamente un melodrama exacerbado, el protagonista sigue siendo un animal, en lugar de un ser humano con cuatro patas. La película evita deleitarse en lo que es mono, ganando bastante fuerza narrativa por el camino». (Roger Ebert).

18:30 · Sala 2 · Jacques Rivette. En el laberinto de espejos

Out 1: Spectre (Jacques Rivette, 1974). Int.: Françoise Fabian, Bernadette Lafont, Michael Lonsdale, Jean-Pierre Léaud, Bulle Ogier, Éric Rohmer. Francia. DCP. VOSE. Color. 253’.

Spectre es tanto un montaje más breve de Out 1 como una reinterpretación de aquella, con escenas totalmente diferentes y planos alternativos. Al igual que la versión de 13 horas, sigue a un grupo de jóvenes parisinos que preparan un montaje teatral de Esquilo.

«La importancia de Out 1 como trabajo cinematográfico reside en el mero hecho de su propia existencia y el juego de su naturaleza. Es al mismo tiempo fantasía pura y un documental sobre la vanguardia teatral y el cine de los 70; es tanto una película que existe por la propia visión del director y sus pasiones y obsesiones personales como por haber encontrado su particular forma y contenido en el propio rodaje, gracias a la improvisación de los actores y el equipo. Esto es cine en su estado más puro, más libre». (Robert Fischer).

21:30 · Sala 1 · José Luis Garci. Vidas de repuesto

Una gota de sangre para morir amando (Eloy de la Iglesia, 1973). Int.: Sue Lyon, Chris Mitchum, Jean Sorel, Ramón Pons, Alfredo Alba. España, Francia. DCP. VE. Color. 97’.

En un futuro distópico y autoritario una serie de delincuentes juveniles son asesinados, mientras que el Gran Hospital investiga una cura para los jóvenes con problemas.

«Es sorprendente, visto desde hoy, ver a José Luis Garci como uno de los guionistas de la película. Le conocemos sobre todo como un gran director, muy diferente a Eloy de la Iglesia, pero en esos años era concebido también como un gran guionista. De hecho, en aquellos años escribía un tipo de guiones muy distinto a este tipo de película. Pero Garci, antes de escribir guiones de cine, había escrito incluso libros de ciencia ficción y además había escrito La cabina, que tiene mucho que ver con esta película». (Luis Parés).

- Domingo 25 de junio

17:00 · Sala 1 · Juego de espejos

Abismos de pasión (Luis Buñuel, 1954). Int.: Irasema Dilian, Jorge Mistral, Lilia Prado, Ernesto Alonso. México. 35 mm. B/N. 91’.

Durante su etapa mexicana, Luis Buñuel adaptó la novela Cumbres borrascosas, de Emily Brönte. La película se ofrece como “Juego de espejos” de la adaptación realizada por Jacques Rivette.

«Buñuel me pidió que eliminara las escenas de amor. No iba a ser fácil escribir un guion basado en Cumbres borrascosas sin ninguna escena romántica. Él había entendido claramente que no era un libro sobre el amor, sino todo lo contrario, era sobre el odio. La película adapta más fielmente la novela que la versión estadounidense, porque enfatiza la brutalidad y lo descarnado de la novela. De todos modos, cuando me dijo “No quiero escenas románticas” tuve que pensar en profundidad cómo lidiar con eso. Un día se me ocurrió la idea de poner a los dos protagonistas en un jardín al mismo tiempo que unos personajes sacrifican un cerdo. Esa escena amorosa, con el ruido del cerdo de fondo siendo sacrificado, le gustó a Buñuel y fue incluida en la película». (Julio Alejandro de Castro).

18:00 · Sala 2 · José Luis Ozores. La comedia en la sangre

Recluta con niño (Pedro L. Ramírez, 1956). Int.: José Luis Ozores, Manolo Morán, Encarnita Fuentes, Julia Caba Alba. España. DCP. B/N. 80’.

Un joven abandona su pueblo para realizar el servicio militar en Madrid, dejando a su hermano pequeño a cargo de su novia. Sin embargo, el niño escapa y se presenta en la ciudad.

«Humor y militarismo para esta comedia tan popular en la España de entonces, que conoció una especie de remake en Cateto a babor. Fue una película importante para la historia de nuestro cine, además de por ser un éxito siendo la ópera prima de su director, también porque consagró como actor a José Luis Ozores. Se especializó en un estilo de personajes bonachones, un poco pánfilos, tremendamente ingenuos, de buen corazón. Tenía una manera muy particular de meterse al público en el bolsillo, era de una gracia de actores que conectaban perfectamente con la audiencia». (Carlos Aguilar).

20:00 · Sala 1 · Jacques Rivette. En el laberinto de espejos

Cumbres borrascosas (Hurlevent, Jacques Rivette, 1985). Int.: Fabienne Babe, Lucas Belvaux, Sandra Montaigu, Alice de Poncheville. Francia. 35 mm. VOSE. Color. 130’.

Adaptación de la novela homónima de Emily Brönte que narra una tormentosa historia de amor en los páramos ingleses del siglo XIX.

«No podría decir qué es real e imaginario en la película. La violencia perversa alineada con la sexualidad, que también está presente en todo el cine de Buñuel, atraviesa el trabajo de Balthus. Sus ilustraciones, en concreto, reflejan su preocupación por la sexualidad y la juventud, recluidos en espacios alejados del exterior. Fue el acercamiento de Balthus a la juventud lo que llevó a Rivette a realizar una adaptación en la que los personajes tuvieran la edad de la novela. Rivette diseña la puesta en escena de esta película a partir de las imágenes de Balthus, permitiéndole capturar la violencia y la intensidad juvenil que ya estaba presente en la atmósfera de Cumbres borrascosas». (Mary M. Wiles).

- Martes 27 de junio

18:00 · Sala 1 · José Luis Garci. Vidas de repuesto

Canción de cuna (José Luis Garci, 1994). Int.: Fiorella Faltoyano, Amparo Larrañaga, Maribel Verdú, Alfredo Landa, María Massip, Carmelo Gómez, Virginia Mataix, María Luisa Ponte. España. 35 mm. Color. 101’.

En un convento a finales del siglo XIX aparece un cesto con una recién nacida abandonada. Mientras las monjas se encargan de su educación tratan de que la adopte el médico del pueblo.

«Si hay una película sorprendente y valiente en la filmografía de José Luis Garci, esa es, sin duda, Canción de cuna. Sorprendente, en primer lugar, por el giro que suponía en el director a muchos niveles. Por ello mismo, valiente; porque cuando se alcanza el reconocimiento y el éxito, replantearse el universo creativo constituye una audacia a la que pocos se atreven». (Ingrid Díez).

20:30 · Sala 1 · Sesión especial

Cecil B. Demente (Cecil B. Demented, John Waters, 2000). Int.: Melanie Griffith, Stephen Dorff, Alicia Witt, Adrian Grenier. EEUU, Francia. 35 mm. VOSE. Color. 87’.

Un grupo de cineastas undeground secuestra a una estrella de Hollywood para que participe en su última producción.

«Puede que Cecil B. Demente parezca Asesinos natos con cámaras y claquetas en lugar de armas, pero está felizmente libre de nihilismo y desesperanza. Es una película dulce sobre un grupo de chavales adorables pasándoselo bien (solo uno de ellos llega a disparar), algo así como Hairspray revisitada por Quentin Tarantino si este tuviera un mejor sentido del humor. Es muy propio de John Waters escribir una carta de amor, y esta película no es otra cosa que una carta de amor disfrazada de estridente exploitation y decorada con destellos de sexo y violencia». (Stephanie Zacharek).

- Miércoles 28 de junio

17:30 · Sala 1 · Jacques Rivette. En el laberinto de espejos

Conferencia: Jacques Rivette, por Violeta Kovacsics.

Acceso gratuito hasta completar el aforo.

Duración aproximada de la conferencia: 90’.

19:30 · Sala 2 · José Luis Ozores. La comedia en la sangre

Sabían demasiado (Pedro Lazaga, 1962). Int.: Tony Leblanc, Concha Velasco, José Luis López Vázquez, José Isbert, José Luis Ozores, Ismael Merlo. España. DCP. B/N. 95’.

Una banda de carteristas decide mandar a uno de sus miembros a aprender el oficio de gánster.

«La ayuda del amigo americano ha favorecido el boom de la economía española, pero muchos sectores, como la iglesia católica, algunas facciones del franquismo o ciertas capas de las clases populares, ven con suspicacia cómo la idiosincrasia hispánica corre el peligro de disolverse en el torbellino de nuevos modos y nuevas modas que arrasa con todo. Las alusiones al taylorismo aplicado al crimen, al anticastrismo, a las academias de idiomas y al presidente Eisenhower, que ha recorrido Madrid con Franco en coche descubierto en las navidades de 1959, son elocuentes en cuanto a la fascinación que todo lo estadounidense sigue despertando en la población española». (Santiago Aguilar).

20:00 · Sala 1 · Jacques Rivette. En el laberinto de espejos

L'Amour par terre (Jacques Rivette, 1984). Int.: Jane Birkin, Geraldine Chaplin, André Dussollier, Jean-Pierre Kalfon, Laszlo Szabo. Francia. DCP REST. VOSE. Color. 175’.

Un grupo de actores se traslada al piso del director para ensayar su nueva obra, de la que solo conocerán el final cuando la representen. En la casa, una habitación prohibida y extraños ruidos les alertaran de una presencia que atraviesa la propia obra teatral.

«El equipo formado por Geraldine Chaplin y Jane Birkin, sorprendente pero inspirado, es sofisticado, divertido e invita a la reflexión. La puesta en escena, con una cámara que se desliza, apuñala y observa, sin desperdiciar un solo movimiento, cuando Rivette representa sus pases teatrales privados». (Penelope Houston).

- Jueves 29 de junio

17:30 · Sala 1 · Jacques Rivette. En el laberinto de espejos

La duquesa de Langeais (Ne touchez pas la hache, Jacques Rivette, 2007). Int.: Jeanne Balibar, Guillaume Depardieu, Bulle Ogier, Michel Piccoli. Francia, Italia. 35 mm. VOSE. Color. 137’.

En la Francia napoleónica, una aristócrata casada conoce en una fiesta a un militar y ambos congenian rápidamente. A partir de ahí se inicia un juego cruel de torturas y flirteos, hasta que la situación se vuelve insostenible.

«Cuanto más avanza la película, más intrincada y ornamental se vuelve – un patrón que se hace evidente incluso en las interacciones humanas. El movimiento característico del marqués es la embestida hacia delante, exasperado porque sus declaraciones de amor no surten efecto, mientras que la duquesa se aleja dando rodeos ante sus protestas, aparentemente más pendiente de las apariencias de la alta sociedad que de cualquier sentimiento por su visitante de baja cuna, que sólo recientemente ha crecido en estatus debido a sus logros en el campo de batalla». (Benjamin Mercer)

19:30 · Sala 2 · José Luis Ozores. La comedia en la sangre

Margarita se llama mi amor (Ramón Fernández, 1961). Int.: Mercedes Alonso, Antonio Cifariello, José Luis Ozores, Manolo Zarzo, Ángel del Pozo, Amparo Baró. España. DCP. B/N. 94’.

Margarita, una estudiante universitaria de familia pudiente, embelesa a todos sus compañeros de la facultad, pero ella solo tiene ojos para su profesor de literatura. Esta comedia, basada libremente en la famosa canción popular del mismo nombre, contó con un guion de Vicente Escrivá en uno de sus primeros trabajos lejos del cine religioso.

21:30 · Sala 1 · José Luis Garci. Vidas de repuesto

Extramuros (Miguel Picazo, 1985). Int.: Carmen Maura, Mercedes Sampietro, Aurora Bautista, Assumpta Serna, Antonio Ferrandis, Manuel Alexandre. España. DCP. Color. 118’

Con la esperanza de salvar su convento, que está a punto de cerrar, una monja finge tener los estigmas de Cristo en sus manos. Este largometraje, el último dirigido por Miguel Picazo, fue producido por José Luis Garci.

«En La tía Tula, Miguel Picazo había irrumpido en la angustia mística del personaje “unamuniano” y lo había acercado en el tiempo y el espacio hasta integrarlo en su propia cotidianeidad, hasta hacerlo suyo. Y una vez reencarnado, manifestarse a través de él desde sí mismo. […] Este mismo fenómeno volvió a producirse de forma notable en la realización de Extramuros […] La “monja llagada” es una tía Tula, mucho más lúcida, con una soberbia más racional, más exquisita, que ha descubierto el placer de la erótica-mística de lo terrenal y se entrega en su búsqueda con pasión, con furor. Picazo la conoce bien, no necesita acercarla, es más, le conviene cierta distancia temporal para poder soportar tanta desmesura pasional». (Salvador Augustín).

- Viernes 30 de junio

17:30 · Sala 1 · José Luis Garci. Vidas de repuesto

Asignatura aprobada (José Luis Garci, 1987). Int.: Jesús Puente, Victoria Vera, Teresa Gimpera, Eduardo Hoyo, Pastor Serrador. España. 35 mm. Color. 94’.

Un escritor teatral se marcha a Asturias tras el fracaso de su última obra y el abandono de su mujer. Su descanso se ve truncado cuando su pasado vuelve a él a través de su roquero hijo y el amor de una actriz de teatro.

«Hay bastante acuerdo en considerar que, junto a Sesión continua, Asignatura aprobada supone un punto de inflexión en la filmografía de José Luis Garci. Hasta ese momento su cine (sobre todo la trilogía inicial de Asignatura pendiente, Solos en la madrugada y Las verdes praderas, a la que bien puede añadirse su historia para Viva la clase media, dirigida por González Sinde) está muy anclado en el presente, con personajes que leen en el periódico las mismas noticias que los espectadores, y posee el valor del testimonio vivo de una generación a la que robaron las libertades y careció de una educación sentimental; son películas personales cuyas historias y diálogos se dan cuenta de experiencias generacionales o muy próximas al cineasta madrileño». (José Luis Sánchez Noriega).

20:00 · Sala 2 · «Sala:B»

«Sala:B» y el Orgullo: 

• El transexual (José Jara, 1977). Int.: Agata Lys, Paul Naschy, José Nieto, Sandra Alberti. España. 35 mm. Color. 78’.

• Gay Club (Ramón Fernández, 1981). Int.: Josele Román, Francisco Algora, Antonio Medina, José Álvarez. España. 35 mm. Color. 85’.

«Celebramos el Orgullo con un peculiar programa doble: un docudrama y una comedia LGTBIQ+ procedentes de los inicios de la democracia. Dos películas aparentemente muy alejadas, pero que comparten una actitud favorable con las primeras reivindicaciones del colectivo. El transexual parte de una tragedia real que llamó la atención de Paul Naschy y el guionista Juan José Porto: la muerte de una vedette brasileña durante una operación clandestina de cambio de sexo. Junto a Antonio Fos, guionista de Eloy de la Iglesia, dieron forma a un melodrama donde un reportero (Naschy) investiga la desaparición de Ágata Lys como mujer trans; pero lo más interesante es el elemento documental que discurre paralelo a la ficción. Conducidos por Yeda Brown, también vedette brasileña y de gran popularidad entonces, estos interludios ofrecen un testimonio personal, médico y legal de enorme interés y osadía formal. Incluye además números musicales rodados en el mítico Gay Club del Paseo del Prado de Madrid y hasta una boda con el transformista Paco España como novio. A pesar del regusto exploitation, la colorida actuación final de Yeda dice mucho de la postura del film. Así lo reconoce nuestra invitada La Caneli: “hecho con la mejor intención, hoy en día sería calificado de tránsfobo ya desde el título, pero debemos recordar cómo ha ido evolucionando el lenguaje y cómo términos han ido cayendo en desuso o cambiando su sentido.”

Gay Club (que toma prestado solo el nombre del famoso local) cuenta otra historia muy de verdad, pero en clave de comedia costumbrista. Las peripecias para montar un bar gay en un pueblo andaluz, cargadas de chistes y tópicos mariquitas, pero con una mirada desenfadada y acogedora. Desde el cartel se subrayaba que era una película sin complejos, donde los malos eran los caciques pueblerinos y no los gays. Tito Fernández, veterano del género, contaba con estrellas como Josele Román, Manuel Alexandre, Carlos Larrañaga, Florinda Chico, y también Paco España, que vuelve cual garantía gay-friendly. La Caneli lo tiene claro: “desde el punto de vista historiográfico del colectivo LGTBIQ+ en España, estas películas se convierten en dos joyas que encapsulan un momento muy particular de nuestra historia y, por tanto, su valor como testimonio de una época es indiscutible.”». (Álex Mendíbil)

Presentación a cargo de La Caneli y Álex Mendíbil, comisario de «Sala:B».

Duración aproximada de la presentación: 20’ (Total sesión: 185’).

21:30 · Sala 1 · Carta blanca de José Luis Garci

Perdición (Double Indemnity, Billy Wilder, 1944). Int.: Fred MacMurray, Barbara Stanwyck; Edward G. Robinson, Tom Powers, Porter Hall, Byron Barr. EEUU. DCP. VOSE. B/N. 107’.

Un agente de seguros inicia una relación extramatrimonial con una de sus clientas. Juntos diseñan un plan para deshacerse del marido y cometer un provechoso fraude.

«Wilder elegía, más cuidadosamente aún que el reparto, los coches que tenían los protagonistas, las casas donde tenían que vivir, para hacer una prolongación continua del personaje. Los coches no son casuales, son los coches que tenía ese tipo de gente, como el que trabajaba en el campo petrolífero, el que lleva el personaje de Fred MacMurray, el apartamento donde vive. Está todo muy bien elegido». (José Luis Garci).

MÁS INFORMACIÓN SOBRE EL PROGRAMA: cutt.ly/6wqHA4tu

LOCALIDADES

Pueden comprarse en Internet (entradasfilmoteca.gob.es/) con 72 horas de antelación; también en la taquilla del Cine Doré hasta el comienzo de la última sesión, pero solo para las proyecciones del día en curso; es decir, la venta anticipada solo se efectúa por Internet.

Precio:

- Normal: 3 € cada sesión; 20 € el abono para 10 sesiones; y 40 € el abono anual.

- Estudiantes, miembros de familias numerosas, grupos culturales y educativos vinculados a instituciones, mayores de 65 años y personas en situación legal de desempleo: 2 € cada sesión; 15 € el abono para 10 sesiones; y 30 € el abono anual.

Todas las sesiones son gratuitas para los menores de 18 años.

MÁS INFORMACIÓN: www.culturaydeporte.gob.es/cultura/areas/cine/mc/fe/portada.html